“La familia y el equipo de Bonnie están desconsolados al anunciar que murió inesperadamente anoche en el hospital en Portugal como resultado de la enfermedad por la que estaba siendo tratada. Emitiremos otra declaración en breve, pero por ahora pedimos privacidad para hacer frente a esta tragedia”, indicaron.

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A inicios de mayo pasado, la artista había tenido que ser inducida médicamente a un coma tras una cirugía intestinal de urgencia en la ciudad de Faro, Portugal, donde residía actualmente. “Sabemos que todos le desean lo mejor y les pedimos que respeten nuestra privacidad en estos momentos difíciles”, había expresado su representante al dar la noticia.

La cantante tenía previsto iniciar su gira europea 2026 el 22 de mayo en Malta, pero por supuesto, quedó suspendida.

En junio, días después de haber cumplido los 75 años, se supo que la cantante había salido del coma farmacológico, aunque su situación seguía siendo delicada. “Bonnie ya no está en coma, pero su estado sigue siendo muy grave y permanece en cuidados intensivos”, señalaba el mensaje publicado por entonces en su sitio web oficial.

Una de sus últimas entrevistas

En marzo, durante una entrevista con la revista Hello!, la artista había asegurado que atravesaba un gran momento personal y profesional: “Por el momento estoy en buena forma... Toco madera. Estoy disfrutando mucho de los conciertos. Sigo actuando en ese escenario con mi maravillosa banda; si tienes salud, lo tienes todo”.

En aquella misma charla también comentó que había atravesado problemas en las rodillas que incluso la obligaron a reprogramar algunos shows durante 2025. Sin embargo, explicó que el tratamiento había sido exitoso. “No me pusieron rodillas nuevas”, dijo con humor: “Me hicieron lo que llaman lavados, que resultaron ser un gran éxito”.

A lo largo de su carrera, Tyler cosechó tres nominaciones al premio Grammy y representó al Reino Unido en el Festival de Eurovisión 2013, donde alcanzó el puesto 19. Además, sus aportes a la cultura le valieron ser distinguida como Miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE). Gran parte de este legado se sostuvo sobre el fenómeno imbatible de “Eclipse total del corazón”, un clásico que superó las mil millones de reproducciones impulsado, curiosamente, por los eclipses solares reales de 2017 y 2024.

Varias veces, al hablar sobre este tema, Tyler —con sus peinados voluminosos y su estilo rock glamoroso— afirmaba que no había ganado “casi nada” de dinero porque no es la autora.

El impacto de la canción cruzó generaciones y formatos. En 1995, la inglesa Nicki French la llevó a las pistas de baile, y en 2006 fue el turno de la boyband Westlife. El cine también cayó ante su magnetismo: Cate Blanchett la entonó en una particular escena de la película Vida bandida (2001) mientras atropellaba a Billy Bob Thornton, y tuvo su momento dorado en una boda de la comedia Aquellos viejos tiempos (2003). Incluso el fenómeno adolescente One Direction la rescató en 2010 durante su consagratorio paso por la versión británica del reality The X Factor.

En la actualidad “Eclipse total del corazón” sigue siendo una de las canciones de amor más famosas de todos los tiempos. A principios de 2026, 43 años después de su lanzamiento, había superado mil millones de reproducciones en Spotify.

Su historia

Nacida el 8 de junio de 1951 bajo el nombre de Gaynor Hopkins, los orígenes de la cantante distaban mucho de las luces del estrellato. Hija de un minero del carbón, creció en Skewen —un pueblo galés a pocos kilómetros de Swansea— en una vivienda social con baño exterior, donde compartía la infancia junto a sus cinco hermanos.

Adoraba a los Beatles y el primer álbum que compró fue A Hard Day’s Night. Una de sus canciones favoritas a los 13 años fue “Hippy Hippy Shake” de The Swinging Blue Jeans. Por esa época también veía religiosamente el programa Top of the Pops, según sus memorias Straight From the Heart. Lo grababa cada vez que podía y anotaba las letras de las canciones que le encantaban, como los temas de Janis Joplin, Nina Simone, Tina Turner, Wilson Pickett y Otis Redding. “Solía cantarlas con mi cepillo para el pelo durante horas y horas, y así fue como todo empezó para mí”, escribió.

Ya bajo el seudónimo de Bonnie Tyler —elegido con el respaldo de la discográfica RCA—, su álbum debut The World Starts Tonight (1977) le abrió el camino gracias al éxito del single “Lost in France”, que le valió una nominación como artista revelación en los Brit Awards. Su consolidación definitiva llegó un año después con “It’s a Heartache”, un hit que escaló hasta el puesto número tres de los rankings. Decidida a dar un salto, tras firmar con Sony, quedó impactada al ver a Meat Loaf interpretar “Bat Out of Hell” en la televisión británica. Sin dudarlo, pidió trabajar con el cerebro detrás de ese sonido: el compositor y productor Jim Steinman. Y él fue quien le presentó su canción “Eclipse total del corazón”, que se convertiría en el sencillo debut de su quinto álbum de estudio, Faster Than the Speed of Night, y que la hizo liderar todos los rankings.

