Arngrim, que participó en 104 episodios de la serie original a lo largo de ocho temporadas, dejó atrás los característicos rulos rubios, los vestidos impecables y los moños pastel de Nellie para transformarse en Ida, un inquietante personaje que aparece en el segundo episodio.

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La actriz interpreta a una mujer que vive en el bosque junto a un grupo de vagabundas de la frontera. Cuando Laura Ingalls (Alice Halsey) y su hermana salen en busca de John Edwards, se cruzan con ellas, que aseguran conocer su paradero. Sin embargo, Laura percibe rápidamente que algo no está bien e intenta escapar. En medio del forcejeo, Ida la sujeta del brazo y la niña termina mordiéndola para poder huir.

El aspecto del personaje dista por completo del que convirtió a Arngrim en una estrella infantil. Para esta nueva versión luce el rostro cubierto de suciedad, los dientes deteriorados y un aspecto completamente descuidado.

En una entrevista publicada en Tudum, el sitio oficial de Netflix, la actriz contó que recibió la propuesta apenas unos días antes del inicio del rodaje en Canadá. “Recibí una llamada telefónica: ‘¿Qué harás dentro de una semana y media? ¿Podrías venir a Winnipeg? Hay un personaje, queremos que lo hagas tú’“, recordó.

Sobre Ida, explicó: “Básicamente es una mujer loca en el bosque” y la definió también como ”una especie de vagabunda del bosque con amigos vagabundos“.

Con su característico sentido del humor, describió la escena que comparte con las hermanas Ingalls: “Están pasando el rato en el bosque, cenando tranquilamente, haciendo una pequeña fogata, y las dos pobres e inocentes chicas Ingalls aparecen de repente, y nosotras decimos: ‘Hola, vengan. Pasen el rato con nosotros’“.

La actriz confesó que aceptó el papel inmediatamente. “Pensé: ‘Oh, eso es espeluznante. Es perfecto para mí. ¡Voy para allá enseguida!’“, aseguró.

Arngrim también recordó cómo fue convivir con la enorme popularidad que alcanzó gracias a Nellie Oleson. Según contó, la fama explotó durante la tercera temporada de la serie, cuando el elenco comenzó a ser reconocido en la calle.

“Lo más extraño de ser una estrella infantil es que ocurre años después...“, afirmó. Y explicó: ”Ya es bastante raro ser famoso a los 12, 13 o 14 años, que desconocidos te hablen por la calle como si te conocieran. Pero años después, tienes 30, 40, 50, 64 años, y todavía hay completos desconocidos que se te acercan en el supermercado para hablar de lo que le hiciste a Laura cuando tenía 12 años. Eso es raro“.

Lejos de renegar de su personaje, Arngrim cree que precisamente allí estuvo el secreto de su éxito. “El truco está en que, si lo haces bien, todos te odiarán; y si realmente lo haces bien, al final te amarán“, reflexionó.

Y agregó: “Claramente era la villana. Era horrible. Fui terrible con Laura y con todos... Y, sin embargo, la gente habla de mí como un ícono. Adoran a Nellie. No se cansan de ella“.

La actriz también destacó las diferencias entre el rodaje de la serie original y el de esta nueva producción de Netflix, especialmente en el nivel de fidelidad histórica del vestuario.

“Lo primero que me dejó boquiabierta fue el vestuario. En nuestro programa de 1974 no usábamos corsés“, recordó. ”Teníamos algunas prendas auténticas: camisolas, bombachones, pero en esta serie se usa la combinación, luego el corsé encima... Todo el vestuario con corsé. Estaba en el séptimo cielo. Me encanta todo esto. Pensé: ‘¡Lo estamos dando todo! Esto es fabuloso!’“.

El proceso de caracterización también fue mucho más extremo que cualquier experiencia anterior. “Me hicieron parecer mucho menos cuidada de lo que realmente soy. Me pintaron los dientes y los dejaron con un aspecto horrible. Me pintaron las uñas para que parecieran asquerosas, sucias y enfermas. Todas mis hermosas uñas, mis hermosos dientes, mi hermosa piel... ¡se fueron al traste!“, contó entre risas.

Sin embargo, consideró que el resultado era coherente con el contexto histórico del personaje. “Era el siglo XIX. La gente estaba expuesta al sol; no había protector solar, y esta mujer claramente es un caso difícil. Ha estado bebiendo, viviendo en el bosque y deshidratada. Es una mujer muy dura“.

Curiosamente, meses antes de ser convocada, Arngrim había manifestado públicamente su deseo de formar parte del proyecto. En febrero, durante una entrevista con ReMIND, había dicho con humor: “Llevo años bromeando con que por fin tengo la edad suficiente para interpretar a la señora Oleson, así que llámenme“. Finalmente, el llamado llegó, aunque para interpretar a un personaje completamente distinto y demostrar que, más de 40 años después, todavía puede sorprender a los seguidores de La casa de la pradera.

La artista peruana tomó como base el clásico “Moscú”, de la banda Dschinghis Khan, y cambió la letra original por versos dedicados a la joven promesa. Mediante su cuenta de Instagram, la cantante publicó el video que no tardó en viralizarse en cuestión de minutos y distintos medios internacionales se hicieron eco. “¡Para mi amor platónico, Haaland!”, escribió desde su perfil.

“Estoy hospitalizada con oxígeno y puedo dar fe de que este video me acaba de dar vida”; “¡¡¡Señora, usted es increíble!!! Es una máquina de mercadeo”; “Estaba buscando oro y encontré diamante, grandee tigresa” y “Chicas, ya no podemos hacer nada; ahora sí la tigresa le puso las garritas sobre él ya lo perdimos”, fueron algunos de los comentarios que los usuarios dejaron.

La letra de la canción que La Tigresa del Oriente le dedicó a Erling Haaland

No es un humano, es Haaland Haaland, Haaland Es de otro planeta, mete muchos goles Ha, ha, Haaland.

Haaland, Haaland, un vikingo sin igual. Es mitad androide Ha, ha... Haaland.

Haaland, Haaland, Haaland. Está un poco loco, celebra como un robot. Ha, ha, Haaland, Haaland, Haaland.

Camina como Majin Buu y luego es el más veloz. Ha, ha, Haaland.

(Hablado) ¡Les mando garritas vikingas, de tu Tigresa del Oriente!

Entre los nominados en placa negativa se encuentran Luana, Mariela, Majluf, Solange, Manuel, Yipio, Hanssen, JC, Manuel y Emanuel. Mientras que Juanicar quedó salvado por haber ganado el desafío de la semana que lo posicionó como líder en la casa más famosa del país.

Aunque hasta último momento el público no conocerá la decisión final, algunas encuestas realizadas en redes sociales dejaron en evidencia una marcada tendencia hacia un jugador en particular. El sondeo realizado por “Fefe” Bongiorno en Instagram enfrentó a todos los nominados y quien quedó en la cima fue Solange con 12,2 mil votos.

En paralelo, una encuesta realizada por el periodista Diego Poggi también mostró que esta tendencia se encuentra muy marcada. En su sondeo, 8.7 mil personas votaron porque Solange abandone la casa el próximo lunes.

Ahora restará esperar hasta el lunes a la noche para conocer quién, efectivamente, es el más votado en Generación Dorada. Será Santiago del Moro el encargado de anunciar su nombre y, minutos después, tras despedirse de sus compañeros y de Gran Hermano, abandonará la casa.

Como es habitual cada viernes, la plataforma de streaming seleccionó las producciones más vistas en la Argentina, para que los usuarios puedan elegir según sus preferencias y disfrutarlas desde la comodidad de su hogar, con un buen balde de pochoclos.

Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix

1. Te encontraré (2026)

Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.

2. La casa de la pradera (2026)

Western/Drama. Una combinación de drama familiar con tintes de esperanza y relato de supervivencia. Esta nueva versión de los célebres libros semiautobiográficos de Laura Ingalls Wilder ofrece una visión única de las dificultades y los logros de quienes forjaron los orígenes del Oeste de EE. UU. Duración: ocho episodios. Ver La casa de la pradera.

3. Mi otra yo, temporada 3 (2026)

Drama/Romance. Esta entrega se centra en sus nuevas etapas personales, mientras confrontan traumas familiares, dilemas y relaciones sentimentales en el pueblo costero de Ayvalık. Las protagonistas buscan un nuevo comienzo y sanar de sus miedos, lidiando con decisiones trascendentales que lo cambian todo. Duración: ocho episodios. Ver Mi otra yo, temporada 3.

4. El polígamo (2026)

Drama/Romance. Joyce, muy popular en las redes sociales, parece el ejemplo ideal de la felicidad conyugal... hasta que las conquistas de su marido infiel desencadenan una gran crisis. Duración: 22 episodios. Ver El polígamo.

5. Verano del 36 (2026)

Drama/Intriga. Niza, verano de 1936, justo en el momento histórico en el que los trabajadores y las trabajadoras francesas comienzan a disfrutar de sus primeras vacaciones pagadas. Esta llegada masiva de veraneantes de clase media y baja altera por completo la paz de la alta burguesía que acostumbra veranear en la lujosa Costa Azul. En medio de este choque cultural y social, cuatro mujeres de orígenes muy distintos se ven involucradas en el misterioso asesinato de un fiscal en el exclusivo hotel Riviera. Duración: seis episodios. Ver Verano del 36.

Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix

1. Aguas que corroen (2018)

Terror/Acción. Una mala decisión en la ruta provoca que Sawyer, una joven que se dirige a una entrevista laboral, se pierda en un bosque helado en el que se oculta una banda de criminales. Entrar fue un error; salir con vida del bosque será un milagro. Duración: 1 h 47 min. Ver Aguas que corroen.

2. La portera (2020)

Acción/Suspenso. Ali, una exmarina traumatizada en combate regresa a su país para comenzar una nueva vida como encargada de un antiguo edificio de Nueva York. Ali deberá enfrentar a un grupo de ladrones. Duración: 1 h 37 min. Ver La portera.

3. Contrarreloj (2023)

Acción/Suspenso. Matt, un empresario estadounidense que reside en Berlín lleva a sus dos hijos en auto cuando, de improvisto, recibe una llamada. Un desconocido le informa de que hay una bomba en el vehículo y la hará estallar si no sigue sus indicaciones. Duración: 1 h 31 min. Ver Contrarreloj.

4. Hasta el final (2026)

Drama/Maternidad. Cuando su hijo pequeño enferma, Jada, que lo dio todo por ser madre, está dispuesta a hacer cuanto sea necesario por encontrar un donante y salvarlo cueste lo que cueste. Duración: 1 h 42 min. Ver Hasta el final.

5. Enola Holmes 3 (2026)

Intriga/Comedia. La detective Enola Holmes viaja a Malta para casarse, donde sus aspiraciones personales se entremezclan con su caso más complejo y peligroso hasta la fecha: el secuestro de su hermano Sherlock el día de la ceremonia. Duración: 1 h 48 min. Ver Enola Holmes 3.

Con esta alianza, Polenta pasará a formar parte del portafolio de BRESH Global, aunque continuará funcionando bajo su propia identidad creativa. Sus fundadores, Marina “Polaca” Frohmann e Ignacio Elizalde, seguirán liderando la estrategia artística, comercial y operativa de la compañía, mientras Frohmann permanecerá como CEO.

Fundada en la Argentina, Polenta consolidó una comunidad entre la Generación Z y los millennials jóvenes, expandiendo su presencia a distintos países de América Latina, Europa y Estados Unidos. Solo durante 2024 organizó alrededor de 120 eventos entre fiestas, festivales y activaciones junto a marcas.

“Siempre quisimos que la pista de baile fuera un espacio de libertad y expresión; un lugar con una historia para contar, donde la música te reconecta con tus recuerdos mientras te presenta algo nuevo”, señalaron Frohmann y Elizalde al anunciar la alianza. “Esa es la energía y la comunidad sobre las que construimos Polenta. En esencia, siempre tuvo un solo propósito: iluminar la noche. Puede sonar simple, pero creemos que la vida nocturna está lista para una revolución”, agregaron.

Una estrategia de crecimiento

La adquisición se enmarca en la creación de BRESH Global, la plataforma global de entretenimiento impulsada por Carabela para desarrollar un portafolio internacional de marcas vinculadas con la música, las experiencias en vivo y la propiedad intelectual cultural.

Actualmente, BRESH Global tiene presencia en más de 30 países y 200 ciudades, produce más de 500 eventos por año para más de un millón de asistentes y desarrolla formatos propios como Casa BRESH, su residencia anual en Ibiza, además de distintos proyectos de contenido y alianzas con marcas.

Para Jaime James, fundador de BRESH, la incorporación de Polenta responde a una visión compartida sobre la construcción de comunidad a través de la música. “BRESH nació de la convicción de que la felicidad vive dentro de cada persona y que la música, la emoción y la comunidad pueden ayudar a despertarla. Polenta construyó un universo con esa misma energía: un sonido propio, un espíritu único y una comunidad que se reúne para sentirse viva. Nos entusiasma unir nuestras comunidades, ayudar a que Polenta llegue a más personas y crear aún más momentos de felicidad.”

Desde Carabela, el grupo detrás de BRESH Global, también destacaron el valor estratégico de la operación. “Polenta es una incorporación natural a la plataforma de BRESH Global. Aporta una audiencia complementaria, suma nuevos formatos de experiencias y encaja con nuestra manera de construir negocios: propiedad intelectual basada en activos capaces de expandirse a distintos mercados”, afirmó Eduardo García Fernández, fundador y socio director de la compañía.

BRESH Global apuesta a desarrollar un ecosistema de experiencias alrededor de comunidades ya consolidadas, mientras que Polenta continuará operando con su identidad propia, apoyada en una estructura que apunta a acelerar su crecimiento internacional.

Tras ello, escribió un emotivo mensaje sobre el video: “Dios, sos grande. Gracias, gracias, gracias”. De fondo, se escuchaba a la profesional a cargo de la ecografía explicar que el embarazo transcurría con normalidad.

En 2024 la pareja tuvo a Kahlo Milagro, su primera hija, y también mostraron el embarazo en sus redes sociales.

A fines del año pasado Elina había señalado que uno de sus mayores deseos era volver a ser madre.

La noticia surgió en medio del fuerte escándalo del coleccionista con su expareja Teresa Costantini. La directora de cine enfrenta una batalla legal con el empresario para que deje de usar el apellido con el que desarrolló gran parte de su trayectoria artística.

Teresa Costantini ambién afirmó que existe una presentación ante un tribunal eclesiástico para anular el matrimonio. La pareja estuvo casada durante 28 años y fueron padres de cinco hijos.

La feliz pareja

Elina y Eduardo Costantini se encuentran en pareja hace ocho años. Cuando supo que había quedado embarazada de Kahlo, la mujer habló públicamente de las dificultades que había enfrentado para ser madre.

“Me costaba creerlo porque me fue muy difícil lograr ser mamá. Desde que nos conocemos [con Eduardo Costantini] que queremos ser padres, y cuando lo supimos, yo no lo podía creer. Me estaba sintiendo mal y creía que me había agarrado un virus. El médico me dijo que por los síntomas podía ser que estuviera embarazada, así que fui urgente a buscar un test, que dio negativo”, sostuvo en diálogo con LA NACION en 2024.

Y continuó: “Eduardo, que estaba súper ilusionado y es muy intuitivo, me insistió para hacerlo otra vez. Fuimos a comprar esas cajas en las que vienen un montón y me lo hice para darle el gusto, sin esperar nada. Los dejé en el baño, y mientras me hacía la rutina de la cara, los vi y decían ‘pregnant’ [embarazada]. Pensé que funcionaban mal, pero corrí con todos los test a mostrarle a Eduardo”.

Elina manifestó también su gran fe en que algún día llegaría la maternidad: “Siempre supe que iba a ser madre, pero no sabía cuándo. Se me hacía larga la espera, pero siempre tuve fe. Le pedí a la Virgen de Guadalupe, a la de Fátima, a San Expedito, a todos los santos que hay”.

La llegada de un nuevo hijo agranda una familia ya gigante: Kahlo y su hermano o hermana tienen siete hermanos, más de 30 sobrinos y hasta sobrinos nietos. La pareja nombró a su hija en base a la artista Frida Kahlo, de la cual ambos son fanáticos. También lo son de la pintora Leonora Carrington, lo que despierta la pregunta de si, en caso de ser una niña, considerarán ese nombre para su nuevo bebé.

“Yo soy fanática de Frida desde hace muchos años, aun antes de conocer a Eduardo. Iba muchísimo a visitar la Casa Azul en México. Me atraen mucho la personalidad tan fuerte y las ganas de vivir de esta mujer tan creativa atravesada por el dolor y las desgracias: la polio, el accidente, y también, como dice ella, “su segundo accidente”, que fue Diego Rivera, que la hizo sufrir. Leonora Carrington también tuvo una vida muy dura y hasta su padre la internó. A veces la familia que te toca no es la que uno elegiría", había dicho en 2024.

El 17 de enero pasado, Kahlo cumplió un año y la familia hizo una fiesta a la mexicana. El encuentro fue en “Nuestro Amor II”, la recientemente estrenada casa en José Ignacio de Eduardo y Elina, donde recibieron a 60 invitados en un high tea al caer el sol.

La torta, decorada a tono con la temática mexicana, encabezó un momento mágico que reunió a todos alrededor de Kahlo para cantarle el “Feliz cumpleaños”.

“Se viene Argentina-Suiza. No lo puedo creer”, expresó la modelo desde Ginebra en un video que publicó en sus redes sociales tras los partidos de octavos de final del martes 7 de julio. La Argentina dio vuelta a un resultado adverso y le ganó 3 a 2 a Egipto. “Fue tan lindo el partido. Me gustó mucho. Hasta Lando - su bebé de seis meses fruto de su relación con López - se quedó despierto porque acá era más tarde, aunque ya era su hora de dormir”, comentó.

Suiza, en tanto, se impuso por penales a Colombia en el Estadio BC Place de Vancouver. “Estoy tan orgullosa de que Suiza pasó, estoy tan contenta y tan emocionada por el partido de Suiza y Argentina. Pero menos mal que no lo voy a mirar”, anunció. Pero, ¿por qué no va a hacerlo? Porque actualmente está en Ginebra; por la diferencia de horario, el partido se jugará cuando para ella sean las dos de la mañana y no tiene pensado ni quedarse despierta ni interrumpir su sueño.

De todas maneras, eso no evita que esté entusiasmada por el encuentro. “¡Qué emoción! ¡Qué partido! Vamos a ver. Que el mejor gane”, sentenció, sin revelar cuál de los dos es su favorito para pasar a la semifinal.

El sábado 11 de julio, a partir de las 22 (hora argentina), la Argentina y Suiza se enfrentarán en el Arrowhead Stadium de Kansas City en el último partido de los cuartos de final del Mundial. El vendedor pasará a la semifinal y se medirá con el ganador del partido de Noruega e Inglaterra, que juegan el mismo día a las 18 (hora argentina) en el Hard Rock Stadium de Miami.

La actriz compartió la noticia a través de sus redes sociales con un mensaje cargado de emoción, en el que recordó la personalidad, la fortaleza y las decisiones que marcaron la vida de quien fue una figura fundamental para su familia.

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“Mi madre, Jo Wilder, falleció el 4 de julio, por decisión propia, en sus propios términos, exactamente como vivió”, escribió Grey. En su despedida destacó que su madre eligió enfrentar el final de su vida con serenidad y dignidad. “Eligió la gracia sobre el miedo, comprendiendo que dejar este mundo con dignidad es un honor, no una tragedia”, expresó.

Su mensaje despertó muestras de apoyo, pero también controversia. Si bien la actriz no aclaró si fue decisión de su madre no someterse a algún tratamiento una vez que recibió su diagnóstico, en las redes sociales y en algunos de los portales de espectáculos estadounidenses más importantes su frase “falleció por decisión propia” no pasó inadvertida.

Aunque muchos la conocieron como la madre de la actriz que dio vida a Frances “Baby” Houseman en el clásico de 1987, Jo Wilder también había tenido su propio camino artístico. Según recordó su hija, fue una joven actriz con un futuro prometedor sobre los escenarios de Nueva York antes de tomar una decisión que cambiaría el rumbo de su vida: dejar de lado su carrera para formar una familia junto al actor Joel Grey, reconocido por su trabajo en cine, teatro y televisión.

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Del matrimonio nacieron Jennifer y James Katz, hoy chef. En varias oportunidades, Wilder reconoció que había elegido la maternidad antes que perseguir su vocación artística. Sin embargo, su hija quiso dejar en claro que nunca consideró esa decisión como un sacrificio vacío.

“Si hubiera elegido la ambición por encima de mi hermano y de mí, nunca habríamos tenido la madre que tuvimos”, escribió Grey. También explicó que esa pasión encontró nuevas formas de manifestarse a lo largo de los años. Wilder fue una activa militante por distintas causas sociales y se convirtió en una referente para muchas personas gracias a Wilder Place, la tienda que administró durante años en Melrose y que se destacó por su particular mirada estética.

En el cierre de su homenaje, la actriz resumió el legado que siente haber recibido de su madre. “Era valiente y profunda. Te quiero, mamá. Gracias por enseñarme a hacer todo, incluso esto, con gracia”, escribió.

El mensaje estuvo acompañado por una colección de fotografías familiares en blanco y negro y tonos sepia que recorren distintas etapas de la vida de Wilder. Entre ellas aparecen retratos de su juventud y otras imágenes compartidas con Jennifer cuando todavía era una niña.

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La publicación generó una inmediata reacción entre colegas y amigos de la actriz. El actor británico Richard E. Grant, la recordada Maggie Wheeler —conocida mundialmente por interpretar a Janice en Friends— y Tracy Pollan, amiga de Grey desde la adolescencia, dejaron mensajes de apoyo y condolencias. También reaccionó Clark Gregg, exmarido de la actriz, quien respondió con tres corazones en señal de acompañamiento.

La relación entre Jennifer Grey y sus padres siempre fue muy cercana. En una entrevista concedida en 2022 había contado que hablaba con ellos todos los días, una costumbre que mantuvo incluso cuando ambos ya eran mayores.

En sus redes sociales también era habitual encontrar publicaciones dedicadas a Jo Wilder. En mayo de 2024, con motivo del Día de la Madre, compartió una fotografía de ambos hermanos junto a ella y escribió con orgullo: “Hoy lo pasé genial con mi hermano y esta belleza de 92 años”. Un año antes había publicado otra imagen en la que empujaba la silla de ruedas de su madre frente a una decoración con globos y un cartel luminoso que decía “Mamá”, acompañada por una frase cargada de humor y ternura: “Y todo empezó con este viejo pájaro”.

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La despedida llega en un momento de intensa actividad profesional para Jennifer Grey, que actualmente trabaja en la esperada secuela de Dirty Dancing, casi 40 años después del estreno de la película que la convirtió en una estrella mundial.

Horas después de su salida, Nigro charló con LA NACION sobre su estadía en la casa, su amor por San Lorenzo y una historia familiar que lo llevó a mantener una dolorosa distancia con un ser querido.

-¿Cuál es el sabor amargo y cuál el sabor dulce que te llevás de tu participación en Gran Hermano?

-No sé si sabor amargo porque no me siento menos jugador por haberme ido en una “placa planta”, pero sí me llevó un sabor medio feo por no haberme animado a soltarme más. No me sentía cómodo en la casa con tantas peleas y gritos. Y el sabor dulce que me queda es haber cumplido el objetivo en mi vida que era entrar y jugar lo más que pudiera. Creo que cumplir ese sueño en mi vida me pone muy feliz.

-¿Sentís que fue justa tu eliminación?

-Sí, yo sentí que fue justa. Lo que elige la gente siempre es justo, es el soberano, tiene la última palabra. Si con el “voto planta” ecidieron sacarme, fue lo más justo que podría haber pasado. La verdad es que me costó jugar, fue una casa muy complicada.

-¿Cómo fue el momento en el que decidiste probar suerte en Gran Hermano?

-En 2022 hice mi primer casting y durante la prueba me quedé helado, no sabía para dónde ir. Entonces ahí quise arrancar con las redes sociales y animarme a entrar en Gran Hermano, porque con mi expareja lo veíamos. En 2026 volví para hacer el casting y por suerte quedé, eso fue algo muy lindo.

-¿Cómo era tu vida antes de entrar en Gran Hermano?

-Yo vivo con mi hermana en Zárate, mis viejos se separaron cuando era chico. Por el momento vivo de las redes, ya era influencer previo a entrar y me mantenía con las redes.

-¿Cómo es la relación con tu hermana?

-Mi hermana es súper estudiosa, es muy cabeza fría. Me llevo muy bien con ella, tenemos una relación muy linda aunque es todo lo contrario a mí. Ella se sienta a estudiar y yo nada que ver, a mí me gustan las redes. Y agradezco la hermana que tengo porque siempre está para mí, aunque cuando le dije que entraba en Gran Hermano fue medio una discusión porque no le gusta la exposición ni que la vean, ella es muy tranquila en ese sentido.

-¿Desde que saliste del reality, tuviste oportunidad de hablar con ella?

-Sí, ya hablé. Está recontra mil feliz por mí. Si bien cuando arranqué con las redes mi familia no me bancaba porque no sabía lo que era ese mundo, el día en el que les dije que iba a entrar a Gran Hermano todos se pusieron felices y ahora también, están orgullosos de lo que logré.

-En algún momento comentaste que las discusiones y el clima de tensión en la casa te hacían sentir muy incómodo... ¿Te traía recuerdos de tu vida?

-Sí, a cosas que viví en mi infancia, pero no es un tema que quiera exponer porque no me pone para nada bien. Es verdad que en los momentos en los que había peleas o gritos, yo me nublaba y no me sentía cómodo en ese ambiente.

-¿Con quiénes tenés relación de tu familia?

-Mis viejos son como mis brazos, me llevo bien con los dos. Yo estuve cinco años peleado con mi mamá, desde mis 13 hasta mis 18, pero ahí hice un “clic” porque un día pensé en que se trataba de mi vieja y que la tenía que disfrutar. Así que ahora gracias a Dios que la tengo, y la quiero tener toda la vida porque es la mujer que más amo en esta vida. En el pasado atravesé momentos muy feos, pero me llevo muy bien. Ya pasó. Y también están mis abuelas que son un amor, ojalá las tenga siempre.

-¿Hubo alguien de tu familia, al margen de tu hermana, que se mostrara reticente con tu ingreso en Gran Hermano?

-Al principio cuando les conté, todos tuvieron la misma respuesta: “¿Cómo te vas a meter ahí? ¡Dejate de joder!”. Pero una vez que me vieron entrar y más cuando salí, en mi familia estuvieron muy contentos. También mis amigos se pusieron muy contentos, de hecho seguro que me están esperando por allá por Zárate, para hablar de todo lo que pasó. Siempre me bancaron.

-¿Dónde te ves en un futuro?

-La verdad es que tengo muchas ganas de hablar de fútbol, es algo que me encanta, me apasiona, soy enfermo de San Lorenzo. También tengo ganas de seguir con mi canal en el que streameo fútbol, o en algún streaming en el que pueda hablar de fútbol. Un canal dedicado al deporte me encantaría. Ese es mi próximo objetivo en la vida.

Cuando Yibril, el conductor, aportó como dato para la audiencia que Becerra era vegana, ella lo interrumpió para corregir la información. “Fui vegana”, aclaró. “De los 15 a los 19 fui vegetariana y ahí me hice vegana hasta los 24″, explicó y en esta misma línea siguió: “Primero quiero aclarar que se puede sostener una vida sana siendo vegano o vegetariano. Yo recontra respaldo esa alimentación y me parece espectacular”.

“En mi caso, con el estilo de vida que yo tengo, no lo podía llevar a cabo”, sostuvo la intérprete de 26 años. Comentó que durante sus giras en España terminaba muy tarde y no tenía muchas opciones de lugares para ir a cenar. “Lo único que tenían para ofrecerme era tapeo, tortilla con chorizo. Y les decía: ‘¿No tenés una sin chorizo?’ ¡Y se ofendían! La pasé muy mal en aquella gira, bajé mucho de peso, tuve anemia”, reveló.

La situación se fue de las manos y su salud quedó comprometida: “Siendo vegana y vegetariana, me dio anemia muchas veces y llegó un punto en que, por este estilo de vida, el doctor me dijo: ‘Si te sigue agarrando anemia, es un problema para tu salud porque puede venir algo peor después. Al menos pescado necesito que comas. Yo me suplementaba con todo: Omega, B12... pero no alcanzaba”.

A partir de esto, se remitió a los problemas de salud que tuvo estando anémica - en abril de 2025 tuvo un embarazo ectópico que derivó en una hemorragia interna con riesgo de vida y debió ser intervenida quirúrgicamente - decidió empezar a comer carne.

Durante la entrevista, la intérprete de “Corazón vacío” se ocupó de hacer énfasis en lo mucho que ama a los animales. De hecho, reveló que tiene 12 mascotas en su casa: “Ocho perros y cuatro gatos. Ahora en realidad cinco, porque vino uno de la nada y empezó a comer en casa y se quedó. Mis gatos un poco lo odian porque vino y de repente dijeron: ‘¿Quién es este desnutrido que viene a robar nuestro alimento?’“.

Aseguró que, si bien todos los animales se llevan bien “en ese afán de ser amigos, los perritos quieren jugar y los gatitos un poco se abruman porque son ocho perros queriendo jugar, moviendo la cola y siendo torpes con los gatitos. Pero se aman”. Asimismo, remarcó que durante su ausencia siempre están protegidos. Tienen paseador, adiestrador, guardería, veterinario y hasta nutricionista y modista.

Su actuación fue ampliamente elogiada por la crítica y el público. Gracias a ese papel obtuvo el premio MTV Movie Award como Mejor Actor Revelación y un Saturn Award al Mejor Actor Joven. Poco después incluso apareció en el videoclip de la canción “Livin’ on the Edge”, de Aerosmith, consolidándose como una gran estrella juvenil.

Después del fenómeno de Terminator 2, el joven trabajó en distintas producciones, por lo que todo indicaba que volvería a interpretar a John Connor en Terminator 3. La productora incluso le ofreció un contrato millonario para que aceptara sí o sí el papel. La única condición impuesta era que debía mantenerse completamente alejado del consumo de sustancias antes y durante el rodaje.

Años después, durante una entrevista en el podcast Inside of You with Michael Rosenbaum, el propio actor reconoció que fue incapaz de cumplir esa cláusula. Según contó, tras firmar el contrato decidió salir de fiesta para celebrar junto a sus amigos y tuvo una recaída.

“Dios mío, había muchísima droga en mi vida. En el contrato ponía que no podía consumir drogas. Lo que fuera, solo tenía que firmar una cláusula: nada de drogas. Y era un trato cojonudo. El mejor que había tenido en mi vida. Por T3 eran muchísimos millones, y nunca había ganado tanto dinero. Así que llamé a mis colegas y les dije: ‘Acabo de firmar un contrato de puta madre, vamos a ir al club, pillamos un montón de coca y… ya está. Esto es lo que hay, vamos a hacerlo a lo grande’“, recordó sobre aquella noche que arruinaría para siempre su carrera.

“Fuimos a un club que se llamaba Joseph’s. Recuerdo que salí y estaba hablando con una chica, y de repente me despierto con las luces del club encendidas. La gente estaba a mi alrededor, mi amigo llorando, sujetándome. Le dije: ‘¿Qué pasó?’. Y él: ‘Te pasaste con la coca’. Y yo: ‘No me pasé, ¿de qué hablas?’. Tuve una convulsión, así que el tiempo desaparece. Cuando tienes una sobredosis el tiempo se borra, no tenés ni idea de lo que pasó… Vino la ambulancia, fue supervergonzoso", reconoció aún sorprendido de haber sobrevivido a aquel episodio.

Las fotos y las notas sobre su problema con las drogas recorrieron el mundo entero e hicieron que la producción decidiera romper su contrato. Con el paso del tiempo, el propio Furlong llegó a reflexionar que, quizás, haber participado de aquella película tampoco habría cambiado el rumbo de su vida, ya que su adicción se encontraba fuera de control.

“Y la noticia corrió, claro, y me dijeron: ‘Sí, ya sabes, has perdido la película. No la vamos a hacer contigo’. Y fue como: ‘Lo siento muchísimo, Dios mío’, pero daba igual. Acababa de firmar un contrato que decía eso. No sé qué fue aquello. La peor suerte o quizás la mejor… Ya estaba en una trayectoria descendente en muchos aspectos, así que quizás, si hubiera hecho esa película, todo habría sido aún peor”, reflexionó.

Tras perder una de las mayores oportunidades de su carrera, la situación del actor continuó deteriorándose. Durante los años siguientes reconoció haber consumido diferentes sustancias, además de sufrir nuevas sobredosis. Esa etapa estuvo acompañada por numerosos conflictos personales y legales.

Entre 2009 y 2016 fue detenido en distintas oportunidades por episodios vinculados con violencia doméstica hacia sus parejas y por encontrarse bajo los efectos de sustancias ilegales. Su situación judicial terminó agravándose y en 2017 pasó un año en prisión. Mientras tanto, su carrera cinematográfica se fue a pique y las grandes producciones dejaron de convocarlo, desapareciendo de Hollywood por completo.

¿Cómo logró rehacer su vida tras sus problemas con las drogas?

Después de tocar fondo, Edward Furlong decidió iniciar un tratamiento para recuperarse de sus adicciones. Ingresó al centro de rehabilitación Wavelengths Recovery, en Huntington Beach, California, donde permaneció durante un año. En 2022 anunció públicamente que llevaba cuatro años sobrio. “Con el tiempo aprendí que es más fácil de lo que pensaba. Me gusto más a mí mismo, y sin duda le gusto más a la gente cuando estoy sobrio”, aseguró en una entrevista con Daily Mail.

El actor también reveló que debió reconstruir su dentadura por completo debido al deterioro provocado por el consumo prolongado de metanfetaminas. “Suena raro que hable de dientes porque no vivo ni respiro de mi apariencia, pero cada vez que me miraba al espejo, me deprimía. Era como un recordatorio de lo que había hecho durante todos esos años. Es genial tener una segunda oportunidad. No lo dudé ni un segundo, estoy muy contento de haberlo hecho”, explicó sobre cómo se sintió al ver sus dientes relucientes nuevamente.

¿A qué se dedica en la actualidad?

Aunque ya no forma parte de las grandes superproducciones de Hollywood, Edward Furlong continúa vinculado al mundo del cine. Su trabajo más reciente fue la película The Forest Hills (2023), donde participó con un papel secundario. Además, suele asistir a convenciones dedicadas a la saga Terminator, donde comparte charlas, firma autógrafos y se saca fotos con los fanáticos que aún recuerdan con cariño al inolvidable John Connor.

En sus redes sociales, donde reúne más de 130 mil seguidores, suele publicar imágenes de esos encuentros y mantener contacto con quienes siguieron su carrera desde los años noventa.

En El Yang-Tsé en llamas, McQueen interpretó a Jake Holman, un marinero trasladado a un cañonero en el río Yangtsé, en medio de la China de 1926, mientras que Bergen dio vida a Shirley, una misionera atrapada en el fuego cruzado del estallido de la Guerra Civil china. El actor, fallecido en 1980 a los 50 años, obtuvo por ese papel la única nominación al Oscar de toda su carrera.

Bergen recordó que McQueen se portó de manera excelente con ella durante el rodaje, realizado en locaciones de Taiwán y Hong Kong. Según contó, el actor —fanático confeso de las motocicletas y conocido en la industria como una verdadera referencia de estilo— siempre tenía una moto a mano en el set, sin importar dónde estuvieran filmando. “Él tenía todo lo que quería allí”, dijo, remarcando el estatus de estrella de su coprotagonista.

La actriz relató que, mientras ella debía usar el vestuario poco favorecedor de su personaje de misionera, McQueen solía invitarla a subirse a su moto para escaparse juntos a recorrer la playa en medio de las jornadas de filmación. Esas escapadas eran tan frecuentes que, según Bergen, cuando la producción intentaba ubicar al actor para retomar el rodaje, nadie sabía dónde encontrarlo.

La actriz fue más allá y compartió un recuerdo bastante más perturbador sobre el comportamiento de McQueen fuera de cámara. Contó que el actor solía viajar acompañado por tres hombres con los que se dedicaba a golpear gente, casi como si se tratara de una rutina de ejercicio físico.

“Viajaba con tres tipos. Eran como tres matones. Y los fines de semana, le daban palizas a la gente. Lo hacían como si estuvieran ejercitándose”, reveló. Y agregó que McQueen y sus amigos se decían entre sí: “Vamos a darle una paliza a un botones”. Y ante la sorpresa del conductor y la otra entrevistada, aclaró: “No mataron a nadie”.

Según explicó, en esa época algunos hoteles de Asia contaban con botones apostados en los pasillos, dispuestos a conseguir lo que los huéspedes necesitaran. De acuerdo con el relato de Bergen, McQueen y sus acompañantes elegían a esos empleados como blanco de sus peleas nocturnas, organizando enfrentamientos que, según contó, se daban de manera reiterada durante el rodaje. “Los botones se organizaron y se armaron peleas por la noche”, rememoró.

Más allá de la reveladora anécdota, la película fue bien recibida por la crítica en su momento, aunque no logró un gran éxito comercial. El film sumó ocho nominaciones al Oscar, entre ellas la de mejor actor para McQueen. El actor continuó consolidando su estatus como ícono de Hollywood con títulos posteriores como El affaire de Thomas Crown y Bullitt, ambas de 1968, además de La fuga en 1972 y Papillon en 1973.

Por su parte, Candice Bergen construyó una carrera igualmente sólida en el cine, con papeles en Tres no hacen pareja (1979), que le valió una nominación al Oscar, y Gandhi (1982). Sin embargo, su consagración definitiva llegó en televisión, cuando se puso en la piel de la protagonista de Murphy Brown, la serie que la llevó a la fama mundial durante sus diez temporadas al aire a partir de 1988.

El jueves 9 de julio, Victoria Beckham abrió una boutique pop-up en un exclusivo centro comercial de Miami y organizó un evento de presentación que incluyó, además de una muestra de las prendas, una comida a la luz de las velas. Contó con una selecta lista de invitados encabezada por su marido y seguida por Marc Anthony y su mujer Nadia Ferreira y el exfutbolista brasileño Ronaldo Nazário y su mujer Celina Locks. También estuvieron dos de sus cuatro hijos, Cruz y Romeo Beckham, y varias influencers, modelos y personalidades del mundo de la moda.

Antonela Roccuzzo también dijo presente y fue una de las invitadas más destacadas del evento. Las mujeres se sacaron fotos juntas y, durante la comida –que según se pudo advertir incluyó un menú de sushi–, la anfitriona se acercó a la ubicación de su amiga para charlar unos minutos con ella.

“Celebrando la nueva casa de Victoria Beckham en Miami. Te deseo todo lo mejor”, escribió Roccuzzo en la publicación que hizo en Instagram. Para el evento se lució con un diseño de la casa: un vestido midi sin mangas con falda asimétrica color verde azulado con un fruncido en la cintura para realzar la silueta. Lo combinó con unos zapatos de satén negros con taco, una cartera a tono y joyería dorada. Por su parte, la anfitriona se lució con uno de sus diseños en un satinado marrón sin mangas y con una elegante caída que combinó con unos delicados zapatos de satén color champagne.

Y lo cierto es que la sólida amistad que el matrimonio británico forjó con el argentino también quedó en evidencia durante el Mundial de Estados Unidos, Canadá y México. Si bien el exfutbolista es habitué en los eventos deportivos, el viernes 3 de julio ambos dijeron presente en uno de los palcos VIP del Hard Rock Stadium de Miami para alentar a la selección argentina en el partido de 16avos de final frente a Cabo Verde, que culminó con una victoria albiceleste por 3-2. Incluso se cruzaron con Diego “Cholo” Simeone y su mujer Carla Pereyra y se sacaron fotos juntos.

Por su parte, a diferencia del resto de las mujeres de la selección argentina, según contó Yanina Latorre, debido a la cercanía, Roccuzzo decidió hacer base en su casa ubicada en Fort Lauderdale y viajar con sus tres hijos, Thiago, Mateo y Ciro, en avión privado a cada partido de la selección. Siempre se ubican junto al resto de sus familiares y amigos en uno de los palcos VIP y, una vez concluido el encuentro, regresan a Miami. Este sábado 11 de julio regresarán a Kansas City para presenciar los cuartos de final. A partir de las 22 (hora argentina), la Argentina se medirá frente a Suiza en el Arrowhead Stadium por el pase a la semifinal de la Copa del Mundo.

Sin embargo, cuando se apagaban las luces del teatro y terminaban las grabaciones, detrás de aquel hombre que hacía reír al país entero existía otra historia, mucho más íntima y profundamente humana: la de un amor que duró más de cuarenta años y que, para su compañera, jamás terminó. Esa mujer era Juanita Martínez.

No fue un romance nacido entre lujos ni grandes declaraciones. Se conocieron cuando ambos todavía trabajaban para hacerse un lugar en el competitivo mundo del espectáculo. Compartieron camarines, giras interminables, éxitos, fracasos y una espera que pareció eterna antes de poder convertirse oficialmente en marido y mujer. Después vivirían décadas de felicidad, hasta que la muerte separó físicamente a la pareja. O, mejor dicho, hasta que la muerte intentó hacerlo, porque Juanita nunca aceptó del todo aquella despedida.

La historia de ambos se transformó con los años en una de las más singulares del ambiente artístico argentino. No solamente por la duración de la relación, sino porque estuvo atravesada por circunstancias poco comunes, decisiones difíciles y una lealtad que sobrevivió incluso al fallecimiento del capocómico.

Pepitito

José Marrone nació en Buenos Aires el 25 de octubre de 1915, en el seno de una familia trabajadora del barrio de Villa Crespo. La infancia estuvo marcada por las privaciones económicas, como les ocurrió a tantos chicos de aquella generación. Muy pronto comprendió que para ayudar en su casa debía trabajar.

Antes de descubrir su verdadera vocación, pasó por distintos oficios. Fue cadete, repartidor y empleado en pequeños comercios. Ninguno de esos trabajos parecía destinado a cambiarle la vida. Lo que sí llamaba la atención era su facilidad para hacer reír. Entre compañeros y vecinos siempre aparecía alguien dispuesto a pedirle que imitara a un conocido o improvisara alguna ocurrencia. Con el tiempo entendió que aquel talento podía convertirse en una profesión.

Los comienzos fueron duros. Recorrió escenarios modestos, participó en compañías de variedades y aceptó papeles pequeños mientras esperaba una oportunidad importante. Poco a poco fue moldeando un estilo muy personal, basado en la espontaneidad y en un humor cercano al público popular. Nunca pretendió ser sofisticado. Su objetivo era mucho más simple y, al mismo tiempo, más difícil: provocar una carcajada auténtica. Ese camino terminaría llevándolo a convertirse en uno de los reyes del teatro de revistas. Mientras Marrone daba sus primeros pasos, otra joven soñaba con abrirse camino sobre las tablas.

La revista que los enamoró

Juanita Martínez había nacido en la ciudad de Córdoba el 6 de agosto de 1925. Desde muy pequeña sintió fascinación por el baile y el espectáculo. Poseía belleza, elegancia y una enorme disciplina para el trabajo, condiciones que le permitieron llegar muy joven a Buenos Aires, donde comenzó una carrera artística que, como ocurría con casi todas las vedettes de la época, empezó desde los últimos lugares del elenco. Ensayaba durante horas, aceptaba papeles secundarios y esperaba pacientemente la oportunidad de destacarse. No tardó demasiado en conseguirlo.