Al reevaluar su impacto en 2020, el prestigioso sitio musical Stereogum la definió como un “evento de nivel de extinción plasmado en forma musical”. “Es el pop entendido como una explosión de pasión que acelera el corazón, golpea el pecho y ruge con sangre, mientras los cielos se desploman. Es puro espectáculo. Son fuegos artificiales, láseres, relámpagos y truenos. Se eleva, se precipita y da giros en el aire”, describió la publicación.

Con información de AP y AFP

Entre finales de los setenta y principios de los ochenta, Tyler era una especie de versión femenina y galesa de Rod Stewart. Paseaba su frondosa cabellera rubia y sus ojos celestes por los videoclips de sus temas más famosos: “It’s a Heartache”, “Total Eclipse of the Heart” y “Holding Out for a Hero”, entre otros.

Lo curioso es que cada uno de estos hits nació de registros musicales muy diferentes. Mientras que “It’s a Heartache” llevaba una guitarra de rasguido de fogón; “Total Eclipse of the Heart” se convertía en un estandarte de las baladas dramáticas que rompen corazones y “Holding Out for a Hero” tomaba todas las convenciones del tecno pop de discoteca de aquellos años, echando mano a los bancos de sonidos de baterías programables más comunes de principios de los ochenta. En cada caso, Bonnie supo imprimirle su sello particular e intransferible.

Había nacido como Gaynor Hopkins, el 8 de junio de 1951, en Gales, en una familia de cinco hermanos y hermanas. Y si bien tuvo el fuerte arraigo religioso de su familia protestante, en la intimidad del hogar los oídos estaban abiertos a distintas músicas. La joven Gaynor tenía preferencia por voces intensas, como las de Janis Joplin y Tina Turner.

Para finales de la década del sesenta encontró trabajo en tiendas y supermercados, pero su deseo de cantar la perfiló a la búsqueda de grupos, presentaciones en concursos de talentos y hasta la creación de una banda que la acompañara. De hecho, en uno de esos intentos, un par de cazatalentos de la industria musical creyeron más valioso su trabajo que el de sus acompañantes y le ofrecieron el primer contrato discográfico como solista. Hay un algo que les hacía ruido (y a ella también): su nombre. Primero lo cambió a Sherene Davis y tiempo después, al definitivo Bonnie Tyler.

La fama no llegó de un día para el siguiente. Su primera producción discográfica fue The World Starts Tonight, que trajo la canción “Lost in France”. Sin embargo, el single no alcanzó el éxito pretendido. Fue dos años después, en 1978, cuando asestó el primer golpe e ingresó a los charts con el tema “It’s a Heartache”, que resultó de lo más pegadizo.

El final de esa década fue una especie de transición tanto por los sonidos que quedaban en el pasado como por la estética visual que proponían las nuevas generaciones. Y Bonnie, ya treintañera, supo adaptarse a los signos de esos tiempos. Con sus canciones logró cruzar el Océano Atlántico y afianzarse en el gusto de un público variado. Primero en los Estados Unidos, luego en otros países del continente.

Durante poco más de cuatro décadas, entre 1977 y 2019, publicó 17 producciones discográficas. Su vida musical no concluyó en ese momento; continuó sobre los escenarios. Tenía dos residencias, una en Gales y otra en Portugal. Y desde allí recorría distintos escenarios europeos. De hecho, a principios de mayo de 2026, cuando tuvo que ser operada de urgencia por un problema intestinal, se encontraba en Portugal y debió suspender varios conciertos que tenía programados para las semanas siguientes.

En junio, días después de haber cumplido 75 años, se supo que la cantante había salido del coma farmacológico al que había sido inducida tras esa cirugía intestinal, aunque su situación aún era delicada. “Bonnie ya no está en coma, pero su estado sigue siendo muy grave y permanece en cuidados intensivos en un hospital de Portugal. Aunque su condición está mejorando, es un proceso lento”, señalaba el mensaje publicado en su sitio web oficial.

En ese momento, el entorno de Tyler tenía esperanzas de que pudiera salir adelante —“sus médicos siguen confiando en que se recuperará bien, pero llevará tiempo”, dijeron entonces—, por lo que la muerte de la artista anoche a última hora resultó tan triste como repentina para sus seres queridos. “La familia y el equipo de Bonnie están desconsolados al anunciar que falleció inesperadamente anoche en el hospital en Portugal como resultado de la enfermedad por la que estaba siendo tratada. Emitiremos otra declaración en breve, pero por ahora pedimos privacidad para hacer frente a esta tragedia”, indicaron en sus redes sociales.