Su simpatía natural, la soltura para bailar y una presencia escénica que cautivaba al público comenzaron a convertirla en una figura cada vez más requerida por los productores del teatro porteño. El destino quiso que ambos coincidieran en 1950 durante la revista “El cabo Scamione”. Años más tarde, cuando los periodistas le preguntaban cómo había sido aquel primer encuentro, Juanita respondía entre sonrisas que no había existido un flechazo inmediato. Decía que Pepitito era muy divertido y hacía reír a todo el elenco, pero insistía en que el amor apareció lentamente, casi sin que ninguno de los dos se diera cuenta.

Los ensayos diarios hicieron el resto. Compartían largas jornadas de trabajo, funciones dobles, giras por todo el país y horas de viaje en colectivo o tren. En ese ambiente, donde los artistas prácticamente convivían durante meses, fueron descubriendo afinidades que iban mucho más allá del escenario. Pepitito admiraba la sencillez de Juanita. Ella encontraba en él a un hombre generoso, atento con sus compañeros y muy distinto del personaje pícaro que interpretaba frente al público. Sin proponérselo, comenzaron a enamorarse.

Pero aquella relación nacía con una dificultad enorme. Marrone estaba casado con Rosa Guilidoro, una mujer que había acompañado los años más difíciles de su carrera y con quien había tenido a su única hija, Rosa, conocida familiarmente como “Coqui”. La situación era delicada.

La actriz comprendía perfectamente lo que sucedía. Mientras tanto, la carrera de Marrone alcanzaba alturas extraordinarias. El teatro de revistas vivía una de sus épocas doradas y Pepitito era una de sus máximas figuras. Los productores sabían que su nombre garantizaba salas llenas y temporadas exitosas. Paralelamente, comenzó a conquistar el cine con una larga lista de comedias que lo acercaron todavía más al gran público. Y la llegada de la televisión terminó de convertirlo en un fenómeno nacional y popular con la creación del “Cheee” y de frases como “Ay mamita querida”, que hoy todavía permanecen en el recuerdo.

Juanita también atravesaba un gran momento profesional. Trabajó junto a las principales compañías de revista, compartió escenario con las figuras más importantes del género y construyó una trayectoria sólida, aunque muchas veces prefirió relegar proyectos personales para acompañar las giras de Pepitito. No era un sacrificio, sino una elección.

Eran inseparables. Él le consultaba cada decisión importante. Ella conocía de memoria sus tiempos, sus manías y hasta era capaz de advertir, antes que nadie, cuándo un chiste no iba a funcionar sobre el escenario. Habían construido una sociedad perfecta.

El casamiento

Finalmente, en 1972, tras el fallecimiento de Rosa Guilidoro, luego de una prolongada enfermedad, Pepitito y Juanita pudieron casarse civilmente. No hubo ostentación ni una ceremonia multitudinaria. Después de tanto tiempo compartiendo la vida, el casamiento fue apenas la confirmación legal de un amor que ya había superado todas las pruebas imaginables.

Para ambos comenzaba una nueva etapa, que llegó cuando ya eran dos figuras consagradas del espectáculo argentino. El casamiento de José “Pepitito” Marrone y Juanita Martínez, celebrado en mayo de 1972, no fue el comienzo de su historia de amor, sino la confirmación pública de un vínculo que había resistido el paso del tiempo, las giras, las exigencias de la profesión y una larga espera marcada por las circunstancias personales del actor.

Desde entonces vivieron prácticamente sin separarse. Quienes los frecuentaban aseguran que el matrimonio funcionaba sobre una base muy sencilla: una profunda admiración mutua. Juanita no era solamente la esposa del humorista más popular del país; era también su principal consejera. Antes de aceptar un trabajo, modificar un libreto o iniciar una nueva temporada teatral, Pepitito acostumbraba escuchar su opinión. Conocía su criterio y confiaba plenamente en su sensibilidad artística.

Ella, por su parte, organizaba buena parte de la vida cotidiana. Detrás del artista que llenaba teatros y encabezaba los programas más vistos de la televisión existía un hombre extremadamente sencillo. Le gustaban las reuniones con amigos, la buena comida casera, el fútbol, el boxeo y las largas conversaciones después de las funciones. Nunca perdió las costumbres del muchacho de barrio que había trabajado desde muy joven para ayudar a su familia.

Uno de los aspectos más llamativos de aquella historia fue la relación que Juanita construyó con Rosa “Coqui” Marrone, la única hija del humorista. Lejos de alimentar enfrentamientos, con los años lograron un vínculo de respeto y afecto. La propia Coqui recordaría tiempo después que Juanita había sido una persona importante en la vida de su padre y que, pese a la complejidad de la historia familiar, siempre prevaleció el respeto entre todos.

El doloroso final

Los años parecían pasar sin alterar la armonía de la pareja. Hasta que el 27 de junio de 1990 llegó la noticia que conmocionó al espectáculo argentino. José “Pepitito” Marrone murió a los 74 años como consecuencia de una insuficiencia cardíaca. Se había ido uno de los grandes ídolos populares de la Argentina.

Para Juanita comenzaba un tiempo completamente distinto. Durante los primeros meses casi no habló con la prensa. Quienes la visitaban encontraban a una mujer sumida en un dolor inmenso, intentando acostumbrarse a una casa donde, por primera vez en cuarenta años, reinaba el silencio. Sin embargo, muy pronto apareció una decisión que sorprendió incluso a sus amigos más íntimos.

Después de la cremación de Marrone, Juanita llevó la urna con sus cenizas a una habitación de la casa. Ese cuarto se transformó poco a poco en una especie de santuario privado. Allí reunió fotografías, premios, recuerdos de giras, objetos personales, vestuario y decenas de recuerdos que evocaban la vida compartida.

Todas las noches repetía el mismo ritual. Entraba en la habitación, se sentaba frente a la urna y comenzaba a hablar. Le contaba cómo había sido el día. Quién la había llamado. Qué proyectos le habían ofrecido. Qué noticias había visto en televisión. En algunas entrevistas llegó a revelar que, cuando se sentaba a almorzar o cenar, muchas veces colocaba un plato también para Pepitito. Eso sí, nunca más comió ñoquis, porque él era quien los amasaba para ella. Si había una pelea de boxeo o un partido importante de fútbol —dos de las grandes pasiones del actor— encendía el televisor porque sentía que a José le habría gustado verlo.

Con el paso de los años, sin embargo, la salud comenzó a deteriorarse. Los médicos le diagnosticaron un cáncer de pulmón avanzado. Ella misma reconocía que había fumado durante muchísimos años y el pronóstico no era alentador. Amigos cercanos contaron después que Juanita había manifestado en más de una oportunidad que no quería atravesar el sufrimiento de una enfermedad terminal ni convertirse en una carga para nadie.

El 12 de mayo de 2001, exactamente veintinueve años después de haberse casado con Marrone y a casi once de enviudar, Juanita Martínez puso fin a su vida en su casa de Martínez disparándose con un revólver en la cabeza. Tenía 75 años. Junto a ella encontraron una fotografía de Pepitito, una imagen que muchos interpretaron como el último símbolo de una historia de amor que nunca había dejado atrás.

Su muerte causó una profunda conmoción. Mientras Juanita vivió, las cenizas de Pepitito permanecieron en aquella habitación donde ella conversaba con él cada noche. Recién después de su fallecimiento se cumplió la decisión de la familia: las cenizas del humorista fueron esparcidas en el mar de Villa Gesell, un lugar por el que sentía un cariño especial, mientras que las de Juanita, respetando un deseo que había dejado expresado, fueron enterradas junto a la pileta en el jardín de la casa donde había pasado sus últimos años.

Entre tantas frases inolvidables de Pepitito Marrone, ninguna resulta hoy tan conmovedora como la que pronunció Juanita muchos años después de perderlo. Cuando le preguntaban por qué seguía hablándole a una urna, jamás apelaba al misterio ni a lo sobrenatural. Sonreía con la misma dulzura con la que lo había acompañado durante toda la vida y respondía simplemente:

-No es que esté loca. Es el amor.

La exvedette y el rockero se conocieron durante un verano en Córdoba y, aunque su relación no duró más que algunos meses, cada vez que se vuelve a recordar este romance, decenas de personas quedan sorprendidas por tratarse de dos figuras que parecía que poco tenían en común.

Esta semana fueron Marina Calabró y Luis Ventura quienes recordaron por casualidad este episodio, al hablar de la reciente pelea de Yuyito con Adriana Salgueiro. Al pasar un clip de la mediática defendiéndose de los dichos en su contra, ambos quedaron maravillados con la frase que utilizó para defenderse y a la vez recordar a su amor de la juventud. “Se han burlado hasta de mi fe, pero yo los bendigo, que Dios les arregle el corazón y la mente. Pappo diría, bueno no voy a decir lo que decía Pappo... ‘Buscate un trabajo honesto’”, bromeó.

“¿Vos sabías que Yuyito y Pappo...? Mirá, lo cuenta Amalia”, le comentó Calabró a Ventura, antes de dar paso a otro fragmento de entrevista en el que la modelo contaba detalles de su intimidad con el artista. “Pappo era un tipo extraordinario, un loco audaz, inteligente. Nos quedó la frase ‘buscate un trabajo honesto’. Es un montón, así era él. Era un tipo bárbaro, igual tuvimos un contacto relativamente corto porque era un señor que tenía muchas mujeres también”, remarcó Yuyito González.

¿Cómo se conocieron Yuyito y Pappo?

Algunos años atrás, en diálogo con Fer Dente, Yuyito decidió contar cómo fue la primera vez que vio a Pappo y las alocadas ideas con las que él buscó conquistarla a toda costa. “Resulta que eran tiempos en que estábamos en Córdoba. Yo estaba trabajando, haciendo temporada en Córdoba, y este venía en los veranos porque era muy amigo de David Lebón. Y David salía con Pata Villanueva un verano”, recordó.

A su vez, remarcó que lo que más le atrajo fueron sus ocurrencias y perseverancia para poder salir una noche con ella. “Eran locuras, locuras divertidas. Por ejemplo, para conquistarme, agarraba Pappo y se tiraba en el medio del asfalto a parar el tránsito acostado. Se tiraba. Era un loco lindo, un loco lindo. Y se tiraba en el medio de la calle. Era atrevido”, dijo, entre risas.

Si bien después del verano ambos debieron tomar caminos separados por sus atareadas agendas, Pappo no se olvidó de ella y de su admiración por Aerosmith. Fue así que un día la llamó para que fueran a verlos juntos y cumplir su sueño. “Pappo era muy divertido. Y ese verano estaba inspiradísimo conmigo y después, como a mí me gustaba mucho Aerosmith, él me llevó a verlos cuando estuvo acá en Buenos Aires. Fue un flirteo divino. Besos al cielo para Pappo. No, no le vamos a poner ningún título. Solamente un flirteo. ¿Les gusta? Como un alguito, una seducción. Pero no puedo contar intimidades sexuales”, concluyó.

El estudio, recibido por la Fiscalía de San Isidro tras dos semanas de espera, se suma a los informes preliminares de la autopsia revelados el pasado 27 de junio, los cuales establecieron que el deceso ocurrió a causa de un fuerte impacto craneal tras la colisión entre su vehículo, un Honda City negro, y una formación del Tren de la Costa en el cruce de Sáenz Peña y El Cano, en Martínez.

Desde que sucedió el hecho, las autoridades judiciales trabajan bajo la premisa de reconstruir con exactitud la mecánica del siniestro. La principal hipótesis que manejan los investigadores, apoyada en el registro de cámaras de seguridad de la zona, sugiere que la conductora intentó cruzar las vías cuando ambas barreras de seguridad se encontraban en posición baja.

En paralelo a los resultados toxicológicos, la Justicia dispuso nuevas medidas probatorias, incluyendo la apertura y el análisis exhaustivo del teléfono celular de la víctima y un relevamiento técnico del registro de comunicaciones efectuadas minutos antes y después del impacto. Asimismo, se solicitó un peritaje integral sobre el rodado, que será ejecutado por especialistas de la Policía Científica de San Martín.

Por su parte, el conductor Ángel De Brito se refirió a estas novedades en LAM (América TV), subrayando la importancia de los resultados para despejar dudas: “Hay una noticia seria que tiene que ver con el fallecimiento de Ernestina. El informe toxicológico determinó que no hay presencia de alcohol ni sustancias en sangre”, señaló, buscando poner fin a las especulaciones sobre estados alterados al volante.

Cabe recordar que el dramaturgo José María Muscari también fue citado a declarar recientemente respecto a las actividades laborales de la conductora, quien atravesaba una agenda cargada de proyectos personales y profesionales antes del fatídico episodio que terminó con su vida.

La investigación sigue su curso con el objetivo de cerrar el cuadro fáctico de lo ocurrido, mientras ahora se aguarda el desenlace de los análisis de telefonía y las pericias sobre el vehículo para dar por concluida la etapa de instrucción.

Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA.

La noticia fue comunicada a través de la cuenta de Instagram de la propia Sol, donde su familia publicó una historia para informar su fallecimiento. “Con profundo dolor queremos comunicarles el fallecimiento de Solcito. Les queremos agradecer de todo corazón cada apoyo en todo este tiempo, le dieron una esperanza de vida”, expresaron en el mensaje, en el que también agradecieron el acompañamiento que recibió la joven durante su enfermedad.

Horas más tarde, sus seres queridos compartieron una nueva publicación con un flyer que incluía una fotografía de Sol y la información del velatorio. Según detallaron, la despedida se realizará el jueves 9 de julio en la Avenida Eva Perón 250, en Buenos Aires, entre las 9 y las 13.

La historia de Sol Varacalli y el gesto de María Becerra

La historia de Sol Varacalli se volvió viral en los últimos meses, cuando ella y su familia iniciaron una campaña solidaria para reunir el dinero necesario para una radioembolización, un tratamiento de alta complejidad al que debía someterse luego de que el melanoma ocular que padecía avanzara y comprometiera su hígado. El procedimiento tenía un costo cercano a los 55 millones de pesos, ya que requería una medicación importada elaborada especialmente para cada paciente, una suma imposible de afrontar sin ayuda.

En ese contexto, María Becerra conoció su caso a través de las redes sociales y decidió involucrarse personalmente. Además de ofrecerse a cubrir el costo del tratamiento, la cantante sorprendió a Sol con una visita en su casa. Las imágenes de ese encuentro rápidamente se viralizaron y emocionaron a miles de personas. “Sos increíble María, fue un momento único, voy a agradecerte toda mi vida lo que hiciste por mí y por mi familia”, escribió la joven tras conocer a la artista.

El acompañamiento de María Becerra continuó cuando Sol fue internada en el Hospital Italiano de Buenos Aires para someterse a la intervención. Si bien la operación fue exitosa, la enfermedad avanzó y la joven debió afrontar nuevos tratamientos durante los meses siguientes. A lo largo de ese proceso mantuvo informados a sus seguidores sobre su evolución y recibió el apoyo constante de una comunidad que se había movilizado con su historia.

El emotivo mensaje de despedida de María Becerra a Sol Varacalli

Tras conocerse la noticia, María Becerra despidió a Sol con un emotivo mensaje publicado en sus redes sociales. La cantante recordó el vínculo que construyeron durante el tratamiento y destacó la fortaleza con la que la joven atravesó la enfermedad. “Hoy el cielo ganó un ángel y acá abajo quedó un vacío imposible de llenar. Gracias por regalarme la mirada más linda que jamás vi, la luchaste hasta el último minuto, mi reina, jamás bajaste los brazos”, escribió.

En la publicación, Becerra también expresó el cariño que sentía por Sol y aseguró que su recuerdo permanecerá presente en su vida. “Vivirás por siempre en mi corazón Solcito. Que en paz descanses, hasta que nos volvamos a encontrar, te amo y te voy a extrañar mucho”, agregó la artista en la despedida que compartió con sus seguidores.

Obras para toda la familia

Charlie y la fábrica de chocolate

El musical del West End y de Broadway, basado en un film de los 60, es ideal para grandes y chicos. Una gran producción plena de música, bailes y magia, protagonizada por Agustín “Rada” Aristarán y varios niños actores. Hasta el 2 de agosto en el Teatro Gran Rex (Av. Corrientes 857), de lunes a lunes, con hasta tres funciones diarias.

Annie

Un clásico de Broadway, con elenco infantil. La historia de una huérfana internada en un orfanato que busca el calor de una familia. Con Lizy Tagliani como una mala disparatada, Miguel Ángel Rodríguez y Julieta Nahir Calvo, que sobresale cantando y bailando. En el Teatro Broadway (Av. Corrientes 1155). De martes a domingo, con múltiples funciones.

Anastasia

Otro musical de Broadway: la adaptación teatral del film animado de 1997 que tanto cautivó a las niñas de entonces. Con Minerva Casero en la piel de la famosa duquesa rusa Anastasia Nikoláyevna, que desaparece en 1917 dando pie al nacimiento de una leyenda. En el Teatro Astral (Av. Corrientes 1639). Los martes y miércoles a las 18 y los domingos a las 11.

Tarzán, el musical original

Esta propuesta basada en la novela de Edgar Rice Burroughs, se trata de una producción cien por ciento local que combina teatro musical con acrobacia y contiene un ángulo narrativo inédito: el amor maternal como centro de la historia. En el Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764). Hasta el 2 de agosto, de lunes a lunes a las 17:30.

Disney On Ice

En el nuevo espectáculo de la franquicia, ¡Festejemos en familia!, volverán a ser de la partida Elsa y Anna (los personajes protagónicos de Frozen) y se sumarán por primera vez a las pistas de hielo Stitch y Angel, la simpatiquísima pareja del film animado para los más pequeños Lilo y Stitch. Todos, por supuesto, comandados por Mickey Mouse. Esta vez el concepto central de la propuesta es la celebración de los vínculos familiares. En el Movistar Arena (Humboldt 450) desde el viernes próximo hasta el 30 de julio, de martes a domingos en horarios diversos.

Obras para los más pequeños

Fiesta Pim Pau

Regresa a la cartelera porteña el fenómeno de YouTube, liderado por tres docentes (uno santafecino, una bonaerense y otro brasileño) que comparten una misma mirada sobre las infancias, el juego y la educación. Un espectáculo pleno de música y altamente participativo. En el Teatro Politeama (Paraná 353), desde el 23 de este mes, de jueves a domingos a las 16.

Mundo Pica Pica

El famoso trío infantil español regresa a la Argentina con un nuevo show que incluye sus mayores éxitos: “El baile de la fruta”, “La mané”, “Los esqueletos” y “La taza”, entre tantos otros. En el Teatro Broadway (Av. Corrientes 1155), del 21 al 25 de julio, a las 11.

La granja de Zenón

Celebra sus 10 años ininterrumpidos en la avenida Corrientes con un nuevo espectáculo: En busca del arcoíris. Serán de la partida, por supuesto, todos los entrañables animalitos de la granja, incluidos la simpática y glotona vaca Lola, el amigable lobo Beto y el travieso gallito Bartolito. En el Teatro Astral (Av. Corrientes 1639), de lunes a lunes, con dobles funciones en distintos horarios desde el 20 de julio.

Luli Pampín

La mendocina que se crió en España y se hizo viral en todo el mundo durante la pandemia (y hoy domina el mercado hispanoparlante infantil con 21 millones de seguidores en su canal de YouTube) se presenta este fin de semana en el Movistar Arena (Humboldt 450), como parte del Millones de Gracias World Tour con el que celebra sus 10 años de carrera. El 11 y 12 de julio, a las 15.

Los Astrópicos

Presentado como el primer espectáculo teatral infantil inmersivo, la famosa banda musical peluda aterrizará con su nave Astrocity el 22 de julio en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo de Buenos Aires), ubicado en Jorge Newbery 3039. Y harán de las suyas allí hasta el 2 de agosto, con funciones de miércoles a domingo, a las 17. Las indefinibles criaturas Zeta, Pixie, Lurno y Electra, que viven en el planeta Pelurno al acecho del villano Silencio, ofrecerán un repertorio atravesado por el pop, el rock, el rap y los ritmos latinos mientras protagonizan aventuras intergalácticas.

Obras en el circuito oficial

Además de por su calidad, los espectáculos programados en las salas oficiales se destacan por el valor accesible de sus entradas. Un detalle nada menor a tener en cuenta a la hora de elegir un título y adquirir tickets.

El mago de Oz

Basado en el libro de L. Frank Baum, que dio pie a la famosísima película homónima con Judy Garland, cuenta en el rol protagónico de Dorothy con Albana Fuentes (la revelación de La Sirenita). Un viaje lleno de aventuras desde una granja de Kansas a la mágica ciudad de Oz. Con libro de Marisé Monteiro, dirección de Sebastián Irigo y música del recordado Ángel Mahler y de Martín Bianchedi. En el Teatro Cervantes (Libertad 815). De miércoles a domingo a las 14:30 desde el próximo jueves.

Remigio Verdiales, un carpincho

La historia de un simpático y pacífico roedor que de la noche a la mañana ve alterada su rutina en un humedal por la aparición de unos extraños que no sólo atentan contra su permanencia (y la de sus amigos: un coipo, una comadreja, un pato, una cierva y un carancho) sino contra el medio ambiente. Con dramaturgia, letras y dirección de Pablo Gorlero para el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. En el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715), de martes a domingo a las 15.

Cuentos líricos. ¿Sabías que el mar tiene corazón?

El espectáculo, inscripto en el ciclo Colón para niños, narra la historia de Dana, una mujer que recuerda la primera vez que se perdió en su infancia, de la mano de su muñeco Peluche. Con grandes actrices de musicales, como Josefina Scaglione y Laura Silva, y el Macoco Martín Salazar. Y repertorio lírico (obras de Rossini, Verdi, Puccini y Bizet, entre otras). En el Teatro Colón (Libertad 621), del 21 al 26 a las 16 y el 27 a las 11.

El gran circo

Regresa la obra emblemática del Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín, un verdadero tributo a los pioneros del circo criollo, que ostenta el récord de ser uno de los espectáculos más convocantes en la historia del teatro argentino. Con números circenses de antología y personajes entrañables, como el payaso Totó y su perrita Violeta, el forzudo Jack Doscientos Kilos, el mago Merlino y el hombre bala Goleto. En el Teatro Del Plata (Av. Juan Bautista Alberdi 5765), de martes a domingo a las 15.

Obras en el circuito independiente

A diferencia del circuito comercial, en el off todo el año existe un amplio espacio para el teatro infantil (y con entradas muy económicas). De hecho, es en ese circuito donde históricamente se han formado los artistas que dieron y dan vida a lo mejor del género.

Barrocas, una posible historia

Una propuesta que combina música en vivo, lenguaje del clown y teatro físico. Con una estética barroca y mucho humor, la obra indaga en problemáticas actuales como la circulación de fake news, la crisis sanitaria y ambiental, y el descontento social. En Nün Teatro Bar (Juan Ramírez de Velazco 419), Villa Crespo. Desde el 19 de julio, los domingos a las 12 y lunes a las 17:30.

Noa, Nu y la ballena

Una experiencia artística que conjuga danza con teatro, música, radio y ciencia. Sobre dos niños curiosos que conducen un programa radial y se adentran en el mundo marino para comunicarse con las ballenas y descubrir sus secretos. En el Museo de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia (Av. Ángel Gallardo 480), Parque Centenario. Desde el 18 de julio, viernes, sábados y domingos a las 16.

Luna y su galaxia

Sobre una niña que sufre la separación de sus padres y logra superar el enojo y la tristeza en compañía de dos amigas y un amigo interior. Una obra tan aleccionadora como entretenida. En el Teatro Border (Godoy Cruz 1838), Palermo. Desde el 18 de julio, lunes, miércoles y sábados a las 17.

Abuela luna

Una propuesta ecológica. Un científico emprende un viaje hacia la luna en busca de su abuela, quien le prometió esperarlo en el costado oscuro del gran satélite. En el transcurso de la odisea comprenderá la importancia de no contaminar el espacio y de cuidar el planeta Tierra. En el Teatro Club de Trapecistas (Ferrari 252), Villa Crespo. Los domingos a las 19.

La Galera Encantada

La sala del autor y director Héctor Presas es una institución dedicada exclusivamente al teatro infantil independiente. Ofrece ¡una veintena de espectáculos!, a cual mejor, en distintos días y horarios (que se pueden chequear en www.lagaleraencantada.com.ar). Algunos títulos: La ratoncita Pérez, Caperucita, misión secreta, Alicia Rock, Maléfica, una bella en apuros, Blancanieves y los 8 enanitos, Hansel y Gretel y Los 3 chanchitos. Humboldt 1541, Palermo.

Obras de Hugo Midón y María Elena Walsh

Existen dos autores nacionales de teatro infantil que son sinónimo de creatividad y buen gusto. Han hecho cantar y bailar a varias generaciones y sus obras adquieren cada vez mayor vigencia. Este año regresan a la cartelera multiplicados para disfrute de grandes y chicos.

Vivitos y coleando 2

Es una invitación a grandes y chicos a un viaje lleno de humor, emoción y canciones, que retoma el espíritu mágico y poético del teatro de Hugo Midón (y de su coequiper en la música Carlos Gianni) y el de la primera edición de Vivitos y coleando. Los personajes interpretados por Osqui Guzmán, Flavia Pareda y Julián Pucheta se enfrentan a preguntas simples y enormes a la vez, sobre crecer, elegir,compartir e imaginar. En el Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto 2348). De miércoles a domingo a las 17.

El salpicón

Después de 30 años retorna con una puesta renovada uno de los grandes títulos de la dupla Midón-Gianni, que celebra la libertad propia de las infancias y el uso sin límites de la imaginación. El musical infantil propone un paseo por diversas escenas que invitan al público a sumergirse en el universo imaginario de Hugo Midón y recuperar la capacidad profundamente teatral de mirar lo cotidiano como si pudiera convertirse, en cualquier momento, en algo fantástico. En Nün Teatro Bar (Juan Ramírez de Velazco 419), Villa Crespo. Los martes a las 16 y los viernes y sábados a las 17:30.

Manuelita, mi casa es el mundo

La obra se centra en el entrañable personaje que concibió María Elena (inmortalizado en la famosa canción “Manuelita, la tortuga”): la heroica tortuga que se animó a dejar su hogar para salir a conocer el mundo. El proyecto, con libro y dirección de Chacho Garabal, cuenta con el apoyo de la Fundación María Elena Walsh-Sara Facio. Con probados actores de musicales. En el Teatro Regio (Av. Córdoba 6056), Colegiales. De martes a domingo a las 15.

Cuentopos de Gulubú

Tras una exitosa temporada en el Complejo Teatral de Buenos Aires, regresa otro clásico de María Elena Walsh. La acción transcurre en el bosque de Gulubú, donde viven seres maravillosos: Murrún, el gato cuya casa es un zapato, la Princesa Sukimuki, Don Fresquete, la tortuga Papalina, Martín Pescador y Pirulín, el delfín domador. En ese marco tan peculiar, los cuentopos cobran vida y cada palabra puede abrir una puerta secreta a la imaginación si aún se cree en la magia de los cuentos. En Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235), de martes a domingo a las 15.

¡Me acuerdo, me acuerdo!

Mariano Mangone y Julián Rodríguez Rona homenajean a María Elena Walsh con una obra en la que incorporan varias de sus canciones más populares. En ella cuentan la historia de dos seres que han perdido sus recuerdos y que en medio del olvido encuentran refugio en la música. ¿Lograrán las gemas autorales de la multifacética artista devolverles la memoria? En El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960), los sábados a las 16.

La yapa. De todo un poco

La Plaza de los chicos

El Paseo La Plaza (ubicado en Av. Corrientes 1660) ha organizado un festival infantil con obras, espectáculos y shows variopintos para distintas franjas etarias. La programación incluye a Los Raviolis en Piyama Party; Soy Muni en vivo; Magia Mash Up en Nuevas Ilusiones; Ki, el lugar de las criaturas; K Pop; Revolución Show; Ivo Magia en Mágicamente; Viva las brujas; Soy solcito!; Dafne y el dragón; La caja no encaja; Amigos Brainrot y varios otros.

Vacaciones en el ND Teatro

Otra sala con una programación familiar para todos los gustos y edades, la del ND (Paraguay 918), que reúne a grandes referentes de la escena cultural para las infancias. Por ejemplo: Vuelta Canela en Queridas canciones (el jueves 23), Los Cazurros en Súper Héroes del juego (el viernes 24), Ana Iniesta y la Banda de la Luna en Cancionero de invierno (sábado 25) y Anda Calabaza en ECO (el domingo 26). Siempre a las 17:30. Importante: los grupos familiares cuentan con un 20% de descuento y los menores de 2 años no abonan la entrada.

Canticuénticos

Con 18 años de trayectoria, el grupo logró construir un repertorio de canciones que ya forma parte de la cultura popular contemporánea de las infancias, tanto en la Argentina como en el resto de Latinoamérica. Ahora el fenómeno musical de Santa Fe llega a la avenida Corrientes para deleitar a niños y no tanto con himnos como “La cumbia del monstruo de la laguna”, “El pulpo concinero”, “Acá Tá” y “El mamboretá”. En el Teatro El Nacional (Av. Corrientes 960). De jueves a domingo, a las 14, desde el 23 de julio.

Circo Servian. El origen mágico

En la Gran Carpa Castillo, ubicada frente al Tortugas Open Mall (Panamericana Ramal Oeste), la tradicional compañía presentará por primera vez un espectáculo circense al servicio de una historia: la de Jorge Servian, su fundador, desde cuando era niño y llegó a la Argentina con el sueño de construir un legado y llevar alegría a cada rincón del país. La propuesta, que esta vez adopta un tono teatral y cinematográfico, igualmente mantendrá intacta la esencia pura del circo, con un despliegue de acrobacias y arriesgados cuadros (como el del globo de la muerte). Para el asombro de toda la familia.

Festival del Asombro

Durante el festival que agrupa a compañías de teatro infantil, se podrán ver, con entrada gratuita, las obras: el 18 de julio, a las 16, y el 19 de julio, a las 15, Sueño; el 21, a las 16, Yo sabo; el 22, a las 16, La increíble historia del traje invisible; el 23, a las 16, Dulcinea, una locura quijotesca. Las obras se presentan en El Tinglado (Mario Bravo 948). Para más datos y consultar la agenda del festival: @festivaldelasombro

Gilbert fue adoptada al nacer por Barbara Cowan y Paul Gilbert, y siempre se mostró abierta a hablar sobre esa parte de su historia. En su publicación, aseguró sentirse eternamente agradecida por haber sido adoptada y recordó que, hace ya varias décadas, había logrado dar con la familia de su padre biológico, entre ellos tres hermanastros mayores. Según relató, aquel vínculo resultó complicado: nunca llegaron a tener una relación demasiado cercana y sintió que todavía quedaban muchas cosas sin decir.

Todo cambió hace algunas semanas, cuando Gilbert se puso en contacto a través de una aplicación de genealogía con un primo biológico en quinto grado por el lado de su madre biológica. Ese contacto, llamado Harry, terminó siendo la pieza clave para reconstruir el rompecabezas familiar: fue él quien la conectó con sus hermanos por parte materna.

De esa investigación surgió la noticia que la actriz definió como el cumplimiento de un deseo que arrastraba desde siempre: tener un hermano mayor. En su mensaje, Gilbert contó que finalmente había encontrado no uno, sino tres, y etiquetó públicamente a sus dos hermanos vivos, Matt y Laird. El tercero, llamado Mark, ya había fallecido, aunque Gilbert también entró en contacto con su hijo.

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Matt, uno de los hermanos recién descubiertos, también compartió su propio mensaje en redes sociales para relatar cómo vivió el hallazgo. Contó que fueron semanas intensas, llenas de historias familiares, preguntas y del descubrimiento de una hermana cuya existencia desconocía por completo, y que la noticia lo tomó completamente por sorpresa.

En su publicación, Matt explicó que después de 66 años se enteró de que él, Laird y Mark tenían una hermana biológica, y lamentó que este último ya no estuviera para compartir la alegría del reencuentro, aunque destacó que su hijo sí pudo ser parte de este nuevo capítulo familiar. También quiso remarcar que, más allá de la exposición pública de Gilbert, lo que realmente le importaba era haber recuperado a alguien de quien había estado separado toda una vida.

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Matt aprovechó además para aclarar que este hallazgo no le resta lugar a su hermana adoptiva, Marianna, a quien describió como un pilar fundamental en su vida, y agradeció especialmente a su primo Harry por haber logrado unir todas las puntas de una historia familiar que permanecía dispersa durante décadas.

No es la primera vez que Gilbert profundiza en los orígenes de su familia biológica. En un podcast del año pasado, la actriz había contado detalles sobre sus padres biológicos, a quienes describió como dos personas que estaban casadas con otras parejas, ya tenían hijos propios y terminaron concibiéndola durante un viaje juntos por el desierto en motocicleta. Finalmente decidieron entregarla en adopción.

Según relató en esa oportunidad, su madre biológica trabajaba como bailarina exótica y falleció antes de que pudieran conocerse, mientras que su padre biológico, piloto de carreras y músico, sí llegó a encontrarse con ella y la reconoció casi de inmediato apenas mencionó su papel como Laura Ingalls en la ficción que la hizo mundialmente famosa. Gilbert contó que, al conocer a sus hermanastros paternos, el parecido físico entre todos resultaba evidente.

Gilbert, quien también es hermana de los actores Jonathan y Sara Gilbert, adelantó que planea narrar con más detalle esta nueva etapa de su historia familiar a través de su cuenta de Substack, donde suele compartir reflexiones personales con sus seguidores.

Tyler y Bacon quedaron unidos para siempre a través de Footloose, el clásico musical de 1984 en el que el actor interpretó a Ren McCormack, un adolescente que se muda a un pueblo chico y se enfrenta a la prohibición local de bailar y escuchar rock. Para la banda sonora de esa película, Tyler grabó “Holding Out for a Hero”, uno de los temas más recordados de su carrera y una de las canciones insignia de la cinta.

En un comunicado compartido con la revista Entertainment Weekly, Bacon expresó que no podría imaginarse ninguna otra canción acompañando la icónica secuencia de la “carrera de pollos” con tractores, una de las escenas más recordadas de la película, y despidió a la cantante con un sentido deseo: “Que descanse en paz”.

Según reconstruyó The New York Times, Tyler murió por una enfermedad en un hospital de Faro, Portugal, ciudad donde tenía una casa. De acuerdo con la información difundida en la página oficial de Facebook de la cantante, meses atrás había atravesado una cirugía intestinal de urgencia, tras la cual fue inducida a un coma.

En junio, días después de haber cumplido los 75 años, se supo que la cantante había salido del coma farmacológico, aunque su situación seguía siendo delicada. “Bonnie ya no está en coma, pero su estado sigue siendo muy grave y permanece en cuidados intensivos”, señalaba el mensaje publicado por entonces en su sitio web oficial.

Este miércoles, la familia y el equipo de la artista comunicaron la noticia a través de un mensaje en el que expresaron su dolor y señalaron que Tyler falleció de manera inesperada durante la noche, en un hospital portugués, como consecuencia del cuadro por el que estaba siendo tratada.

Tyler fue una de las voces más reconocibles del pop y el rock de los años 80. Además de la exitosa canción incluida en la banda sonora de Footloose, es recordada por “Total Eclipse of the Heart”, su gran éxito de 1983. Bacon había contado en el pasado que la última vez que asistió a los premios Oscar fue justamente el año en que su carrera despegó gracias a su papel en esa película.

“Holding Out for a Hero” fue compuesta por Jim Steinman junto a Dean Pitchford especialmente para la película, y una vez grabada, Tyler fue invitada a los estudios Paramount para ver escenas ya filmadas y definir en qué parte del film encajaría mejor el tema. Finalmente, la canción terminó musicalizando la escena de la carrera de tractores en la que el personaje de Bacon debe saltar de un vehículo en movimiento hacia una zanja. Más tarde, la cantante la incluyó también en su álbum de 1986, Secret Dreams and Forbidden Fire.

Con el correr de los años, el tema trascendió la película original y fue versionado y utilizado en múltiples producciones: Jennifer Saunders grabó su propia versión para Shrek 2, Ella Mae Bowen hizo lo propio para el remake de Footloose de 2011, y la canción también sonó en un episodio de la segunda temporada de Euphoria, emitido en 2022.

Nacida el 8 de junio de 1951 bajo el nombre de Gaynor Hopkins, los orígenes de la cantante distaban mucho de las luces del estrellato. Hija de un minero del carbón, creció en Skewen —un pueblo galés a pocos kilómetros de Swansea— en una vivienda social con baño exterior, donde compartía la infancia junto a sus cinco hermanos.

Adoraba a los Beatles y el primer álbum que compró fue A Hard Day’s Night. Una de sus canciones favoritas a los 13 años fue “Hippy Hippy Shake” de The Swinging Blue Jeans. Por esa época también veía religiosamente el programa Top of the Pops y anotaba las letras de las canciones que le encantaban, como los temas de Janis Joplin, Nina Simone, Tina Turner, Wilson Pickett y Otis Redding. “Solía cantarlas con mi cepillo para el pelo durante horas y horas, y así fue como todo empezó para mí”, escribió en sus memorias, Straight From the Heart.

Ya bajo el seudónimo de Bonnie Tyler —elegido con el respaldo de la discográfica RCA—, su álbum debut The World Starts Tonight (1977) le abrió el camino gracias al éxito del single “Lost in France”, que le valió una nominación como artista revelación en los Brit Awards. Su consolidación definitiva llegó un año después con “It’s a Heartache”, un hit que escaló hasta el puesto número tres de los rankings.

Decidida a dar un salto, tras firmar con Sony, quedó impactada al ver a Meat Loaf interpretar “Bat Out of Hell” en la televisión británica. Sin dudarlo, pidió trabajar con el cerebro detrás de ese sonido: el compositor y productor Jim Steinman.Y él fue quien le presentó su canción “Total Eclipse Of The Heart”, que se convertiría en el sencillo debut de su quinto álbum de estudio, Faster Than the Speed of Night ,y que la hizo liderar todos los rankings.

1) Quisiera ser grande (1988)

Película que marcó un punto de inflexión en la carrera de Hanks, dándole su primera nominación al Oscar. Dirigida por Penny Marshall (Despertares), cuenta la historia de Josh Baskin, un niño de 13 años que desea ser grande. De la noche a la mañana su sueño se hace realidad: se despierta con un cuerpo de 30 años y con las responsabilidades que eso conlleva, pero manteniendo su mentalidad adolescente.

2) Apolo 13 (1995)

“Houston, tenemos un problema”. En 1995, Ron Howard (Una mente brillante) reunió a un elenco de estrellas para llevar a Hollywood la fallida misión a la Luna de los Estados Unidos en 1970. Protagonizada por Hanks, Kevin Bacon, Bill Paxton, Ed Harris, Kathleen Quinlan y Gary Sinise, se convirtió en un éxito de taquilla, recaudando, según datos del sitio IMDb, 355.770.228 de dólares a nivel mundial, casi septuplicando su presupuesto.

3) Rescatando al soldado Ryan (1998)

Uno de los mejores trabajos de Steven Spielberg. Ambientada durante el desembarco de Normandía de 1944, en plena Segunda Guerra Mundial, el capitán Miller (Hanks) y su equipo de soldados deben atravesar líneas enemigas para encontrar al soldado James Ryan (Matt Damon), un paracaidista que perdió a sus tres hermanos en la guerra y los altos rangos del ejército desean que regrese a su casa en Iowa para reunirse con su familia.

4) Atrápame si puedes (2002)

La dupla Hanks-Spielberg es sinónimo de éxito. Luego del drama bélico, volvieron a reunirse para hacer otra película basada en hechos reales, pero como un tridente, con la incorporación de un joven Leonardo DiCaprio. El agente del FBI Carl Hanratty (Hanks) tiene una misión: encontrar a Frank Abagnale (DiCaprio), un habilidoso, manipulador y farsante joven con muchos millones que tiene la capacidad de hacerse pasar por médico, abogado y piloto de avión y siempre salirse con la suya.

5) Forrest Gump (1994)

Mejor película, actor, director, guion adaptado, edición y efectos visuales son los seis reconocimientos que recibió de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Aunque Hanks no fue la primera opción para el papel protagónico —Bill Murray, Chevy Chase y John Travolta eran los firmes candidatos—, la ingenuidad y sensibilidad que le dio a Forrest Gump terminó por transformar por completo su carrera. No solo es considerada una de las mejores actuaciones de la historia, que dejó frases icónicas como: “La vida es como una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar”, sino que la película se convirtió en un clásico del cine, de esos que hay que ver por lo menos una vez en la vida.

6) Milagros inesperados (1999)

La historia de la relación entre el vigilante carcelario de la prisión Cold Mountain, Paul Edgecomb (Tom Hanks), y John Coffey (Michael Clarke Duncan), un prisionero con poderes especiales sentenciado a muerte por un brutal crimen que no cometió, se convirtió en un clásico del cine. Si bien está basada en la novela de Stephen King, se encontraron varias similitudes con el caso real de George Stinney, un niño de Carolina del Sur que, con 14 años, se convirtió en la persona más joven en toda la historia de los Estados Unidos en ser ejecutada. Luego de un acelerado juicio en 1944, lo enviaron a morir en la silla eléctrica, acusado del asesinato de dos niñas. Siete décadas después se determinó que lo condenaron injustamente.

7) Náufrago (2000)

La mayor transformación física a la que se sometió el actor en toda su carrera. Durante la primera etapa del rodaje, para personificar al empresario Chuck Noland, debió engordar 23 kilos. Luego, tuvo 13 meses en los que el rodaje se interrumpió para adelgazar 25 kilos y dejarse crecer el pelo y la barba para representar la experiencia de supervivencia de un hombre que terminó solo y aislado en una isla desierta tras sufrir un accidente aéreo.

8) Filadelfia (1993)

Si bien para esta época el californiano ya era una figura destacada en Hollywood, el Oscar a mejor actuación principal que ganó por su trabajo en la película de Jonathan Demme (El silencio de los inocentes) comenzaría a marcar el poderío que tendría en la industria durante las siguientes tres décadas. Ambientada en la ciudad de Filadelfia, cuenta la historia del joven abogado Andrew Beckett (Hanks), que es despedido de su bufete luego de que descubrieran que tenía HIV. Decide demandar a sus exjefes, pero la única persona que acepta representarlo es Joe Miller (Denzel Washington), un abogado lleno de prejuicios, pero también dispuesto a derribarlos.

9) Un buen día en el vecindario (2019)

Los dramas basados en hechos reales son de los favoritos de Hanks. En 2019 se puso en la piel de Fred Rogers, el famoso presentador de televisión infantil popular en los Estados Unidos entre los 70 y los 2000, que entabla una sincera y transformadora relación con Lloyd Vogel (Matthew Rhys), un periodista encargado de registrar su vida.

10) Toy Story

Para cerrar la lista, la franquicia que hoy, a los 70 años, tiene a Hanks en los cines del mundo. Allá por 1995 le prestó por primera vez la voz al que se convertiría en uno de los personajes animados más famosos y queridos de la historia: el del vaquero Woody. La película de Disney se convirtió en un éxito y siguió con una segunda parte en 1999, una tercera en 2010, una cuarta en 2019 y una quinta en 2026, además del gigantesco universo que se creó alrededor de los juguetes.

Más allá de los títulos mencionados, hay muchas otras películas destacadas en la filmografía de Tom Hanks. Desde dramas basados en hechos reales como Elvis (2022), The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (2018), La terminal (2004) y Sully: hazaña en el Hudson (2016) hasta las romcoms Splash (1994), Tienes un e-mail (1998) y Sintonía de amor (1993). ¿Cuál de todas es tu favorita?

Vale recordar que la tragedia del vuelo 571 ya fue llevada a la pantalla en distintas oportunidades y se convirtió en una de las historias de supervivencia más conocidas del mundo. El accidente ocurrió el 13 de octubre de 1972, cuando un avión de la Fuerza Aérea Uruguaya que trasladaba a un equipo de rugby y sus acompañantes se estrelló en la cordillera de los Andes. A lo largo de las décadas inspiró documentales, libros y películas, entre ellas ¡Viven! (1993) y La sociedad de la nieve (2023), dirigida por J.A. Bayona, que reavivó el interés global por este episodio histórico.