En esa lista de apropiaciones involuntarias, la galesa Bonnie Tyler ocupa un Olimpo bizarro y glorioso: su voz raspada y su sensibilidad melódica terminaron dándole forma al insulto más temido de las canchas locales y, al mismo tiempo, a la banda sonora secreta de la mayor gesta del fútbol nacional.

El primer gran hito de esta colonización cultural a la inversa ocurrió a finales de la década de 1970. En 1977, Tyler lanzó “It’s a Heartache” (“Es un dolor de corazón”), una balada country-pop que se convirtió en su primer éxito masivo a nivel global. La canción hablaba de la desilusión, de lo estúpido que es amar a alguien que te lastima y del vacío que queda cuando un romance se apaga. Un clásico de la melancolía anglo. Sin embargo, cuando el vinilo cruzó el Atlántico, el oído de los hinchas detectó un pulso rítmico perfecto para el reclamo.

Los que estudian la historia de las hinchadas, sus canciones, sus rituales y sus crímenes, coinciden en que la primera hinchada en cantar la adaptación fue la de Huracán. El ingenio de la tribuna extirpó el dolor romántico de la canción y lo transformó en impaciencia colectiva. La melodía de “It’s a Heartache” devino en el clásico y universal: “Jugadores, la c... de su madre, a ver si ponen huevos, que no juegan con nadie”.

Mientras Tyler rasgaba la garganta cantando sobre un amor que te defrauda, miles de hinchas colgados de los alambrados la replicaban a los gritos para exigirle actitud a su equipo.

Con los años, el tema pasó a ser patrimonio de todas las hinchadas del país. Es el himno del desahogo, la cortina musical que suena cuando las papas queman, el equipo no corre y el descenso o la eliminación acechan. En las canchas de Boca y River, al mismo tiempo, el año pasado. Una herencia galesa que late en el cemento argentino cada fin de semana.

La playlist de Diego

Pero el destino de Bonnie Tyler con el fútbol argentino no se iba a limitar a la catarsis del hincha indignado. Unos años después, su música subió un escalón y se metió directamente en el santuario de los protagonistas: el vestuario. En 1983, de la mano del productor Jim Steinman, la cantante editó “Total Eclipse of the Heart”, una obra maestra del pop operístico, exagerada, dramática y épica. Un tema que, por su propia fuerza arrolladora, estaba destinado a acompañar momentos grandilocuentes.

El encargado de darle su lugar en la historia grande del deporte fue, cuando no, Diego Armando Maradona. En su libro testimonial México 86. Mi mundial, mi verdad, el Diez reveló la estricta y obsesiva rutina mística que montó la delegación argentina durante aquella Copa del Mundo. El trayecto en micro desde la concentración del América hasta los estadios era un ritual inalterable controlado por el propio Maradona. Y allí, en el corazón del casete que tronaba en el reproductor del ómnibus, Bonnie Tyler era una pieza fundamental.

Diego recordaba que la playlist de la cábala mundialista tenía tres columnas estables que debían sonar sí o sí antes de salir a jugar: “Eye of the Tiger” (de la película Rocky III), “Gigante Chiquito” de Sergio Denis, y “Total Eclipse of the Heart”. La transición entre la épica del boxeador, el estribillo tribunero local y el drama pasional de la galesa construía el clima de trance que el plantel necesitaba. La voz rota, casi al límite, de Tyler encendía las fibras íntimas de los jugadores. Funcionaba como un combustible emocional inmejorable.

“Total Eclipse de Heart” terminó musicalizando la consagración de una Selección inolvidable.

Bonnie Tyler falleció dejando un vacío enorme en la música pop, pero su eco en el sur del continente sigue siendo eterno. Quizás nunca dimensionó en su total magnitud que, mientras ella giraba por teatros de Europa interpretando sus canciones de amor y desamor, en esta esquina del mapa su discografía se había bifurcado en dos mitos vivientes: el insulto más temido por los jugadores del fútbol argentino y la melodía sagrada que acompañó al Diego a levantar la Copa del Mundo.

Conoció el éxito gracias a canciones como “Vuele bajo” y “No soy de aquí ni soy de allá”, y los tiempos de andar con lo puesto. La vida lo hizo andar, durante décadas, y la muerte, que ese día andaba buscando a otro, se lo llevó por error. Hoy, justamente, se cumplen quince años de ese siniestro y nefasto malentendido.