Qué mostrará Más allá de la sociedad, el documental de J.A. Bayona en Netflix

La serie estará compuesta por tres episodios y reunirá, por primera vez en una misma producción, a los sobrevivientes del accidente, a familiares de las víctimas y a dos de los escritores que llevaron la historia al papel: Piers Paul Read, autor de ¡Viven!, y Pablo Vierci, autor de La sociedad de la nieve. También participarán los directores que adaptaron estos hechos al cine, entre ellos Frank Marshall y el propio J.A. Bayona.

Uno de los ejes centrales del documental será el viaje que Bayona y gran parte del elenco de La sociedad de la nieve realizaron al Valle de las Lágrimas, el lugar donde ocurrió el accidente en 1972. Ese recorrido servirá como punto de partida para conectar la experiencia de quienes protagonizaron la historia real con la de los actores que la interpretaron en la ficción.

A partir de ese encuentro, Más allá de la sociedad reconstruye el impacto que la tragedia tuvo durante los últimos 50 años en la vida de los sobrevivientes y de las familias de quienes no regresaron. Según explicó Bayona, la idea del proyecto nació durante esa visita a los Andes, cuando comprendieron que las historias de las personas reales y de quienes las representaron en la pantalla habían quedado profundamente unidas tras el rodaje de La sociedad de la nieve.

Con producción de Belén Atienza, Sandra Hermida y J.A. Bayona, Más allá de la sociedad fue creada por Bayona y Carlos Torres, mientras que la dirección estuvo a cargo de este último. La serie documental llegará al catálogo de Netflix en algún momento de 2026 y estará disponible para los usuarios de la plataforma en todo el mundo.

“Tu hija me dijo que tu mamá está teniendo algún problemita de salud. Nada grave. No te preocupes, pero es una situación que requiere de tu presencia fuera de la casa. Tranquila, pero estoy obligado, como corresponde, a transmitirte lo que está pasando”, le comunicó Gran Hermano a la actriz en el confesionario.

“Tengo un acuerdo con ellas, que si me necesitaban… Obviamente, primero que el juego están mi mamá y mi hija. Fue un honor que me invitaras a tu casa. Fui muy feliz. Hoy pude empezar a sanar una herida que la llevo puesta, pero no sé si eso le hizo bien. Pero bueno, ese es el poder tuyo que me llevás a lugares muy íntimos y muy profundos”, reflexionó Del Boca.

Luego de esa conversación, entre lágrimas, la actriz se despidió de sus compañeros: “Si mi mamá me necesita, tengo que estar a su lado. Me encantó conocerlos. Perdón si fui caracúlica en algún momento, pero es esto que ven”.

Antes de caminar hacia la puerta de salida, Santiago Del Moro le agradeció a la actriz su paso por el reality. “Sos una estrella, naciste en estos estudios e hiciste de esta una generación dorada. Hoy se va una jugadora que dio todo. Llegaste hasta acá por cuestiones que te exceden. Lo diste todo para estar ahí”. Luego de esas palabras, todos aplaudieron a la participante que se retiró definitivamente del programa.

Siempre fiel es una cinta holandesa de 2022, dirigida por André van Duren. Pese a que se estrenó en la plataforma de la N roja en mayo de 2023, en los últimos días despertó un repentino interés por gran parte de los usuarios. A raíz de esto, muchos se preguntan qué es lo que la hace tan atrapante.

La historia sigue en poco más de una hora y media a Bodil e Isabel, dos mejores amigas atrapadas en la rutina de sus matrimonios perfectos que encuentran una vía de escape bastante peligrosa. Cada tanto, se arman una escapada de fin de semana a la costa con la excusa de un “viaje de chicas”, pero en realidad la usan como coartada perfecta para tener aventuras con otros hombres. El plan es milimétrico: se cubren la una a la otra, se pasan los teléfonos y mandan fotos falsas a sus maridos para que nadie sospeche nada.

Todo marcha sobre ruedas hasta que, en uno de esos viajes, Isabel desaparece sin dejar rastro y Bodil encuentra la casa llena de sangre. A partir de ahí, la película se vuelve una carrera contrarreloj muy tensa. Bodil se encuentra en una encrucijada imposible: si le dice la verdad a la policía y a los esposos para ayudar a buscar a su amiga, destruye sus vidas y destapa toda la red de infidelidades; pero si se calla, todas las pistas falsas que armaron para engañar a sus parejas la terminan incriminando a ella misma como la principal sospechosa del crimen. Mientras intenta averiguar qué pasó con Isabel, se empieza a dar cuenta de que nadie a su alrededor es tan inocente como parece y que las mentiras eran mucho más profundas de lo que pensaba.

Tres producciones para disfrutar en Netflix si te gustó Siempre fiel

1. Amor adulto (2022)

Leonora descubre que su marido Christian la engaña con una compañera de trabajo. Ambos tomarán medidas drásticas para conseguir sus fines, lo que demuestra que la línea entre el amor y el odio a veces es muy delgada. Duración: 1 h 44 min. Ver Amor adulto.

2. Perdida (2019)

Eric es contratado como el nuevo director de orquesta de la Filarmónica de la Ciudad de México y se muda allí con Carolina, su mujer. Todo es perfecto hasta que un día ella desaparece. Eric, sumido en el dolor por el aparente abandono de Carolina, conoce a Fabiana, la camarera de un bar que suele frecuentar. Comienzan una relación llena de misterio, sexo y pasión, pero Fabiana se hace preguntas sobre la misteriosa desaparición de Carolina. Duración: 1 h 46 min. Ver Perdida.

3. Encierro (2023)

Decidida a averiguar qué le ocurrió realmente a su paciente en coma, una enfermera descubre que su síndrome oculta rivalidades, infidelidades, traiciones y asesinatos. Duración: 1 h 37 min. Ver Encierro.

La gran apuesta teatral de la calle Corrientes

La gran espera llegó con Charlie y la Fábrica de Chocolate donde 26 actores dan vida a todos los personajes a lo largo de la obra. Hace un año que comenzó el diseño y la realización tanto de la escenografía como del vestuario. Fue en julio de 2025 cuando productores, junto a los distintos equipos creativos y técnicos empezaron a desarrollar el proyecto que incluyó diseñar cada espacio de la fábrica, crear cientos de piezas de vestuario, pelucas y utilería. “Se trabajó para dar vida a un mundo de fantasía que estuviera a la altura de la historia y sorprendiera al público desde el primer momento”, asegura Magalí Altman, a cargo de la dirección de producción.

Entre su elenco de adultos se luce Agustín “Rada” Aristarán en su rol de Willy Wonka: “No hubiera existido Charlie y la Fábrica de Chocolate sin él. Cuando imaginábamos quién podía interpretar a Wonka, Agustín aparecía naturalmente por su talento, su humor, su capacidad musical y esa mezcla de sensibilidad, misterio y juego que requiere el personaje. A partir de esa convicción comenzamos el proceso para obtener los derechos de la obra”, admite la productora.

El abuelo Joe es representado por Sebastián Almada que llegó a la audición como otros tantos actores, pero “su prueba fue tan contundente que la decisión fue prácticamente inmediata. Apenas terminó sentimos que era él”, cuenta Altman. Su dominio de la comedia, su versatilidad y fuerte presencia escénica lo llevaron a encajar a la perfección con el personaje.

En el caso de Mery del Cerro la producción ya había trabajado con ella años atrás en Casi Ángeles y sentían que tenía la calidez, vulnerabilidad y el instinto maternal genuino que buscaban para la Sra. Bucket. Al principio del Cerro dudó en audicionar pero finalmente se presentó en el casting que se realizó en Mar del Plata y convenció al equipo creativo de inmediato. “Su interpretación tenía exactamente la emoción y la verdad que estábamos buscando”, aseguran.

¿Cómo es trabajar con niños? Charlie y la fábrica de chocolate tiene cuatro elencos para cada uno de los personajes infantiles, lo que hace un total de 20 niños que forman parte de la producción, tienen entre 10 y 14 años y todos atraviesan un proceso de formación y ensayo tan exigente como el de los adultos.

“En cuanto a las funciones, trabajamos bajo un sistema de rotación muy organizado. Cada elenco tiene sus presentaciones preasignadas de acuerdo con la legislación vigente sobre trabajo infantil, que establece normas muy estrictas respecto de las horas de ensayo, descanso y funciones. Nosotros cumplimos esas disposiciones de manera rigurosa, porque creemos que es fundamental que los chicos puedan disfrutar de esta experiencia sin dejar de lado su bienestar, su educación y su vida cotidiana”, asegura Altman.

Algunos de los chicos habían participado en producciones anteriores como Matilda y School of Rock, sin embargo para este proyecto fue requisito que todos volvieran a pasar por el proceso de audición. “Cada musical tiene necesidades muy específicas y creemos que cada elenco debe seleccionarse desde cero, evaluando qué requiere esa historia en particular”, explica la directora de producción.

En los últimos años podemos ver una fuerte presencia de producciones teatrales con niños como protagonistas, una nueva generación de talentos en nuestro país está demostrando arriba del escenario el nivel y profesionalismo del teatro musical en la Argentina.

Más información: Hasta el 2 de agosto en el Teatro Gran Rex, Av. Corrientes 857.

Una obra en plena oscuridad

La propuesta es vivenciar una obra en total oscuridad, afinando el resto de los sentidos y usando la imaginación es que el Teatro Ciego pensó para esta temporada de invierno propuestas breves para todas las edades.

Una de ellas es La canción del abuelo, que dura 50 minutos, el tiempo justo para que los chicos no se cansen o asusten ante tanta oscuridad. De todas formas, antes de ingresar se aconseja estar siempre de la mano de los acompañantes y quien no se sienta seguro puedo decir en voz alta “quiero salir” y alguien del staff lo guiará hacia la salida.

La sala es pequeña, con filas de cuatro asientos. Comienza con una tenue luz que se apaga a medida que el abuelo comienza relatar su historia, es en ese momento donde los personajes aparecen por medio de sus voces y llegan a los oídos desde diferentes rincones, un perro juguetón que olfatea a los espectadores, aromas, sensaciones y clásicas canciones interpretadas con la guitarra del abuelo que invitan a cantar a todo el público presente.

La técnica del teatro ciego surgió en Córdoba en 1991 y el 4 de julio de 2008 abrió sus puertas el primer Teatro Ciego del mundo con un enfoque cooperativo e inclusivo. “La oscuridad vuelve innecesario el sentido de la vista y habilita la participación plena de personas con discapacidad visual”, aseguran desde el teatro de un formato que permite vivir una experiencia única.

Más información: funciones durante todo julio. Teatro Ciego, Borges 1974, Palermo.

Rock y comedia para padres e hijos

Llegan Los Raviolis con la segunda temporada de Piyama Party, un show de música y comedia dirigido por Diego Reinhold. La idea parte de una situación tan cotidiana como caótica: una pareja logra organizar una noche tranquila a solas pero una llamada cambia todos los planes cuando sus cuatro hijos que se quedaban a dormir en la casa de la abuela quieren volver a su casa. A partir de ese momento la trama se convierte en un torbellino de situaciones absurdas y reconocibles para cualquier familia.

Entre escenas delirantes y momentos emotivos, el espectáculo se construye a partir de canciones que ya se transformaron en verdaderos himnos del cancionero familiar, interpretadas con la impronta rockera de Los Raviolis.

“Creo que la clave es que la obra no necesita reinventarse para seguir vigente. Habla de situaciones muy cotidianas de la crianza y de la vida familiar con las que distintas generaciones de madres, padres e hijos siguen identificándose. Pero, sobre todo, utiliza el humor para desdramatizar esas pequeñas dificultades de todos los días y reírse de experiencias que muchas veces generan estrés, cansancio o culpa. Además, cada integrante de la familia encuentra algo distinto en el espectáculo: los chicos se conectan desde el juego, la música y el humor, mientras que los adultos se reconocen en esas pequeñas escenas y emociones que forman parte de la crianza. Eso hace que nadie quede relegado, algo que no siempre ocurre en las propuestas familiares”, dice Gabriel “Gabichu” Wisznia, voz y guitarra de Los Raviolis.

Los Raviolis son una banda de rock para familias que se juntan para hacer música y catarsis sobre el lado B de la crianza. Desde 2014 recorren escenarios nacionales e internacionales, fueron dos veces nominados a los Premios Gardel por Mejor Álbum Infantil, fueron declarados de interés cultural por la Ciudad de Buenos Aires y el año pasado recibieron el premio Konex a la música infantil.

Los años pasan y ellos siguen buscando nuevas formas de pasar de ser una obra de teatro tradicional a una experiencia en sí misma: “Desde los almohadones que vuelan entre el escenario y la platea hasta los momentos en que el público opina, resuelve, baila, juega y participa activamente, todo hace que la gente deje de ser una espectadora para convertirse en parte de la historia. Esa interacción fortalece el vínculo con el público y hace que cada función sea única. Además, aparecen guiños a la actualidad que mantienen la propuesta siempre cercana, sin perder de vista el corazón de la obra: hablar de esos temas universales de la crianza y la vida familiar con los que todos, de una manera u otra, terminamos identificándonos”, concluye Gabichu

Más información: funciones sábados y domingos y días de semana del 22 de julio al 2 de agosto. Teatro Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660.

Bartolito y sus amigos cumplen 10 años

Para los más chiquitos de la familia continúa el clásico que sorprende con espectáculo renovado todos los años: La Granja de Zenón cumple 10 años ininterrumpidos en la calle Corrientes.

La propuesta, que tendrá sus funciones durante las vacaciones de invierno, se llama En busca del Arcoíris. Tito y el gallito Bartolito comparten el mismo sueño que es llegar hasta el arcoíris. Pero cuando Zenon y Pinto les aseguran que eso es imposible la ilusión de los dos amigos parece desvanecerse pero su determinación no se termina. Juntos emprenderán una aventura llena de desafíos y aprendizajes guiados por la certeza de que los sueños siempre valen la pena.

La dirección general del espectáculo está a cargo de Maximiliano Córdoba, quien trabaja con Sebastián Irigo en la dirección escénica y Vanessa García Millán, referente en el género infantil, a cargo de la coreografía.

Más información: del 20 de julio al 2 de agosto en el Teatro Astral, Av. Corrientes 1639.

La relación de la apodada ‘La Primera Dama del Rock’ y la pantalla grande encontró su punto de inflexión a mediados de la década de 1980, cuando los directivos de la compañía Paramount Pictures buscaron material sonoro para la película Footloose (1984) y solicitaron a Tyler una pieza exclusiva para el largometraje. Los compositores Jim Steinman y Dean Pitchford asumieron la creación del tema “Esperando a un héroe”, cuya enérgica interpretación convirtió la canción en un éxito inmediato, al tiempo que la cinta, bajo el protagonismo de Kevin Bacon, multiplicó su popularidad en los cines de todo el mundo.

Aquel clásico musical mantuvo su fuerza intacta a través de los años y el cine de animación recurrió a él, como en la aclamada película Shrek 2 (2004), donde el tema dio vida a una de las secuencias climáticas más memorables de la pantalla grande: mientras el Hada Madrina interpreta de forma teatral la icónica canción en el piano del escenario real del castillo, la acción se traslada a las afueras de la fortaleza. Allí, Shrek, Burro (transformado en corcel blanco) y el Gato con Botas lideran el asalto para detener la boda de Fiona con el Príncipe Encantador.

Décadas después, la producción animada Super Mario Bros: La película (2023) sirvió como una nueva prueba de su vigencia al incorporar la melodía de los años ochenta en un momento fundamental de su trama. En esa secuencia, el personaje principal completó un duro entrenamiento con el fin de defender el Reino de los Hongos de una gran amenaza, donde el ritmo de la música y el tono desgarrado de Tyler dieron una fuerza perfecta a las imágenes, las mismas que causaron interés en las nuevas generaciones.

Por otra parte, la televisión también registró una presencia notoria de su catálogo, incluso mayor que la industria cinematográfica. El mismo tema apareció en producciones como Euphoria (2022), La hora del diablo (2022) y La caída de la Casa Usher (2023). El mundo de los superhéroes no resultó ajeno a este fenómeno, ya que la aclamada serie de Marvel, Loki (2021), que utilizó los acordes de la intérprete galesa para ambientar una de sus secuencias de combate más importantes. Asimismo, el exitoso fenómeno musical juvenil Glee rindió tributo a su legado con una versión que cautivó a sus fanáticos.

Asimismo, los directores eligieron otras piezas de su discografía con intenciones similares, tanto en el drama como en el humor. La comedia cinematográfica Old School (2003) regaló un momento icónico a los espectadores gracias a una desopilante versión de su otra obra cumbre, mientras que la serie policial Mentes Criminales rescató en su ciclo de 2022 la emblemática balada original “Eclipse total del corazón”.

“Estoy muy conectado con el Mundial”, aseguró Vázquez en diálogo con LAM (América TV). Reveló que él mismo le explicó a Messi que necesitaba priorizar sus vacaciones y que, si bien le encanta ver los partidos en vivo —algo que tuvo la oportunidad de hacer varias veces—, también disfruta de vivir el Mundial desde otro lugar.

Habla casi todos los días con el capitán de la selección. ¿De qué? “De la vida, de cosas importantes”: “Lo acompaño como amigo. Trato de hacerlo reír siempre, distenderlo antes de un partido”. Como no pudo viajar al Mundial, envió a Benjamín Rojas como su representante: “Fue con unas entradas que le conseguí a través de Leo, y después en el agradecimiento hablamos, nos reímos. Yo le contaba anécdotas de Benja, que siempre tiene algo gracioso que le pasa porque es un personaje”.

“A mí me emociona mucho la relación que tengo con él. Soy un agradecido. Siento que es un gran amigo conmigo y sé que yo lo soy también con él; entonces estamos juntos siempre. Pasamos muchas cosas. Él me acompañó en momentos difíciles y yo también a él, y eso hizo que tengamos esta amistad”, reflexionó.

A partir de esto, fue consultado por el escándalo de Florencia Peña, que durante la emisión del programa El show del verano (Luzu TV) dio información falsa sobre la salud del padre de Lionel Messi. “No quiero opinar de eso, porque no me compete en el sentido de que no soy protagonista de esa historia y no quiero opinar y caerle a alguien que seguramente lo hizo sin querer, que es Flor, porque conozco que es una buena persona. La verdad, traté de no tocar ese tema con Leo”, aclaró. “No tengo mucha idea de cómo fue, pero entiendo que se armó un quil***o bárbaro, que es lógico por lo que estaba pasando. Pero calculo que lo habrán arreglado puertas para adentro. No tengo mucha idea, la verdad, porque elegí no meterme”, sentenció.

En las últimas horas se confirmó quiénes integrarán el jurado encargado de evaluar a los participantes. Ángela Torres y Nicki Nicole ocuparán dos de las tres sillas del panel y estarán acompañadas por el reconocido productor mexicano Carlos García, quien aportará su experiencia en la industria musical.

Además del jurado, el programa contará con Nicolás Vázquez como conductor de esta nueva edición. Por su parte, Juli Poggio y Sofía Gonet, más conocida en las redes sociales como La Reini, serán las hosts digitales y mostrarán el detrás de escena, el contenido exclusivo y todo lo que ocurra fuera del escenario.

Con este equipo, Telefe apuesta a combinar figuras de distintas generaciones para acercar el formato a un público nuevo sin perder la esencia que convirtió a Popstars en un éxito hace más de dos décadas.

El divertido video de Ángela Torres y Nicki Nicole

Aunque recién comenzaron las grabaciones, Ángela Torres y Nicki Nicole ya demostraron la buena relación que construyeron durante los primeros días de trabajo. La cantante rosarina compartió un divertido video junto a su compañera en el que recrearon una de las escenas más recordadas de la película Matilda. En la grabación, Ángela interpretó a la temible directora Tronchatoro, mientras que Nicki Nicole se puso en la piel de la pequeña alumna.

Junto al video, la intérprete de “Wapo Traketero” escribió: “Día uno de Popstars y ya empezamos a boludear @angelatorres”. La publicación rápidamente se llenó de comentarios de seguidores que celebraron la dupla y expresaron su entusiasmo por verlas compartir pantalla. “Exijo colaboración”; “Se juntaron las petisas. ¡Las amo!“; ”Hermosas las 2. Qué lindo que el destino las unió" y “Voy a ver el programa solo por ustedes”, fueron algunos de los mensajes que se multiplicaron.

Por su parte, Ángela Torres también mostró cómo transcurren las jornadas de grabación del reality. A través de su cuenta de Instagram publicó una serie de fotografías tomadas fuera del camión de producción y un video en el que aparece con un playback junto a Nicki Nicole de una de las canciones más populares del momento, lo que refleja el clima distendido que se vive durante el rodaje.

“Arrancamos @popstars.telefe”, escribió la cantante para acompañar las imágenes que dejaron en claro su entusiasmo por este nuevo desafío profesional.

Además de estar disponible capítulo a capítulo por la pantalla de Telefe, todos los programas podrán volver a revivirse completos por la plataforma de Disney+. Hasta el momento se desconoce cuándo saldrá al aire, pero a través de la cuenta oficial de Popstar Argentina se pudieron conocer algunos adelantos de los cientos de casting que se llevaron adelante en los últimos meses, para encontrar a las jóvenes más talentosas del país.

La primera dama del rock, como también se la conocía, llevaba 53 años de casada con el gran amor de su vida, el británico Robert Sullivan (82), exjudoca —participó en los Juegos Olímpicos de 1972, en Múnich— y exitoso promotor inmobiliario a quien había conocido alrededor de 1969. En esa época, la incipiente artista —que todavía llevaba su verdadero nombre, Gaynor Hopkins— cantaba en bares de la localidad de Swansea, en Gales, mientras que Sullivan era el gerente de uno de esos lugares donde ella se había presentado. “El día que conocí a Robert fue amor a primera vista. Lo miré y pensé: “¡Guau! Se parece a Warren Beatty”, contó Tyler tiempo después. El flechazo fue tal que la relación avanzó a paso firme y la pareja dio el “sí, quiero” cuatro años después, el 4 de julio de 1973. “Fue mi primer novio formal. Sigo muy enamorada de él y él de mí. Nunca nos peleamos. Es muy guapo, lo cual ayuda”, dijo en 2012 a The Guardian.

“Creo que el secreto de nuestro éxito es que nos conocimos antes de que yo fuera famosa”, agregó sobre las claves para un matrimonio duradero. Y, si bien reconoció que hubo algunos romances pasajeros al principio, lo atribuyó a que eran jóvenes y a que, en realidad, no significaron nada. “No toleraría algo así ahora, ni esperaría que él lo hiciera, pero eran los años setenta. Viajaba sin él. Tenía su propio negocio y no podíamos viajar juntos”, recordó en una entrevista de ese mismo año. “Tuvimos altibajos, pero si lográs superarlo todo, te hace más fuerte”, remarcó la cantante.

“Fue terrible”

También en diálogo con The Guardian, al momento en que llevaban 39 años de casados, Tyler reveló el motivo por el que no habían tenido hijos. “Desgraciadamente no pudimos formar nuestra propia familia. Lo que pasó fue que, al casarnos, dijimos que esperaríamos siete años antes de tener hijos, pero para entonces mi carrera profesional estaba en pleno auge. Lo fuimos posponiendo hasta que yo tenía 39 años y él, 41. De repente, sentí un fuerte instinto maternal, así que me pareció el momento adecuado”, explicó por entonces.

Sin embargo, pese a que quedó embarazada “muy pronto”, a los dos meses y medio sufrió un aborto espontáneo. “Fue terrible en aquel momento”, aseguró la intérprete de “Total Eclipse of the Heart”. “Lo intentamos de nuevo, pero después de dos años no había pasado nada, así que pensamos que simplemente no estaba destinado a ser”, sostuvo, a la vez que agradeció por estar rodeada del amor de ”una familia numerosa" compuesta por cinco ahijados, 16 sobrinos y 12 sobrinos nietos. “No me faltan niños en mi vida”, destacó.

El bajo perfil que cultivó el matrimonio a lo largo de las décadas se rompió en 2016 cuando una fanática francesa de Bonnie Tyler llamada Meghann Pernot, que por entonces tenía 25 años, aseguró en una entrevista con el diario inglés The Mirror que había tenido una relación paralela con Robert Sullivan durante 18 meses. “Al principio, pensé que eran una pareja libre, es decir, que mantenían una relación abierta. Es algo habitual en el mundo del espectáculo”, dijo la joven al recordar los inicios del amorío que supo acaparar los titulares de la prensa inglesa.

Sin embargo, Tyler y Sullivan superaron esa crisis y se mantuvieron unidos hasta el final. Juntos repartían su tiempo entre su residencia de Mumbles, un área cercana a Swansea, en Gales, y su villa de Albufeira, en la región del Algarve, Portugal. De hecho, fue en en la localidad de Faro, próxima a su residencia lusa, donde la cantante fue hospitalizada en mayo pasado para una intervención quirúrgica de urgencia por un problema intestinal. Se estima que la pareja acumuló un patrimonio neto de 40 millones de dólares gracias a la carrera musical de Tyler y los negocios inmobiliarios de Sullivan.

En una entrevista con LN+ del año 2022, Agulla recordó esta producción, reveló que fue su primera participación en campañas presidenciales y contó el origen de la frase que marcó la propaganda electoral del postulante que saldría electo en las elecciones de 1999.

“De la Rúa fue mi primera incursión y bueno… salió mal… Me metí porque lo que me interesaba era la alternancia... me parecía algo interesante”, declaró Agulla.

El creativo también explicó que el concepto central del aviso surgió a partir de los cuestionamientos que realizaba la propia oposición peronista durante el proceso electoral. “[Eduardo] Duhalde fue quien me lo dejó picando cuando salió a decir ‘Imagínense un domingo de lluvia aburrido con De la Rúa presidente’”, evocó.

El texto del spot confrontaba directamente esa crítica. “Dicen que soy aburrido. ¿Será que no manejo Ferraris? ¿Será para quienes se divierten mientras hay pobreza? ¿Será para quienes se divierten mientras hay desocupación? ¿Para quiénes se divierten con la impunidad? ¿Aburrido? ¿Y divertida es la desigualdad de la justicia? ¿Es divertido que nos asalten y nos maten en las calles?“, rezaba el spot.

“Viene una Argentina distinta: la Argentina del respeto, la de las reglas claras, la de la dignidad, la del trabajo; que va a educar a nuestros hijos, que va a proteger a la familia. Y al que le aburra, que se vaya. No quiero un pueblo sufriendo mientras algunos pocos se divierten. Quiero un país alegre, quiero un pueblo feliz”, concluía el corto.

Por el desenlace del gobierno de la Alianza, que culminó con la renuncia de De la Rúa, el creativo enfrentó algunos cuestionamientos por el impacto de aquella campaña publicitaria.

Al respecto, recordó: “Siempre me preguntaban: ‘¿Pero cómo no te pudiste dar cuenta? ¿Cómo no te pudiste dar cuenta que era un inútil?’. Claro, nadie te cuenta desde afuera lo que está vendiendo. Yo en ese comercial no sabía que era un inútil”.

La noticia de su fallecimiento

El fallecimiento de Agulla ocurrió alrededor de las 7 en la ciudad de Buenos Aires, luego de haber permanecido internado durante los últimos días debido a una neumonía que derivó en un shock séptico.

Su trayectoria incluyó unos primeros pasos en León Chocrón, su trabajo en Young & Rubicam y la posterior fundación de la firma Agulla & Baccetti junto a su socio Carlos Baccetti. En el plano político, asesoró a dirigentes como Carlos Menem, Francisco de Narváez y sectores del peronismo de Córdoba, además de intervenir en campañas en México, Chile y Estados Unidos.

Fue el 7 de julio de 2025 cuando Cabot asistió al show junto a Andy Byron, quien en ese momento era su jefe en la compañía. Durante el recital, una cámara kisscam los enfocó mientras estaban abrazados y, al verse en las pantallas, la reacción de ambos, con ella cubriéndose el rostro y él intentando ocultarse, no pasó desapercibida.

A eso se sumó el comentario del cantante Chris Martin, quien bromeó desde el escenario: “O están teniendo una aventura o son muy tímidos”. La escena se viralizó en las redes sociales bajo la etiqueta de “Coldplay gate” y el clip alcanzó millones de reproducciones.

Lo que para muchos espectadores empezó como una anécdota provocó que se hiciera pública la identidad de los protagonistas y se descubriera que ambos estaban casados y tenían hijos, por lo que comenzaron las críticas y ataques que derivaron en la salida de ambos de la empresa.

Cabot, de 53 años y madre de dos hijos, siempre negó haber sido infiel, e incluso su exesposo aseguró posteriormente que la pareja ya estaba separada antes del concierto. Sin embargo, un año después, ella asegura que todavía enfrenta las consecuencias de aquel episodio.

Desde entonces, la exdirectiva no logró volver al mercado laboral y asegura que continúa viviendo de sus ahorros. En una entrevista reciente concedida a The Boston Globe, la mujer contó que está recurriendo al dinero “destinado para la universidad y la jubilación” para mantenerse ella y sus hijos mientras intenta encontrar un empleo.

Después de meses de mantenerse alejada de la exposición pública, Cabot comenzó a recuperar algunas actividades que antes formaban parte de su rutina. En junio de 2026 asistió por primera vez desde el escándalo a un recital, esta vez del músico Jack Johnson.

En relación a cómo se encuentra actualmente, en la entrevista menciona: “Todavía siento que es todo un desastre, pero estoy mejor”, dijo. Y admitió que se siente más retraída de lo que era antes del episodio. “Todavía no me recuperé, pero ya lo lograré”, expresó.

Durante meses, Cabot recibió mensajes ofensivos, amenazas y ataques a través de las redes sociales y fue señalada con calificativos como “rompehogares” o “la otra”, además de enfrentar comentarios sobre su aspecto físico y acusaciones de haber llegado a su cargo profesional por su relación con su superior. Según relató, llegó a recibir cientos de llamadas diarias y sufrió episodios de acoso tanto en Internet como en espacios públicos.

“Me hago responsable de mi mala decisión y por eso dejé mi trabajo, pero no merecía el odio”, afirmó al hablar sobre la situación que atravesó.

Más allá de la exposición mediática, Cabot asegura que una de las consecuencias más difíciles fue el golpe a su trayectoria laboral. Su carrera estaba vinculada al área de Recursos Humanos.

Actualmente participa de procesos de selección para dos cargos de alto nivel, mientras busca reorganizar su vida personal después de un episodio que, según dice, la obligó a empezar de nuevo. También contó que el escándalo afectó su vida afectiva. “No sé si a la gente le parecerá gracioso salir con ‘la chica de Coldplay’”, comentó.

Después de meses de terapia, Cabot decidió hablar públicamente sobre lo ocurrido y ya en marzo de 2026 participó en un podcast de Oprah Winfrey, donde volvió a sostener que estaba separada de su entonces esposo y que Byron le había asegurado que él también atravesaba una situación similar.

En esa conversación cuestionó la falta de apoyo que recibió y dijo que Astronomer llegó a realizar acciones de comunicación vinculadas al escándalo con un tono humorístico. Ahora, la mujer intenta darle un nuevo sentido a la experiencia que definió como “el peor episodio” de su vida.

“La familia y el equipo de Bonnie están desconsolados al anunciar que murió inesperadamente anoche en el hospital en Portugal como resultado de la enfermedad por la que estaba siendo tratada. Emitiremos otra declaración en breve, pero por ahora pedimos privacidad para hacer frente a esta tragedia”, indicaron.

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A inicios de mayo pasado, la artista había tenido que ser inducida médicamente a un coma tras una cirugía intestinal de urgencia en la ciudad de Faro, Portugal, donde residía actualmente. “Sabemos que todos le desean lo mejor y les pedimos que respeten nuestra privacidad en estos momentos difíciles”, había expresado su representante al dar la noticia.

La cantante tenía previsto iniciar su gira europea 2026 el 22 de mayo en Malta, pero por supuesto, quedó suspendida.

En junio, días después de haber cumplido los 75 años, se supo que la cantante había salido del coma farmacológico, aunque su situación seguía siendo delicada. “Bonnie ya no está en coma, pero su estado sigue siendo muy grave y permanece en cuidados intensivos”, señalaba el mensaje publicado por entonces en su sitio web oficial.

Una de sus últimas entrevistas

En marzo, durante una entrevista con la revista Hello!, la artista había asegurado que atravesaba un gran momento personal y profesional: “Por el momento estoy en buena forma... Toco madera. Estoy disfrutando mucho de los conciertos. Sigo actuando en ese escenario con mi maravillosa banda; si tienes salud, lo tienes todo”.

En aquella misma charla también comentó que había atravesado problemas en las rodillas que incluso la obligaron a reprogramar algunos shows durante 2025. Sin embargo, explicó que el tratamiento había sido exitoso. “No me pusieron rodillas nuevas”, dijo con humor: “Me hicieron lo que llaman lavados, que resultaron ser un gran éxito”.

A lo largo de su carrera, Tyler cosechó tres nominaciones al premio Grammy y representó al Reino Unido en el Festival de Eurovisión 2013, donde alcanzó el puesto 19. Además, sus aportes a la cultura le valieron ser distinguida como Miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE). Gran parte de este legado se sostuvo sobre el fenómeno imbatible de “Eclipse total del corazón”, un clásico que superó las mil millones de reproducciones impulsado, curiosamente, por los eclipses solares reales de 2017 y 2024.

Varias veces, al hablar sobre este tema, Tyler —con sus peinados voluminosos y su estilo rock glamoroso— afirmaba que no había ganado “casi nada” de dinero porque no es la autora.

El impacto de la canción cruzó generaciones y formatos. En 1995, la inglesa Nicki French la llevó a las pistas de baile, y en 2006 fue el turno de la boyband Westlife. El cine también cayó ante su magnetismo: Cate Blanchett la entonó en una particular escena de la película Vida bandida (2001) mientras atropellaba a Billy Bob Thornton, y tuvo su momento dorado en una boda de la comedia Aquellos viejos tiempos (2003). Incluso el fenómeno adolescente One Direction la rescató en 2010 durante su consagratorio paso por la versión británica del reality The X Factor.

En la actualidad “Eclipse total del corazón” sigue siendo una de las canciones de amor más famosas de todos los tiempos. A principios de 2026, 43 años después de su lanzamiento, había superado mil millones de reproducciones en Spotify.

Su historia

Nacida el 8 de junio de 1951 bajo el nombre de Gaynor Hopkins, los orígenes de la cantante distaban mucho de las luces del estrellato. Hija de un minero del carbón, creció en Skewen —un pueblo galés a pocos kilómetros de Swansea— en una vivienda social con baño exterior, donde compartía la infancia junto a sus cinco hermanos.

Adoraba a los Beatles y el primer álbum que compró fue A Hard Day’s Night. Una de sus canciones favoritas a los 13 años fue “Hippy Hippy Shake” de The Swinging Blue Jeans. Por esa época también veía religiosamente el programa Top of the Pops, según sus memorias Straight From the Heart. Lo grababa cada vez que podía y anotaba las letras de las canciones que le encantaban, como los temas de Janis Joplin, Nina Simone, Tina Turner, Wilson Pickett y Otis Redding. “Solía cantarlas con mi cepillo para el pelo durante horas y horas, y así fue como todo empezó para mí”, escribió.

Ya bajo el seudónimo de Bonnie Tyler —elegido con el respaldo de la discográfica RCA—, su álbum debut The World Starts Tonight (1977) le abrió el camino gracias al éxito del single “Lost in France”, que le valió una nominación como artista revelación en los Brit Awards. Su consolidación definitiva llegó un año después con “It’s a Heartache”, un hit que escaló hasta el puesto número tres de los rankings. Decidida a dar un salto, tras firmar con Sony, quedó impactada al ver a Meat Loaf interpretar “Bat Out of Hell” en la televisión británica. Sin dudarlo, pidió trabajar con el cerebro detrás de ese sonido: el compositor y productor Jim Steinman. Y él fue quien le presentó su canción “Eclipse total del corazón”, que se convertiría en el sencillo debut de su quinto álbum de estudio, Faster Than the Speed of Night, y que la hizo liderar todos los rankings.

Al reevaluar su impacto en 2020, el prestigioso sitio musical Stereogum la definió como un “evento de nivel de extinción plasmado en forma musical”. “Es el pop entendido como una explosión de pasión que acelera el corazón, golpea el pecho y ruge con sangre, mientras los cielos se desploman. Es puro espectáculo. Son fuegos artificiales, láseres, relámpagos y truenos. Se eleva, se precipita y da giros en el aire”, describió la publicación.

Con información de AP y AFP

Después de que al comienzo de la última fecha el influencer festejara el penal errado por Lionel Messi, la exparticipante de Gran Hermano decidió confrontar al estadounidense en el estadio. Más tarde, mostró parte de ese momento, que grabó en un video apenas finalizó el encuentro disputado en Atlanta. En las imágenes, se la puede ver junto a otros simpatizantes argentinos cruzando al influencer.

La mediática se muestra replicando el clásico gesto de “llanto”, en una burla por el resultado que terminó favoreciendo a la albiceleste y luego subió el clip a las redes sociales. Además, publicó otros momentos del cruce de los hinchas con el streamer junto a la frase: “Gracias @ishowspeed”, un mensaje irónico aludiendo a que su actitud trajo finalmente suerte al seleccionado argentino.

La publicación cosechó miles de reproducciones y comentarios de usuarios que celebraron el momento y destacaron la reacción de la La Tora luego de la victoria argentina. Además, otros aprovecharon para seguir las bromas contra el creador de contenido: “Mis amigos de la tribuna le están diciendo que lo invitan a un asado”, escribió un seguidor, mientras que otro ironizó: “Ponete la de Suiza, capo”, en referencia al próximo partido.

Algunos, en tanto, apuntaron al supuesto efecto “mufa” de Speed cada vez que alienta a un equipo rival de la Argentina. “De ahora en más podemos predecir el resultado de los partidos según la camiseta que se ponga Speed”, comentó un usuario.

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La presencia del estadounidense en las tribunas generó revuelo incluso antes del comienzo del partido. El streamer conocido por su admiración por Ronaldo y por sus transmisiones en vivo seguidas por millones de personas, asistió al estadio con la camiseta de Egipto y mostró su total apoyo al seleccionado africano.

Durante el encuentro, Speed se mostró eufórico tras el penal errado por Messi en el primer tiempo, y así lo muestran las cámaras festejando en ese momento. Además, en las redes sociales numerosos usuarios aseguraron que había intentado distraer al capitán argentino instantes antes de la ejecución, algo que él mismo de algún modo quiso ratificar. Sus gestos despertaron el enojo de muchos hinchas argentinos, más allá de que el equipo de Scaloni lograra finalmente revertir el resultado.

Cabe recordar que el duelo entre Argentina y Egipto por los octavos de final tuvo un inicio inesperado: a los 15 minutos, el seleccionado africano marcó un gol de Yasser Ibrahim y, poco después, Messi tuvo la oportunidad de igualar con un penal errado.

Desde una ubicación privilegiada detrás del arco egipcio, Speed vivió la jugada en primera persona y no ocultó su festejo por el error del capitán argentino. El streamer reaccionó con sorpresa al penal fallado. “Oh, mi Dios”, exclamó ante el remate desviado de la Pulga, mientras abría los ojos con énfasis por lo que acababa de suceder.

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Cuando Messi apareció para marcar el gol que igualó el marcador, Speed quedó visiblemente sorprendido por la jugada del capitán argentino. Ante el festejo de su hermano, que se encontraba a su lado y que celebró el tanto en su cara, apenas mencionó: “Bro...”. Detrás suyo se pudo ver en ese momento a un grupo de hinchas argentinos que durante gran parte del encuentro lo había tomado como blanco de broma.

En primer plano, sentados en la galería de su casa y con ropa cómoda, Baldoni y su esposa se tomaron un tiempo para compartir sus sentimientos después de la tormenta. “Hace mucho que no hacíamos esto. No hablamos públicamente desde hace casi dos años. Y no fue porque no tuviéramos nada para decir, porque, Dios sabe, sí teníamos mucho para decir”, comenzó el actor y reveló que cada vez que pensaban en grabar un video “había algo” que les decía que no era el momento. “Lo hablamos mucho, rezamos al respecto y este finalmente nos pareció el momento indicado”, sumó.

Sin entrar en detalles sobre el conflicto ni nombrar en ningún momento a la protagonista del film, la pareja explicó que todavía no está preparada para contar todo lo que vivió. “Hay muchísimo para decir y eso hace que también sea difícil hablar. Es difícil encontrar qué es lo correcto para nosotros. Y no vamos a decirlo todo en este momento”, aclaró Emily. Sin embargo, aseguró que hoy pueden mirar hacia atrás con gratitud. “Estamos sintiendo una enorme gratitud por muchísimas cosas, por muchísimas personas y por todo lo que nos ha sucedido”, expresó, mientras el director resumió: “La gratitud nos salvó”.

De todos modos, Emily remarcó que ese sentimiento “no borra la injusticia ni el dolor” que atravesaron durante los últimos años. “Tuvimos que enfrentar muchísimas cosas e intentar entender cómo pudo pasar algo así. Y, encima, presentarse como si fuera una lucha en favor de las mujeres. Hay muchísimo por desentrañar”, sostuvo en una de las pocas referencias directas al conflicto judicial.

Luego, Emily continuó su descargo al revelar el impacto que tuvo la disputa en el plano personal. “La realidad es que atravesamos mucho trauma como familia. Eso también hace difícil hablar”, expresó. De inmediato, Baldoni tomó la posta. “Ni siquiera sabemos si esto es lo correcto para decir, pero sí sabemos que necesitamos compartir algo”, afirmó. “Lo que quiero decir es que durante los últimos años se dijeron muchísimas cosas dolorosas que no eran ciertas. Eso generó muchísimo ruido y nosotros no queríamos sumar más ruido. Por eso simplemente dejamos que la Justicia siguiera su curso. Y la verdad y los hechos hablaron por sí solos”, completó.

Tras un largo suspiro, Baldoni contó que lo que más escucha en la calle cuando la gente lo cruza es “¿Cómo están?”. “Estamos sanando”, aclaró. Y agregó: “Si alguna vez atravesaste una experiencia traumática, sabés que sanar no es un proceso lineal. Cada día es diferente. Tuvimos que replantearnos qué es lo real y qué es lo que verdaderamente importa. Son nuestros hijos, nuestra familia, nuestros amigos, nuestra comunidad y nuestra fe”.

En el tramo final del video, ambos agradecieron especialmente a quienes los respaldaron durante el conflicto. “Hubo muchísimas personas que, cuando nosotros no teníamos voz, fueron nuestra voz”, dijo Baldoni. Y recordó que desde el comienzo solo pedían que la gente “tuviera discernimiento”. “Muchísimas personas lo tuvieron. Escucharon su intuición, confiaron en ella y dedicaron su tiempo a luchar por nosotros. Decir ‘gracias’ no alcanza”.

Antes de despedirse, el actor adelantó que todavía quedan cosas por contar, aunque aclaró que ese momento llegará más adelante. “Hay muchísimo más para decir y estamos deseando que llegue el momento de hacerlo. Pero, por ahora, vamos a seguir concentrados en sanar, en pasar tiempo con nuestros hijos y en disfrutar de la vida”, concluyó.

El conflicto que enfrentó a Lively con Baldoni

El enfrentamiento entre Blake Lively y Justin Baldoni comenzó a fines de 2024, cuando la actriz presentó una demanda en la que acusó al actor, director y a otros integrantes de la producción de Romper el círculo de acoso sexual y de haber impulsado una campaña de represalias y desprestigio en su contra. La actriz había manifestado sus quejas por situaciones fuera de lo común ocurridas durante el rodaje. Baldoni negó todas las acusaciones y respondió con una contrademanda por 400 millones de dólares contra Lively, Ryan Reynolds —su marido— y otras personas vinculadas al caso, a quienes acusó de difamación y de intentar destruir su carrera.