“Yo soy el hijo de Sara y con eso es suficiente. Además soy la peor parte de Isabel, que es mi mejor parte. Soy el cantor de un pueblo que no me pertenece; moderadamente argentino y exageradamente Cabral. Repetidor de Whitman e inventor de mí mismo; orgulloso del hambre que me tiene despierto y asombrado de ser parte de este asombroso universo. Soy un hombre que canta naturalmente entre los hombres que callan inexplicablemente. Y me acuerdo, porque la primera condición que debe tener un cantor es buena memoria. El sabio [Rabindranath] Tagore decía que cuando el hombre trabaja Dios lo respeta. Mas cuando el hombre canta Dios lo ama”, le gustaba decir.

Entre aquél Rodolfo Enrique nacido en La Plata el 22 de mayo de 1937 y el Facundo de los escenarios, entre el mito y la veracidad, hay un punto medio de historia y realidad que hoy ya poco importa. Porque el personaje, las canciones y sus reflexiones convertidas en versos, se impusieron y trascendieron.

La bala puso fin al hombre. Fueron varias balas. Aquello pasó en Guatemala. Luego de haber cantado en el teatro Roma de Quetzaltenango, Facundo Cabral se dirigió al hotel Gran Tikal Futura y al día siguiente (9 de julio de 2011), alrededor de las cinco de la mañana, partió para el Aeropuerto. Habría decidido tomar un transfer desde el hotel, pero el empresario Henry Fariña, que había sido el productor local que lo había contratado, le ofreció llevarlo. Facundo aceptó, subieron a la camioneta del productor y a poco de comenzar el trayecto fueron emboscados y acribillados. La muerte de Cabral fue instantánea. De la investigación surge que el atentado no era contra él sino un ajuste de cuentas planeado para sacar del medio a Fariña, un poderoso narcotraficante.

Cabral habría sido payador, a principios del 1900, en la época de Gabino Ezeiza. O sería rapero, en estos tiempos de música urbana y freestyle. Fue un juglar porque eso era lo que mejor lo representó en su tiempo (aunque la juglaría es un arte que tiene siglos). Fue juglar porque cantaba canciones, contaba historias y era “entretenedor” de públicos que prefirieron sorprenderse escuchando comentarios sagaces que haciendo palmas en festivales de euforia. “Cantar y contar la vida es mi manera de andar”, decía quien se jactaba de no haber tenido casa y de vivir casi siempre en hoteles.

Fue profeta de su propia religión, una que tuvo una considerable cantidad de adeptos. Ferrocabral (convertido en un disco) puede ser uno de esos ejemplos. El de un predicador que declama en tiempos en los que los libros de autoayuda todavía no estaban de moda; tampoco los de las soluciones mágicas para arreglar al mundo. Facundo era el de la generación del pacifismo, que entonaba oraciones, que cantaba prosas, con las “erres” un poco patinadas hacia la “g”. Lo hacía sin dogmatismos religiosos ni políticos. La utopía y la fe fueron pilares de su arte de voz y guitarra. La música no le permitió viajar. Fue al revés. Su espíritu andariego le permitió hacer música. Todo eso acompañado por un gran poder de reflexión e imaginación. Contada en sus propias palabras, su vida fue una especie de película. Solía decir que fue mudo hasta los 9, analfabeto hasta los 14 y que había enviudado de manera trágica a los 40.

Su padre había abandonado a su madre poco antes de que naciera Facundo, séptimo hijo de la pareja. (Otra vez habrá que decirlo y repetirlo) en sus propias palabras, fue ese chico inquieto que conoció a Juan Domingo Perón en un acto público en La Plata (se trepó a su coche para pedirle trabajo). Estuvo preso, visitó 165 países, citó a personalidades como Gandhi y la Madre Teresa de Calcuta en sus espectáculos. Se nutrió de la obra de Walt Witman y de la de Jorge Luis Borges. Fue el que caminó y caminó. El que interpeló con sus frases la cotidianeidad burguesa del ser humano.

“Ando solo por la vida con un tono y dominante, modestamente cantor sin pretensión de enseñarte. Porque si el mundo es redondo no sé qué es ir adelante. Andar y andar siempre andando nada más que por andar. No vine a explicar al mundo. Solo lo vine a tocar. No quiero juzgar al hombre, al hombre quiero contar. Mi condición es la vida y mi camino cantar. Cantar y contar la vida, es mi manera de andar”.

Quince años pasaron de su asesinato. Cualquier búsqueda sobre Cabral nos traerá sus frases; las pacifistas, las místicas, las universales, las filosas y sagaces, las increpantes. Y muchas de ellas estarán recopiladas en su cancionero.