La batalla judicial se extendió durante casi dos años y estuvo marcada por presentaciones cruzadas y la difusión de mensajes, correos electrónicos y otros documentos incorporados al expediente. En el transcurso del proceso, el juez fue desestimando parte de los reclamos presentados por ambas partes y, semanas antes de que comenzara el juicio previsto para mayo, Lively y Baldoni alcanzaron un acuerdo extrajudicial que puso fin al litigio.

Entre finales de los setenta y principios de los ochenta, Tyler era una especie de versión femenina y galesa de Rod Stewart. Paseaba su frondosa cabellera rubia y sus ojos celestes por los videoclips de sus temas más famosos: “It’s a Heartache”, “Total Eclipse of the Heart” y “Holding Out for a Hero”, entre otros.

Lo curioso es que cada uno de estos hits nació de registros musicales muy diferentes. Mientras que “It’s a Heartache” llevaba una guitarra de rasguido de fogón; “Total Eclipse of the Heart” se convertía en un estandarte de las baladas dramáticas que rompen corazones y “Holding Out for a Hero” tomaba todas las convenciones del tecno pop de discoteca de aquellos años, echando mano a los bancos de sonidos de baterías programables más comunes de principios de los ochenta. En cada caso, Bonnie supo imprimirle su sello particular e intransferible.

Había nacido como Gaynor Hopkins, el 8 de junio de 1951, en Gales, en una familia de cinco hermanos y hermanas. Y si bien tuvo el fuerte arraigo religioso de su familia protestante, en la intimidad del hogar los oídos estaban abiertos a distintas músicas. La joven Gaynor tenía preferencia por voces intensas, como las de Janis Joplin y Tina Turner.

Para finales de la década del sesenta encontró trabajo en tiendas y supermercados, pero su deseo de cantar la perfiló a la búsqueda de grupos, presentaciones en concursos de talentos y hasta la creación de una banda que la acompañara. De hecho, en uno de esos intentos, un par de cazatalentos de la industria musical creyeron más valioso su trabajo que el de sus acompañantes y le ofrecieron el primer contrato discográfico como solista. Hay un algo que les hacía ruido (y a ella también): su nombre. Primero lo cambió a Sherene Davis y tiempo después, al definitivo Bonnie Tyler.

La fama no llegó de un día para el siguiente. Su primera producción discográfica fue The World Starts Tonight, que trajo la canción “Lost in France”. Sin embargo, el single no alcanzó el éxito pretendido. Fue dos años después, en 1978, cuando asestó el primer golpe e ingresó a los charts con el tema “It’s a Heartache”, que resultó de lo más pegadizo.

El final de esa década fue una especie de transición tanto por los sonidos que quedaban en el pasado como por la estética visual que proponían las nuevas generaciones. Y Bonnie, ya treintañera, supo adaptarse a los signos de esos tiempos. Con sus canciones logró cruzar el Océano Atlántico y afianzarse en el gusto de un público variado. Primero en los Estados Unidos, luego en otros países del continente.

Durante poco más de cuatro décadas, entre 1977 y 2019, publicó 17 producciones discográficas. Su vida musical no concluyó en ese momento; continuó sobre los escenarios. Tenía dos residencias, una en Gales y otra en Portugal. Y desde allí recorría distintos escenarios europeos. De hecho, a principios de mayo de 2026, cuando tuvo que ser operada de urgencia por un problema intestinal, se encontraba en Portugal y debió suspender varios conciertos que tenía programados para las semanas siguientes.

En junio, días después de haber cumplido 75 años, se supo que la cantante había salido del coma farmacológico al que había sido inducida tras esa cirugía intestinal, aunque su situación aún era delicada. “Bonnie ya no está en coma, pero su estado sigue siendo muy grave y permanece en cuidados intensivos en un hospital de Portugal. Aunque su condición está mejorando, es un proceso lento”, señalaba el mensaje publicado en su sitio web oficial.

En ese momento, el entorno de Tyler tenía esperanzas de que pudiera salir adelante —“sus médicos siguen confiando en que se recuperará bien, pero llevará tiempo”, dijeron entonces—, por lo que la muerte de la artista anoche a última hora resultó tan triste como repentina para sus seres queridos. “La familia y el equipo de Bonnie están desconsolados al anunciar que falleció inesperadamente anoche en el hospital en Portugal como resultado de la enfermedad por la que estaba siendo tratada. Emitiremos otra declaración en breve, pero por ahora pedimos privacidad para hacer frente a esta tragedia”, indicaron en sus redes sociales.

En esa lista de apropiaciones involuntarias, la galesa Bonnie Tyler ocupa un Olimpo bizarro y glorioso: su voz raspada y su sensibilidad melódica terminaron dándole forma al insulto más temido de las canchas locales y, al mismo tiempo, a la banda sonora secreta de la mayor gesta del fútbol nacional.

El primer gran hito de esta colonización cultural a la inversa ocurrió a finales de la década de 1970. En 1977, Tyler lanzó “It’s a Heartache” (“Es un dolor de corazón”), una balada country-pop que se convirtió en su primer éxito masivo a nivel global. La canción hablaba de la desilusión, de lo estúpido que es amar a alguien que te lastima y del vacío que queda cuando un romance se apaga. Un clásico de la melancolía anglo. Sin embargo, cuando el vinilo cruzó el Atlántico, el oído de los hinchas detectó un pulso rítmico perfecto para el reclamo.

Los que estudian la historia de las hinchadas, sus canciones, sus rituales y sus crímenes, coinciden en que la primera hinchada en cantar la adaptación fue la de Huracán. El ingenio de la tribuna extirpó el dolor romántico de la canción y lo transformó en impaciencia colectiva. La melodía de “It’s a Heartache” devino en el clásico y universal: “Jugadores, la c... de su madre, a ver si ponen huevos, que no juegan con nadie”.

Mientras Tyler rasgaba la garganta cantando sobre un amor que te defrauda, miles de hinchas colgados de los alambrados la replicaban a los gritos para exigirle actitud a su equipo.

Con los años, el tema pasó a ser patrimonio de todas las hinchadas del país. Es el himno del desahogo, la cortina musical que suena cuando las papas queman, el equipo no corre y el descenso o la eliminación acechan. En las canchas de Boca y River, al mismo tiempo, el año pasado. Una herencia galesa que late en el cemento argentino cada fin de semana.

La playlist de Diego

Pero el destino de Bonnie Tyler con el fútbol argentino no se iba a limitar a la catarsis del hincha indignado. Unos años después, su música subió un escalón y se metió directamente en el santuario de los protagonistas: el vestuario. En 1983, de la mano del productor Jim Steinman, la cantante editó “Total Eclipse of the Heart”, una obra maestra del pop operístico, exagerada, dramática y épica. Un tema que, por su propia fuerza arrolladora, estaba destinado a acompañar momentos grandilocuentes.

El encargado de darle su lugar en la historia grande del deporte fue, cuando no, Diego Armando Maradona. En su libro testimonial México 86. Mi mundial, mi verdad, el Diez reveló la estricta y obsesiva rutina mística que montó la delegación argentina durante aquella Copa del Mundo. El trayecto en micro desde la concentración del América hasta los estadios era un ritual inalterable controlado por el propio Maradona. Y allí, en el corazón del casete que tronaba en el reproductor del ómnibus, Bonnie Tyler era una pieza fundamental.

Diego recordaba que la playlist de la cábala mundialista tenía tres columnas estables que debían sonar sí o sí antes de salir a jugar: “Eye of the Tiger” (de la película Rocky III), “Gigante Chiquito” de Sergio Denis, y “Total Eclipse of the Heart”. La transición entre la épica del boxeador, el estribillo tribunero local y el drama pasional de la galesa construía el clima de trance que el plantel necesitaba. La voz rota, casi al límite, de Tyler encendía las fibras íntimas de los jugadores. Funcionaba como un combustible emocional inmejorable.

“Total Eclipse de Heart” terminó musicalizando la consagración de una Selección inolvidable.

Bonnie Tyler falleció dejando un vacío enorme en la música pop, pero su eco en el sur del continente sigue siendo eterno. Quizás nunca dimensionó en su total magnitud que, mientras ella giraba por teatros de Europa interpretando sus canciones de amor y desamor, en esta esquina del mapa su discografía se había bifurcado en dos mitos vivientes: el insulto más temido por los jugadores del fútbol argentino y la melodía sagrada que acompañó al Diego a levantar la Copa del Mundo.

Era solo cuestión de tiempo antes de que la marea nostálgica de Hollywood llegara a enfocarse en un ícono televisivo como lo es La familia Ingalls. Aquella serie que se emitió entre 1974 y 1983 e incluyó nueve temporadas y cinco telefilms fue uno de los primeros ejemplos de los alcances del concepto de la aldea global, de fenómenos que trascienden fronteras, culturas y que se integran para formar parte de las vivencias de generaciones. Todo eso fue y es aquella ficción protagonizada y producida por Michael Landon inspirada en la saga literaria creada por Laura Ingalls Wilder a partir de las experiencias de su familia en las praderas de Kansas a finales del siglo XIX. Pioneros en busca de colonizar el Oeste “salvaje” que en realidad no estaba disponible ni de acuerdo con ser domado, las aventuras y desventuras de Charles, Caroline y sus hijas retrataron en los años setenta un Estados Unidos conectado con el espíritu de superación y construcción comunitaria que, para ese momento, ya era solo un recuerdo lejano, parte de aquellos buenos viejos tiempos más simples en donde un mal día podía mejorar con un paseo por el borde del río y una carrera entre las flores.

Aquella visión idílica que encantó al público durante nueve temporadas no es la que muestra La casa de la pradera, la serie de 8 episodios, disponible desde hoy en Netflix. La adaptación que traslada más fielmente que la serie de antaño las primeras novelas de Wilder retrata los pasos iniciales de los Ingalls en la frontera de Kansas con mayor crudeza de la que se permitía el ciclo original. La llegada de la familia a la zona que el gobierno prometía tenía tierras para repartir se parece más al escenario de peligro, especulación y desesperación de algunos westerns clásicos sobre la conquista del Oeste. Aunque la mirada de la curiosa e intrépida Laura (Alice Halsey) sigue aportando la pincelada de inocencia y fascinación que encantó tanto a los lectores como a los espectadores originales, aquí la trama también le da espacio y tiempo de desarrollo al drama de los adultos. Y a los conflictos raciales y sociales que forman parte esencial de la historia.

En esta versión Charles (Luke Bracey) y Caroline (Crosby Fitzgerald), son una pareja amorosa, pero también funcionan como socios en la inusual y riesgosa epopeya que supone dejar su Wisconsin natal por las praderas de Kansas y sus promesas. El vínculo entre ellos se presenta lleno de matices, tropiezos y desacuerdos que le dan una espesura al relato que su antecesor no tenía. Pero lo que distingue mayormente a las dos versiones es cómo la actual incorpora una parte de la historia autobiográfica de Ingalls Wilder que era insostenible en términos de sensibilidad moderna. En los libros la mención de los indios, los nativos americanos dueños originarios de la tierra que los colonos codician, es despectiva y racista mientras que la nueva serie profundiza la mirada sobre la relación entre la tribu Osage y los pioneros que ya insinuaba la serie de los setenta.

Entre la lucha contra los elementos, la malaria y la pobreza aparece también la tensa convivencia entre ambos grupos, que el relato se esfuerza por no pasteurizar demasiado. Los Ingalls se proponen como el puente entre la desconfianza generalizada de los colonos por los nativos y viceversa sin caer en excesos de sentimentalismos o corrección política. Y el mismo tratamiento aplica a los pasajes en los que desarrolla los estragos causados por la Guerra de Secesión. Para poner en marcha esa línea del relato aparece el señor Edwards (Warren Christie), un personaje que los conocedores de La familia Ingalls recordarán como el osco y alcohólico amigo de Charles. Ese que en esta versión conserva esos modos, pero tiene la oportunidad de desplegar sus traumas del pasado con mayor sensibilidad. De hecho, la serie se ocupa de confrontar las tragedias de todos los personajes no con el afán de medir quién sufrió más, sino para demostrar la dureza de las experiencias que todos atravesaron y los llevaron hasta dónde están. “Hay límites para la compasión”, le dice una vecina a Caroline y aunque el comentario la coloca como la villana de la primera temporada también ofrece un punto de vista válido que la trama se anima a explorar.

Con algunos hallazgos y numerosas virtudes, tal vez el punto débil de La casa de la pradera sea que no es ni puede ser La familia Ingalls. Porque ni siquiera la serie de los setenta existe en un vacío para sus espectadores, sino que forma parte de su educación sentimental, más sensación que recuerdo fiel. El resultado del juego del espejo entre esta remake y la serie original es complicado de dirimir. Para quienes tengan referencias del programa de antes la búsqueda de guiños y señales de reconocimiento ocupará bastante de su atención lo que posiblemente haga más difícil que se aprecie a la serie de Netflix por sus valores intrínsecos. Le irá mejor a aquellos espectadores que no tengan puntos de comparación, a quienes en lugar de medirla en base a la nostalgia puedan disfrutar de un relato bien contado pensado para toda la familia.

4 stars

—Es la tercera temporada de Una Navidad de mierda y uno de los éxitos de la cartelera porteña, ¿cuál es el secreto?

—Estamos muy contentos porque uno siempre sueña con que se den las combinaciones que tiene esta obra y que no se pueden digitar. Tenemos un equipazo, pero además todo tiene que fluir y eso no siempre sucede. Una Navidad de mierda es una comedia disparatada, y a la vez tiene profundidad y sustento dramático. No es una obra de gags, aunque también los tiene.

—Les va bien en un contexto de mucha competencia porque sin ficción, los actores trabajan en teatro o de panelistas o en realities….

—O de conductor de un programa de viajes o de ciencia para niños (risas). Hice cuatro temporadas de Los experimentores, que se estrenó hace un par de años en Paka Paka, y sigue repitiéndose. Fue una experiencia muy linda. Y sigo grabando Código viaje (Telefe); hacemos ocho capítulos en temporada de invierno y otros ocho en temporada de verano, mostrando las posibilidades recreativas de toda la provincia de Buenos Aires. Estoy muy contento, sobre todo de sentirme a la altura de los desafíos. Todavía me entusiasma descubrir nuevas disciplinas y es lo que siempre me llamó más la atención de este laburo: renovar la experiencia todo el tiempo. Lo que, por otro lado, es negativo porque empezás un laburo sabiendo que tiene un final y que no hay nada constante. Es algo que sabe el actor.

—Y de eso algo sabés porque hace más de veinte años que trabajás en el medio. ¿Cómo se dio esa primera vez?

-Hice una prueba para una película que producía Telefe cuando todavía no había terminado la escuela secundaria; estaba en 4º año. A ese casting me había llevado mi hermana, que también era súper joven y recién empezaba. Había hecho un par de ficciones en Canal 9 y me dijo “esto está bueno, vení”. Me acuerdo de haberla acompañado una vez y de haberme fascinado con el detrás de cámara. Con todo lo que no se ve en casa. Recuerdo mucho ese sentimiento de fascinación y de tener el privilegio de ser testigo de eso. El cuento es que no me eligieron para la película, pero se ve que el casting quedó dando vueltas y cuando salió el proyecto de Verano del ’98, me llamaron. Y fue un suceso.

—¿Ahí decidiste que querías ser actor?

—No, se fue dando. A esa edad empezás a tener preferencias, pero no sabés cuál es tu vocación. Por lo menos eso me pasó a mí. En cambio, mi hermana quería ser actriz desde que tenía 5 años. En Verano del ’98 nos iba muy bien y en un momento pensé que debía formarme. Por una cuestión ética (risas). Y en las clases de teatro en la escuela de Raúl Serrano entendí que había algo interesante para mí. Recuerdo claramente la primera muestra de fin de año, mostrando pequeñas escenas. Obviamente estaban los padres, los tíos, los primos y me acuerdo de esa sensación de estar sobre un escenario, que en realidad era una tarima. Sentí una emoción real a partir de una mentira, porque era una propuesta ficcional. Emocionarme por algo que estábamos inventando me pareció increíble, y que encima eso pueda trasladarse a alguien que lo está viendo. Hay algo muy complejo, muy místico, muy inexplicable.

—¿Seguís teniendo esa fascinación tantos años después?

-En el teatro, sin duda alguna, sí. Sea el espectáculo que sea. Sea el número de función que sea. Llevamos más de 200 funciones y todavía la vivo como el primer día. Cada vez que me toca salir y esperar y observar a mis compañeros, lo hago con la misma sonrisa. Además, es una obra muy cómoda y la vara está muy alta, por eso en cada función es un desafío estar a la altura.

—Tu personaje es el de un eterno adolescente, a pesar de que es padre. ¿Observaste a tus hijos o buceaste en tu propia adolescencia para componerlo?

—Un poco el chiste del personaje es que está viviendo con sus padres y se comporta como un eterno adolescente, pero en realidad tiene un hijo y viene de una separación. Volvió a la casa de mamá y papá porque la mujer le echó patadas, y tiene una regresión. Ese es el conflicto. Me gusta apoyarme en el aquí y ahora, más allá de la memoria emotiva. Mi personaje sigue enamorado de esta mujer que lo maltrata y que no lo deja ver a su hijo. Entonces, siendo padre entiendo lo que puede sentir alguien que no tiene acceso a su hijo. La sola idea de la desvinculación entre un padre y un hijo ya me conmueve. Por eso hablo del aquí y ahora, de estar disponible en escena, de que te atraviese lo que pasa.

—Volvamos en el tiempo. Cuando le tomaste el gustito a la actuación, ¿descartaste estudiar otra carrera?

-Nunca llegué a plantearme el hecho de empezar una carrera porque cuando terminé el colegio venía con mucho envión: ya había hecho mis primeras películas, mi primera obra de teatro, y la televisión nunca se cortó. Más allá de que no era algo que yo deseaba que me pasara, sentí un privilegio y entendí que tenía una oportunidad de vivir experiencias humanas particulares.

—De vivir muchas vidas en una…

-Claro. Y soy un agradecido porque siempre viví de esto. Cuando estamos desempleados, los actores decimos que estamos “entre proyectos”. Y yo estuve entre proyectos muy pocas veces. Una de ellas fue en pandemia y hubo que achicar estructuras, pero a todos nos pasó lo mismo. Y a lo largo de los años hice cosas que resultaron ser muy icónicas como Mosca y Smith, Los Roldán, Costumbres argentinas, Botineras, Graduados. En el medio hice cosas que no estuvieron tan buenas, pero sirvieron como experiencia.

—Y si mirás para atrás, ¿te gusta ese camino que hiciste?

—Sí, sí. Hice de todo, en general. Entiendo la búsqueda personal de otras personas, como el prestigio y la destreza total en la actuación, pero yo no soy un actor camaleónico. Sí considero que tengo una sensibilidad particular y la pongo a disposición de lo que haga falta. También hay que ser honesto con uno mismo y con sus propias capacidades. Son cuestiones que uno va entendiendo con los años. Yo construyo a partir de lo que me gusta a mí como espectador y es la honestidad.

—También hacés música, ¿cómo profesional o aficionado?

-Nos hemos presentado una que otra vez, y hay alguna grabación por ahí dando vueltas. En este momento, la banda está en pausa hace como cinco años.

—¿Volviste trabajar con tu hermana?

-No mucho. En Verano del ’98 hicimos de hermanos. Y años después volvimos a trabajar juntos en Soy tu fan, que mi hermana también produjo. Y creo que nunca más. Ahí también se ve la gran diferencia entre un camino como el de mi hermana y el mío, cómo se fueron bifurcando y se definieron muy diferentes artísticamente.

—Como a ella, ¿te interesan la dirección y la producción?

-Me gusta tirar mi punto de vista o dar mi aporte, pero no sé si tengo otra ambición. Con los años ganás experiencia y tenés una visión más clara de cómo te gustan las cosas y, de repente, en algún proyecto tu voz es más escuchada y terminás tomando decisiones, que no está mal. Pero no está en mis pendientes.

—¿Cómo vivís este recorte de la cultura?

—Es un momento muy delicado. Y no hablo solamente como actor, sino como ciudadano. El arte tiene potencial de emocionar te permite cuestionar un montón de cosas, conectar con la necesidad de estar contento, de sentirse realizado. Y eso puede ser muy incómodo para alguien que quiere dominar una sociedad. Hay algo de esta batalla cultural que tiene un objetivo muy concreto que es dividirnos, aislarnos. Y a mí, personalmente, me parece ridículo porque siento que me están diciendo que el agua no moja. Somos individuos que funcionan en sociedad, como las células de un cuerpo… Y cuando esas células se dividen se llama cáncer. Es clave tener la noción de que somos parte de algo más grande que nos supera como individuos y que para conseguir algo superador en nuestra propia realidad tenemos que funcionar unidos.

-¿Tenés una mirada esperanzadora?

-Uno necesita estar esperanzado porque hay chicos que van a sobrevivirnos. Igualmente, creo que cuando la maldad aflora y reina, no tiene que ver con factores externos. Todos somos miserables también. Todos tenemos una parte egoísta y nefasta y cruel porque es inherente al ser humano. Y creo también que hay movimientos y pensamientos políticos que permiten aflorar ese mal y lo validan. Y a lo mejor tienen razón. A lo mejor yo soy un iluso que trata de pensar que podemos movernos solamente según nuestra parte positiva y virtuosa. Hay que hacernos cargo de que somos complicados como especie.

-Hablemos de amor. Hace veinte años que estás en pareja con Leticia Lombardi, son padres de Violeta (16) y Teo (10) y se casaron hace cuatro años. ¿Cómo nació esta historia?