En canciones

Durante el último lustro hubo un par de ediciones para evocarlo. En 2021, el músico Mauro Guiretti realizó un disco de homenaje, Esclavo de la libertad. Grabó casi una docena de canciones para recordarlo y para que, de algún modo, ese cancionero siga viajando.

En agosto de 2024, Sony Music publicó sus primeras grabaciones, al cumplirse sesenta años de aquellos registros. Por entonces -mediados de la década del sesenta- parecía un nuevaolero que interpretaba canciones con el nombre artístico de Indio Gasparino. Actualmente, aquellos temas se pueden encontrar en plataformas digitales.

–¿Cómo se siente tener la libertad de componer sin fechas de entrega?

–Hace rato que me quería tomar el tiempo para hacer un disco entendiendo un poco mejor qué quiero decir, qué clase de artista quiero ser y cuál es mi punto de vista en esta época que ya es bastante distinta a 2023, porque hubo un montón de tecnologías disruptivas y de factores sociopolíticos que cambiaron en el mundo y en la Argentina. Desde que terminé Salvapantallas en 2019 saqué tres discos porque necesitaba repertorio para tocar en vivo, pero ahora que lo tengo quise parar la pelota. Tuve que bancarme que los números bajaran y desaparecer un poquito de la escena, pero son los costos que asumí para poder evolucionar. Fue un proceso personal, no porque tenga la posta, sino porque estoy detectando que si no tengo respeto por mis propios procesos no voy a poder darle a mi público mi mejor versión. Creo que hay mucho de Tranquilo que tiene que ver con no poner el audio en 2x, con no pedirle a una inteligencia artificial que me resuma un ensayo o una nota, sino con bancar el proceso, regar la plantita y esperar hasta que crezca.

–Uno de los males de este tiempo es el déficit de atención...

–Eso y lo rápido que envejecen las cosas. Me llama mucho la atención lo difícil que es conseguir un hit. El éxito de cualquier canción, por más pegadiza que sea, dura dos segundos. Hoy todo tiene una fecha de vencimiento cada vez más corta porque la vida va más rápido. Esta falta de atención que todos sufrimos, y de la que somos víctimas y cómplices a la vez, lleva a que el presente musical sea raro e impredecible, porque las fórmulas que podrían ser exitosas ya no funcionan como antes. Me duele lo difícil que es para cualquiera escuchar un disco completo o leer un libro porque, si perdemos profundidad como consumidores, eventualmente vamos a perderla como artistas.

–¿Cuánto influyó en esta decisión de hacer las cosas más despacio la vorágine que viviste con Salvapantallas, el dúo que formaste con Zoe Gotusso, cuando se hicieron virales?

–Fueron años locos porque pasamos de tocar en bares de la ciudad de Córdoba a estar tres años de gira, prácticamente sin volver a casa. Al final nos terminamos mudando a Capital porque la vida la teníamos más acá que allá. En ese tiempo nos vimos obligados a ir aprendiendo a ser profesionales sobre la marcha porque había un montón de cosas que no sabíamos. También teníamos muchas exigencias externas porque todos te dicen que cuando un proyecto va bien, hay que aprovechar la oportunidad. Nosotros lo entendíamos también de esa forma, pero nadie te explica cómo va a ser eso ni todo lo que implica: de cuánto ponés el cuerpo y perdés tus rutinas y también cuántos aprendizajes truncás en ese camino.

–Con Salvapantallas se hicieron virales tocando covers, pero después empezaron a hacer sus propias canciones. ¿Cómo fue ese proceso de animarse a mostrar material propio, primero como dúo y después como solistas?

–Fueron procesos que requirieron plantarse ante el miedo a perder algo. Sabíamos que al pasar de las versiones, que estábamos seguros de que iban a funcionar, a tocar nuestras canciones teníamos mucho para perder porque a mucha gente no le iba a interesar, pero también sabíamos que teníamos algo para ganar, que era salir de ese lugar de versionistas para ser tomados más en serio en la escena. Había gente que al principio nos prejuzgaba y que después se dio cuenta de que teníamos algo propio para decir. Con mi proyecto personal el desafío fue encontrar mi voz y mi identidad como artista porque en Salvapantallas yo no llevaba la voz principal, sino que tenía un rol con menos exposición.

–El primer corte del álbum es una canción que se llama “Antisocial”. ¿Por qué hacer una canción pop sobre una cuestión que está más vinculada a lo que algunos tildan de perdedores?

–El acto de socializar es un tema que está en agenda, porque las relaciones entre las personas cambiaron en el último tiempo por causas como el exceso de trabajo y las redes. No es algo que me pase a mí, pero lo cierto es que hoy queda poco resto al final del día para estar en una reunión, en una fiesta o en alguna situación que te expone frente a un montón de gente, y tenés que estar pensando en cómo hacerlo. La canción habla de aflojar esa tensión, de que está bien volver a estar con uno mismo para después poder volver a esa situación social. A mí me divierte desarmar la imagen preestablecida de lo que es ser un ganador o un perdedor. La música pop es un buen vehículo para este tipo de narrativas porque, como es más liviana o más fácil de asimilar, termina siendo una plataforma que permite tratar ciertos temas con contraste y causar reacciones inesperadas. Al final, quizás el ganador no es el que se queda hasta el final, sino el que se va a la mitad de la noche porque así se siente bien.

–Grabaste “Antisocial” con Ale Sergi. ¿Fue diferente trabajar con él que con Miranda!, con quienes regrabaste “Pasaporte” en 2021?

–Para mí, Miranda! es la banda de pop número uno de la historia argentina. No hay muchos artistas que puedan dar un show de dos horas con hits que cualquiera se sabe de memoria. Su repertorio es eterno y universal. Por eso cuando hicimos una sesión en vivo con las canciones de mi primer disco yo recién los conocía y quería molestarlos lo menos posible, pero le pusieron la mejor onda. Después con Ale se fue tejiendo una amistad a lo largo de los años, así que para esta canción le mandé un mensaje y le dije: “Tengo este tema. Hay una inspiración muy fuerte en tu música. Vení a cantarlo conmigo o mandame una carta documento, lo que vos quieras”. Se rió, lo escuchó, le gustó, fui a su estudio y lo grabamos.

–Otra de tus colaboraciones más célebres fue con Chano. ¿Cómo fue grabar con él?

–Fue una experiencia súper linda. Antes de eso había hecho una canción con Bambi. Me invitó al estudio casi sin conocerme y ese día de las seis horas que compartimos, cinco se fueron charlando de la vida y de las experiencias en la música. Solo trabajamos una hora, en la que grabamos “Yo vivo en una canción”, que está en un disco suyo. Con él tuve una conexión muy genuina y a través de él conocí a Chano, que es alguien que tiene mucha sensibilidad y que ve más allá. Más adelante, él fue a tocar a Córdoba y me invitó a cantar “La melodía de Dios”, que para mí fue una experiencia inolvidable porque me acuerdo que tenía los auriculares al máximo, pero no escuchaba la música sino a la gente cantar a los gritos. Después de ese show, le conté que estaba grabando mi álbum 3D y quedamos en hacer algo juntos, así que se me ocurrió la idea de hacer “Incomprendida”, que es una canción que lo representa mucho. Hace poquito le conté que quería entrar al mundo de Jorge Luis Borges y me mandó un audio precioso de cinco minutos en el que me da todos los fundamentos de por qué tengo que empezar por sus poemas.

–Vos naciste en Córdoba, una provincia que tiene una identidad fuerte. ¿Cuánto de ella hay en lo que hacés?

–Amo Córdoba, la llevo a todos lados conmigo. Quizás no se traduce tanto en la música que hago, pero soy un cordobés hincha de Talleres muy orgulloso, que vive en Capital hace siete años, pero no perdió la tonada. Con respecto a la música, es verdad que lo que más se conoce de Córdoba es el folklore y el cuarteto, pero hay una tradición muy importante de músicos de jazz, y también hubo un sello que se llamó Discos del Bosque, del cual salieron Juan Ingaramo, Hipnótica, Rayos Láser y Francisca y los Exploradores, que al principio tenía un sonido electropop que fue muy inspirador, tanto como Eruca Sativa, que si bien ellos siempre hicieron rock, demostraron que una banda cordobesa podía funcionar bien en Buenos Aires, algo que se creía imposible. Ellos lo lograron.

“Fútbol, ​​música e impacto social se unirán en el primer espectáculo de medio tiempo de la final de la Copa Mundial de la FIFA, que tendrá lugar el domingo 19 de julio en el Estadio de Nueva York-Nueva Jersey", dice un comunicado oficial, que además suma varios nombres a ese staff estelar: “Burna Boy, Gustavo Dudamel y el Coro PS22 con Coldplay también se presentarán”.

Ya se han recaudado más de 50 millones de dólares, incluyendo 1 dólar de cada entrada vendida para los partidos de la Copa Mundial de la FIFA 2026, que se donará para apoyar proyectos sociales en todo el mundo.

“Justin Bieber se une a Madonna, Shakira y BTS como cabezas de cartel, reuniendo a algunos de los artistas más importantes del mundo para una celebración histórica que fusiona deporte, música e impacto global. Burna Boy -cuyo éxito mundial “Dai Dai” con Shakira continúa dominando las listas de popularidad en todo el mundo-, Gustavo Dudamel y el Coro PS 22 con Coldplay también se unirán y desempeñarán un papel clave para transmitir un poderoso mensaje de unidad y esperanza a miles de millones de personas en todo el mundo. Mientras el mundo se une para el partido de fútbol más importante de la historia en el New York New Jersey Stadium, este innovador espectáculo, comisariado por Chris Martin de Coldplay, celebrará el fútbol, ​​la música y nuestros valores compartidos, asegurando un legado que trascienda el pitido final".

La producción general está siendo realizada por Global Citizen en colaboración con Live Nation y Done + Dusted. En un breve video que anuncia a los artistas, Chris Martin, de Coldplay, revela el elenco estelar y afirma que el espectáculo se centrará en la unión y que todos están invitados.

El espectáculo apoyará al Fondo de Educación Ciudadana Global de la FIFA, una iniciativa que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a una educación de calidad y oportunidades futbolísticas para niños de todo el mundo. Ya se han recaudado más de 50 millones de dólares, y el impulso continúa creciendo.

“La Copa Mundial de la FIFA une al mundo como ningún otro evento. Me siento agradecido de formar parte de este espectáculo de medio tiempo, y aún más agradecido de saber que ya está contribuyendo a ampliar el acceso a la educación para niños de todo el mundo”, declaró Justin Bieber.

“La Copa Mundial es uno de los pocos momentos que realmente une al mundo entero. Representar a África en el primer espectáculo de medio tiempo es un privilegio y una responsabilidad que me tomo muy en serio. Me honra formar parte”, añadió Burna Boy.

Además, personajes de Plaza Sésamo y Los Muppets también formarán parte del espectáculo.

La particularidad es que tendrá como invitado al violinista Jeremías Sergiani-Velázquez, que lleva más de una década y media radicado en los Estados Unidos. Cuando se toma unas semanas de vacaciones enfila para la Argentina para visitar a su familia y, si se puede, tocar.

En realidad, programar conciertos son la mejor excusa para volver. De hecho, su esposa, la flautista Katie Althen, es bastante fan de nuestro país y la que lo impulsa a programar actuaciones en la Argentina. Katie tiene agendado para el 12 de julio un recital de flauta y piano con Natalia Suriano en Pro Música Rosario. Jeremías, antes de la gira con la Camerata tiene un concierto como concertino invitado de la Sinfónica Nacional, con dirección de Emmanuel Siffert. El programa incluye obras de Franz Liszt y Alex Nante.

Jeremías dejó su Córdoba natal a los 18 y llegó a los Estados Unidos en 2010. Se formó en el New England Conservatory (donde conoció a Katie) y luego en la prestigiosa escuela Juilliard. Integró la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh y la Orquesta Sinfónica Grant Park de Chicago. Realizó giras con la Orquesta de Cámara Orpheus y fue concertino de los New York Classical Players. También realizó una intensa actividad en música de cámara e integró el cuarteto tanguero de Pedro Giraudo.

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Lo más cotidiano para Jeremías es ser solista de la fila de segundos violines de la orquesta de la Metropolitan Opera House de Nueva York (MET), que en la temporada 2026-2027, tiene una agenda de unos 18 títulos (el 30 por ciento son producciones de estreno). Es decir, estará ocupado, incluso con las giras que hace la orquesta. Pero busca nuevos desafíos.

-¿Le podés explicar al lector el rol de primer violín de los segundos de la orquesta y como llegaste a ese lugar?

-Iba a comenzar en 2020 pero por la pandemia se postergó. Pasé 17 meses en la casa de mis suegros. Es decir, en la casa de los padres de quien entonces era mi novia. Por suerte la pasamos bárbaro. Recién en 2021 comencé con la orquesta. Para explicarlo, una orquesta tiene unos 14 “primeros” violines, otros 14 “segundos”, unas diez violas y ocho chelos. La primera silla de los segundos violines lidera la sección y es el nexo entre esa sección y el director. Además tiene que estar en contacto con los solistas del resto de las secciones. Hay que liderar, dar confianza, musicalmente hablando, a la sección, y estar bien preparado y escuchando a los cantantes, porque hacemos ópera.

-Con la cantidad de títulos que tiene el MET, la actividad es fuerte. ¿Queda tiempo para otra cosa?

-El MET hace siete funciones por semana. Cada uno de nosotros tiene que participar en, al menos, cuatro, más los ensayos. Yo hago cuatro o cinco por semana. Pueden ser cuatro óperas diferentes y en los ensayos, otras que son las que tendremos funciones más adelante, en dos semanas. Es como una calesita de repertorio que se mueve y tenés que mantenerte a flote. Pero, la verdad, me encanta. Es buena la orquesta, son buenos los colegas, me encanta el repertorio que hacemos. Es mucho trabajo, pero es mi pasión.

-¿Fuera de lo musical, como es tu vida allá?

-La realidad de conseguir trabajo es complicada. Es estadísticamente difícil. Llegan 400 currículums para un puesto. Tenés graduados de distintas escuelas que tocan muy bien. Es una competencia, hay mucho de preparación y se trata de estar en la mejor forma posible. Y hay otro tanto de circunstancia. Me presenté en varios lugares. En las primeras audiciones que hice no me fue muy bien. Cuando gané en el MET logré algo que se sentía como un sueño. Luego, vivir en Nueva York, obviamente es una ciudad muy cara, pero por suerte estamos cómodos. Nos mantenemos muy activos. Mi esposa da clases, tiene un ciclo de música de cámara. Siempre está dando conciertos. Y ahora va a dar recitales en Buenos Aires y Rosario. Tratamos de hacer mucha música de cámara porque eso nos mantiene la inspiración rodando. No hay que perder la inspiración para que no se sienta como un trabajo. Obviamente, hay días en los que uno no tiene ganas de ir.

-¿Cómo será la experiencia tanguera con la Camerata?

-He tocado otras cosas de tango pero nunca las estaciones porteñas. Ignacio Quiroz y Danisa me hicieron la propuesta y me encantó la idea de esta Camerata que tiene la flexibilidad de muchos tipos de repertorios. La verdad que hasta ahora ha sido un placer. Son todos increíbles músicos en la orquesta y Danisa también. Estoy contento de colaborar con ellos.

-¿Hay un plus emocional al momento de tocar acá?

-Me pone nervioso tocar en Córdoba. Súper contento y nervioso. En los últimos tres o cuatro años vuelvo todos los años. Y toco música de cámara. También me gusta dar clases, cuando hay oportunidad. Porque me siento afortunado. La realidad argentina es difícil para salir a formarse. Mi familia lo vivió en carne propia. Sin la ayuda de mis padres, tías y abuelos, y de mi profesor en Córdoba, Fabricio Valvasori, no hubiera podido hacerlo. Ahora que estoy más establecido, mi sueño es volver más y dar clases, tocar conciertos, colaborar con la sinfónica o con otras orquestas.

-¿Y tu esposa?

-Y ella, que es de allá, es la que más le gusta venir. Le encanta Buenos Aires. “¿Cuándo vamos a ir?, me dice. “Vamos, organicemos un recital”. Y esa es la razón por la que comencé a venir más. A veces quiero descansar, porque la temporada [de ópera en el MET] estuvo muy ocupada. Pero al final venimos, organizamos cosas y me re engancho.

-Ahora estarás de vacaciones del MET, que está por comenzar la temporada 2026-2027.

-Claro. Empieza en septiembre, pero en la mitad de agosto nos vamos de gira por Europa. Salimos de gira una vez por año. El que viene nos toca Asia.

-O sea que las vacaciones son para seguir trabajando.

-Pero me da una energía bárbara. Me motiva. Me encanta mi trabajo. Venir acá es hacer cosas con otros anteojos. Otro punto de vista. Me recarga más que una vacación sin hacer nada.

-¿Cuándo a los 18 decidiste formarte afuera, Estados Unidos fue la primera opción?

-Originalmente pensé en Europa por los costos. En Estados Unidos los costos son prohibitivos para nosotros. El costo académico puede ser de 40 mil dólares.

-¿Por año?

-Sí. Mis padres son de clase media, empleados públicos. Nunca me faltó nada, pero no había chances para eso. Tuve la buena fortuna de haber conocido en Brasil a quien luego fue mi profesora, Miriam Freed. Fue ella la que me dijo si quería ir a Boston, para estudiar con ella. Y por suerte en New England me dieron una beca completa. Aun así fue difícil. Al año siguiente, el Mozarteum Argentino me dio una beca por tres años. Sin ellos hubiera sido imposible.

-¿Cómo fueron las primeras experiencias?

-La primera vez que fui a audicionar, iba escuchando al resto de los chicos y eran, literalmente, los mejores violinistas que había escuchado en mi vida, en persona. No hablo de discos. “¿Qué estoy haciendo acá?“, pensaba. Síndrome de impostor al máximo. Recién cuando me graduó dije: ahora quiero un trabajo. Mientras estudiaba en la Jiulliard tocaba música de cámara y tango, en milongas, con el grupo de Pedro Giraudo.

-¿Qué fue lo más difícil?

-Ese principio de ver a los chicos de mi edad tocando Paganini. Estuve cuatro años estudiando. No había atajos; había que estudiar. No salía, no conocía Boston. Me la pasaba estudiando. No era lo más saludable, pero me sirvió para mejorar.