-No me gusta hablar mucho de esto porque Leticia no tiene nada que ver con el medio; se dedica a la zapatería y marroquinería, aunque alguna vez hizo vestuario en el Colón y también en Polka. Nos conocimos en un boliche, en Club 69 a los 20 años. Fuimos y vinimos un montón de veces, pero de esta última tirada hace 18 años.

-¿Sos un papá que pone límites o le dejás ese tema a ella?

-Soy el papá que puedo (risas). Es un proceso de aprendizaje. Todo lo que proyecté previamente, no pasó (risas). Es maravilloso igual, pero nada de lo que podía haber esperado. Ser padre es el desafío más grande de mi vida porque es el día a día, y lo que uno es se ve reflejado muchísimo en los hijos. Creo que hay muy poco digitable ahí. Y, obviamente, es otra experiencia que te obliga a hacer una introspección y a tratar de mejorar.

-¿Alguno de tus hijos tiene inclinación artística?

-El más chico ahora se anima a decir textos en los actos del colegio y no ser el árbol tres (risas). Para ellos debe ser particular tener un papá y una tía trabajando en el medio. Es una cuestión casera. Mi viejo, en los asados, cantaba “Zamba de mi esperanza”. Era guitarrero de fogón.

-¿Y ahí empezó a interesarte la música?

-Sí, primero fue la música que la actuación. Había en casa una guitarra que era de mi papá y un día cayó en mis manos. Tomé clases y hoy tengo dos o tres guitarras particulares que me gustan: una eléctrica del ‘81, que es mi año de nacimiento, otra del ’73. Las tengo en un sótano y toco cada vez que vuelvo del teatro. Es mi forma de desconectar después de la función.

-¿Qué más te gusta hacer en tus ratos de ocio?

-Jugar al fútbol, aunque ahora me cuido porque tengo función y necesito estar bien. Además, en el escenario hacemos un villancico y yo toco la guitarra. Por eso, antes estaba en el arco y ahora lo dejé. Ahora corro, a puro corazón.

“La familia y el equipo de Bonnie están desconsolados al anunciar que falleció inesperadamente anoche en el hospital en Portugal como resultado de la enfermedad por la que estaba siendo tratada”, expresó este jueves 9 de julio la familia de la intérprete a través de un comunicado en las redes sociales. Asimismo, pidieron “privacidad para hacer frente a esta tragedia” y agregaron que “en breve” emitirán otra declaración.

Durante los últimos dos meses, la salud de la artista nacida en Skewen, Gales, generó profunda preocupación. En ese momento, el medio The US Sun informó que Tyler fue trasladada de urgencia al hospital el 30 de abril, aunque no dio mayores precisiones. El 6 de mayo, fue su familia la que informó que se sometió a una cirugía intestinal de urgencia en un hospital de la ciudad portuguesa de Faro, donde residía. Para llevar tranquilidad, indicaron que el procedimiento quirúrgico salió bien y estaba recuperándose. Sin embargo, 48 horas después aclararon que fue inducida médicamente a un coma “para favorecer su recuperación”.

El 8 de junio, Gaynor Hopkins —su nombre de nacimiento— cumplió 75 años y una semana después su familia compartió la noticia de que había salido del coma, pero que el cuadro aún era delicado y continuaba internada en la unidad de cuidados intensivos. “Queremos agradecer a todos por la enorme muestra de amor y apoyo que recibimos de todas partes del mundo para Bonnie, y decirles que ella es consciente de sus buenos deseos y se siente muy agradecida por ellos”, expresaron en aquel momento. No obstante, este jueves les tocó dar la triste noticia de su fallecimiento.

Rápidamente, seguidores de su música se expresaron en sus redes sociales para despedirla y honrar su legado. “Se nos fue Bonnie Tyler a los 75 años. ‘Total Eclipse Of The Heart’ es un himno mundial. Gracias por esta hermosa canción”; “Hoy despedimos a Bonnie Tyler con tristeza, pero también con gratitud. Porque hay artistas que nunca se van del todo: mientras su música siga sonando, seguirán viviendo en quienes la escuchan”, expresaron usuarios de X.

“Estoy francamente llorando con lo de Bonnie Tyler. Ella caminó para que el resto pudiéramos tener una de las mejores escenas musicales de la historia del cine. Que en paz descanse porque se lo merece”, sumó otra haciendo referencia a la escena de la película Shrek 2 musicalizada con “Holding Out ‌for a Hero” que hizo que toda una nueva generación fuera introducida a la canción. Asimismo, varias personas dejaron mensajes en las redes sociales de la cantante, que siempre estuvieron muy activas y, debido a la demanda, actualmente su sitio web oficial está caído. Según indicó la familia, próximamente compartirán un nuevo comunicado.

Si bien el presentador no dio a conocer ningún nombre en particular, a las pocas horas Ángel de Brito reveló toda la verdad sobre la jugadora en cuestión. Durante su programa de streaming en Bondi Live, el periodista explicó: "Tenemos novedades de GH porque esta noche se despide Andrea del Boca. ¡Otra vez! No sé si volverá. Pero tiene que ver con la salud de su mamá“.

“Ya lo anunció Santiago en este comunicado. Sin nombrarlo, obviamente. Lo van a comunicar a la noche en el vivo”, agregó, sacándole el misterio a la publicación realizada por el conductor de Telefe.

Otro detalle no menor, que dio a conocer el líder de las angelitas, es que en el día de ayer, Anna del Boca, la hija de Andrea, no se presentó a su streaming. Esto estaría estrechamente vinculado a las complicaciones médicas que atravesaría su abuela. “La hija de Andrea no fue al streaming y aparentemente esta noche abandona Andrea y quizá, quién sabe, con estas cosas que tiene la vida, si tiene ganas de volver o no se verá porque dura hasta septiembre”, recordó Ángel, sobre los dos meses y medio de programa que aún quedan por delante.

Rápidamente, las redes sociales se llenaron de mensajes a favor y en contra de esta nueva salida de Andrea del Boca. “Por favor que no vuelva más”; “Y más en estas instancias del juego, si sale, que no vuelva, sería injusto” y “Podría ser Yipio, también tiene a la mamá en cuidados, Tamara Charlotte, Cinzia está embarazada jajaja”, fueron algunos de los mensajes más destacados de los fanáticos del reality.

Conoció el éxito gracias a canciones como “Vuele bajo” y “No soy de aquí ni soy de allá”, y los tiempos de andar con lo puesto. La vida lo hizo andar, durante décadas, y la muerte, que ese día andaba buscando a otro, se lo llevó por error. Hoy, justamente, se cumplen quince años de ese siniestro y nefasto malentendido.

“Yo soy el hijo de Sara y con eso es suficiente. Además soy la peor parte de Isabel, que es mi mejor parte. Soy el cantor de un pueblo que no me pertenece; moderadamente argentino y exageradamente Cabral. Repetidor de Whitman e inventor de mí mismo; orgulloso del hambre que me tiene despierto y asombrado de ser parte de este asombroso universo. Soy un hombre que canta naturalmente entre los hombres que callan inexplicablemente. Y me acuerdo, porque la primera condición que debe tener un cantor es buena memoria. El sabio [Rabindranath] Tagore decía que cuando el hombre trabaja Dios lo respeta. Mas cuando el hombre canta Dios lo ama”, le gustaba decir.

Entre aquél Rodolfo Enrique nacido en La Plata el 22 de mayo de 1937 y el Facundo de los escenarios, entre el mito y la veracidad, hay un punto medio de historia y realidad que hoy ya poco importa. Porque el personaje, las canciones y sus reflexiones convertidas en versos, se impusieron y trascendieron.

La bala puso fin al hombre. Fueron varias balas. Aquello pasó en Guatemala. Luego de haber cantado en el teatro Roma de Quetzaltenango, Facundo Cabral se dirigió al hotel Gran Tikal Futura y al día siguiente (9 de julio de 2011), alrededor de las cinco de la mañana, partió para el Aeropuerto. Habría decidido tomar un transfer desde el hotel, pero el empresario Henry Fariña, que había sido el productor local que lo había contratado, le ofreció llevarlo. Facundo aceptó, subieron a la camioneta del productor y a poco de comenzar el trayecto fueron emboscados y acribillados. La muerte de Cabral fue instantánea. De la investigación surge que el atentado no era contra él sino un ajuste de cuentas planeado para sacar del medio a Fariña, un poderoso narcotraficante.

Cabral habría sido payador, a principios del 1900, en la época de Gabino Ezeiza. O sería rapero, en estos tiempos de música urbana y freestyle. Fue un juglar porque eso era lo que mejor lo representó en su tiempo (aunque la juglaría es un arte que tiene siglos). Fue juglar porque cantaba canciones, contaba historias y era “entretenedor” de públicos que prefirieron sorprenderse escuchando comentarios sagaces que haciendo palmas en festivales de euforia. “Cantar y contar la vida es mi manera de andar”, decía quien se jactaba de no haber tenido casa y de vivir casi siempre en hoteles.

Fue profeta de su propia religión, una que tuvo una considerable cantidad de adeptos. Ferrocabral (convertido en un disco) puede ser uno de esos ejemplos. El de un predicador que declama en tiempos en los que los libros de autoayuda todavía no estaban de moda; tampoco los de las soluciones mágicas para arreglar al mundo. Facundo era el de la generación del pacifismo, que entonaba oraciones, que cantaba prosas, con las “erres” un poco patinadas hacia la “g”. Lo hacía sin dogmatismos religiosos ni políticos. La utopía y la fe fueron pilares de su arte de voz y guitarra. La música no le permitió viajar. Fue al revés. Su espíritu andariego le permitió hacer música. Todo eso acompañado por un gran poder de reflexión e imaginación. Contada en sus propias palabras, su vida fue una especie de película. Solía decir que fue mudo hasta los 9, analfabeto hasta los 14 y que había enviudado de manera trágica a los 40.

Su padre había abandonado a su madre poco antes de que naciera Facundo, séptimo hijo de la pareja. (Otra vez habrá que decirlo y repetirlo) en sus propias palabras, fue ese chico inquieto que conoció a Juan Domingo Perón en un acto público en La Plata (se trepó a su coche para pedirle trabajo). Estuvo preso, visitó 165 países, citó a personalidades como Gandhi y la Madre Teresa de Calcuta en sus espectáculos. Se nutrió de la obra de Walt Witman y de la de Jorge Luis Borges. Fue el que caminó y caminó. El que interpeló con sus frases la cotidianeidad burguesa del ser humano.

“Ando solo por la vida con un tono y dominante, modestamente cantor sin pretensión de enseñarte. Porque si el mundo es redondo no sé qué es ir adelante. Andar y andar siempre andando nada más que por andar. No vine a explicar al mundo. Solo lo vine a tocar. No quiero juzgar al hombre, al hombre quiero contar. Mi condición es la vida y mi camino cantar. Cantar y contar la vida, es mi manera de andar”.

Quince años pasaron de su asesinato. Cualquier búsqueda sobre Cabral nos traerá sus frases; las pacifistas, las místicas, las universales, las filosas y sagaces, las increpantes. Y muchas de ellas estarán recopiladas en su cancionero.

En canciones

Durante el último lustro hubo un par de ediciones para evocarlo. En 2021, el músico Mauro Guiretti realizó un disco de homenaje, Esclavo de la libertad. Grabó casi una docena de canciones para recordarlo y para que, de algún modo, ese cancionero siga viajando.

En agosto de 2024, Sony Music publicó sus primeras grabaciones, al cumplirse sesenta años de aquellos registros. Por entonces -mediados de la década del sesenta- parecía un nuevaolero que interpretaba canciones con el nombre artístico de Indio Gasparino. Actualmente, aquellos temas se pueden encontrar en plataformas digitales.

El primer encuentro fue una fiesta de bienvenida con una cena personalizada ambientada en los cítricos del Castillo Xirumi. Para esa noche, Aurora lució un diseño con escote palabra de honor blanco, con un cuerpo de tejido drapeado y una falda con bordados florales. La velada terminó convertida en pista de baile: hubo banda en vivo y la novia se animó a cantar con el micrófono en la mano, arriba de los hombros de los invitados, en escenas que recordaron el carisma escénico de su padre.

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El segundo look llegó con la firma civil, el 3 de julio, en el ayuntamiento de Militello in Val di Catania. Allí Aurora optó por un vestido blanco de línea minimalista, con escote drapeado y falda asimétrica de estética boho, combinado con sandalias bajas y un pequeño tocado. El acto estuvo a cargo del alcalde local y selló legalmente el casamiento antes de que continuaran los festejos.

La gran ceremonia simbólica y el banquete principal se realizaron en el Castillo Xirumi Serravalle, una construcción de los siglos XVI y XVII cerca de Siracusa, reservada por completo para la ocasión. Para ese momento, Aurora reservó su vestido más espectacular: un diseño sirena off white, en tejido satinado, con escote corazón, bordados florales delicados y una abertura lateral que dejaba ver una base de encaje. Completó el look con un velo de tul, el pelo suelto con ondas naturales y zapatos con brillos. Se supo, además, que la novia le escribió y le dedicó varias canciones de amor a su marido esa noche.

El gesto más comentado fue otro: aunque su vestido principal fue un diseño de Giorgio Armani Privé inspirado en el que usó su madre para casarse con Eros Ramazzotti en 1998, Aurora decidió posar además con el vestido original de Michelle Hunziker, el mismo que la diseñó Armani hace casi tres décadas. No se trató de una réplica sino de una reinterpretación: la misma elegancia sobria, actualizada en proporciones y espíritu.

Según trascendió, ese vestido histórico se creía perdido y reapareció durante el proceso de diseño del ajuar de Aurora, lo que terminó de darle sentido a la idea de unir a madre e hija bajo la misma casa de moda. Aurora tenía apenas dos años cuando se celebró la boda de sus padres, pero siempre convivió con la imagen de ese vestido como parte de su memoria familiar.

La marca italiana no solo vistió a la novia: Goffredo Cerza usó un esmoquin de Giorgio Armani Made to Measure, mientras que Michelle Hunziker eligió un corsé brillante combinado con pantalones color Tiffany, y Eros Ramazzotti optó por un clásico esmoquin negro. El resto de los invitados respetó un código de vestimenta formal, aunque con una recomendación práctica: usar calzado cómodo por el terreno natural del castillo. La paleta de colores elegida combinó tonos tierra con verdes, rosas, terracota y bordó.

Michelle Hunziker acompañó a su hija durante los tres días de celebraciones, mientras que Eros Ramazzotti vivió el casamiento desde un lugar especialmente emotivo. Trascendió, además, que el cantante tenía preparado un concierto privado como regalo sorpresa para los recién casados.

Con más de una década de exposición mediática por ser hija de dos de las figuras más populares de Italia, Aurora Ramazzotti construyó en los últimos años una carrera propia en televisión y redes sociales. Su casamiento con Goffredo Cerza, entre música, comida siciliana y guiños a la historia familiar, ya quedó como uno de los grandes eventos sociales del verano europeo.

El libro nace a partir de un ensayo viral que Ratajkowski publicó en la revista The Cut, en el que relató sin filtros la etapa de citas compulsivas que atravesó tras convertirse en madre soltera. En ese texto, la modelo de 35 años reflexionó sobre el poder, los vínculos y, sobre todo, sobre el proceso de reconstruir su propia identidad después del fin de su matrimonio.

Todo comenzó cuando Ratajkowski compartió el ensayo en sus redes sociales, donde acumula cerca de 28 millones de seguidores en Instagram, invitando a sus fans a conocer lo que había aprendido sobre el poder, los hombres, el sexo y, principalmente, sobre sí misma. La publicación se viralizó rápidamente y despertó el interés inmediato de varias editoriales, que vieron en el texto material más que suficiente para un libro de memorias.

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No es la primera incursión literaria de la modelo: en 2021 ya había publicado My Body, una recopilación de ensayos sobre su cuerpo, su imagen pública y su experiencia en la industria de la moda. Ahora, con MOTHER F*CKER, promete un relato todavía más íntimo y directo sobre su vida amorosa después de la separación.

Aunque en el ensayo original Ratajkowski evitó mencionar nombres propios, se espera que el libro reavive las especulaciones sobre con quiénes salió durante su etapa de soltería. Distintos medios la vincularon en ese período con figuras como Brad Pitt, Pete Davidson, Eric André, Harry Styles y Shaboozey, además de haber sido vista públicamente con Austin Butler. Ninguno de esos rumores fue confirmado por la propia modelo.

El ensayo que dio origen al libro repasa el quiebre de su matrimonio con el productor Sebastian Bear-McClard, con quien estuvo casada cuatro años y medio antes de separarse en 2022, poco después de que trascendieran versiones de infidelidad. Ratajkowski contó que la vida sexual con su entonces marido se apagó apenas seis meses después del nacimiento de su hijo, Sylvester, y que la ruptura llegó menos de un año más tarde.

En el texto, la modelo describió con humor e ironía a distintos hombres con los que salió en esa etapa en Nueva York, entre ellos un galán con poca destreza para el coqueteo, un artista vegano de posturas impecables, un chef con dudas sobre su salud sexual y hasta varios músicos electrónicos. También reconoció que, antes de separarse, nunca había tenido una relación de una sola noche ni se había acostado con alguien el mismo día de conocerlo: en toda su vida adulta solo había estado con ocho personas.

Pese al tono desenfadado de muchas anécdotas, Ratajkowski dejó en claro que la prioridad durante ese período siguió siendo la crianza de su hijo. “Tenía reglas: nunca llegar tarde a la hora de acostarse y, básicamente, nada de pernoctar”, contó. Incluso después de una noche de salidas o de varias copas, se aseguraba de volver a casa para relevar a la niñera y estar presente cuando Sylvester se despertara temprano por la mañana.

“No disfrutaba del sexo”, admitió. Y agregó que estaba demasiado ocupada amando y cuidando a su hijo como para involucrarse de la manera que esperaba en esa nueva vida sentimental.

Con el tiempo, además, admitió que aquella etapa de libertad sexual no terminó siendo tan placentera como esperaba, ya que gran parte de su energía emocional estaba puesta en la maternidad.

Penguin Press, la casa que se quedó con los derechos del libro, tiene en su catálogo a autores de la talla de Zadie Smith, Ottessa Moshfegh, Ron Chernow, Will Smith, Alice Waters, Aziz Ansari y Phil Jackson, entre otros.

2 stars

La buena recepción de la segunda entrega del reboot de la saga Evil Dead había dejado la mesa servida para una continuación. En su tiempo, la creación ochentosa de Sam Raimi logró combinar los miedos atávicos del terror satánico con el sugerente splatter nacido de los excesos de esa década por demás sanguinolenta. El intento de actualizarla llegó a su mejor forma con Evil Dead Rise (2023), bajo la dirección de Lee Cronin, hoy convertido en un activo del horror contemporáneo con su reciente versión de La momia (en la que coló su nombre antes del título en una ostentación de ‘autoría’ que parece consagrarse cada vez más rápidamente). Cronin levantó la vara después de la convencional versión de Fede Álvarez de 2013, y sumó a las preocupaciones sobre demonios y conjuros el asunto ya trajinado de la maternidad traumática.

Sin embargo, la nueva aproximación al universo de Evil Dead del francés Sébastien Vanicek (Vermin: La plaga) retrocede varios casilleros. O, mejor dicho, cree que acumular escenas de “diseño” sin criterio, cada una más escabrosa y retorcida que la anterior, es un mérito que sostiene esa aspiración de ser “la más salvaje de la saga”. De hecho, su in crescendo no es dramático sino artificial, cronometrando a cada minuto cómo se puede causar mayor repulsión, si reventando un cráneo con la bandeja del lavavajillas o retorciendo un oído con una pluma estilo.

Así la película es una apuesta por el exceso en todos los sentidos, acumulando sangre y muertes sin construir climas ni desarrollar personajes, con la única idea de que, si todo es más asqueroso, con más vísceras y desfiguraciones, el espectador del festín del terror quedará satisfecho. Y, por supuesto, sin dejar atrás la actual tendencia de incluir un tema de agenda que “sostenga” la gestación argumental: la violencia intrafamiliar acelera conflictos y circula como tema de discurso y permanente conversación.

No hay mucho que presentar en la perspectiva de Vanicek, simplemente situar la emergencia de los demonios convocados por el Necronomicón en un ambiente boscoso e inhóspito, donde primero dos amigos que salieron a pescar recibirán su imprevista visita, y luego el rebelde primogénito de los Price se estrellará contra su mismísima encarnación. De allí, una muerte y su imprevisto funeral conducen a una casona derruida en un bosque solitario donde la reciente viuda y la familia de su marido deberán convivir a instancias de un duelo que se torna cada vez más infernal.

Es poco lo que enraíza esta sorda disputa de los deudos con el Libro de los Muertos y la investigación del Círculo de los Sabios para el conjuro de esa maldición: el verdadero rol del apellido Price en la batalla contra los demonios circula apenas en la periferia de la historia, para devenir en una especie de McGuffin hitchcockiano que persigue a la familia unida y encerrada en el gótico enclave de su destrucción.

Lo único que parece importarle a Vanicek, que fue elegido por el propio Raimi al quedar impactado por los hallazgos visuales de su ópera prima, es el diseño de las escenas de enfrentamiento entre libres y poseídos, concebidas todas con un despliegue de ingenio en instrumentos y mecanismos -y toques de humor a cargo de una anciana con Alzheimer y dentadura postiza-, recorriendo desde áticos a rutas solitarias, pasando por duchas -¿guiño a Hitchcock?- y chimeneas, sin mucha más ambición que los golpes de montaje y los alambicados maquillajes de la monstruosidad.

Los personajes no son más que títeres de esa familia disfuncional, que en sus generaciones pasadas oscilaban entre la aventura heroica para los varones y el sacrificio silencioso para las mujeres, y en los últimos eslabones emerge con una violencia consistente y operística que alterna la obscenidad del muerto y la cobardía del sobreviviente. Una idea que podría resumirse en el tagline de la película: “Cada familia tiene sus propios demonios”. Sí, es cierto, pero en el cine hay que saber representarlos.

4 stars

A lo largo de más de 30 años de carrera, Arnaud Desplechin ha sabido construir algo que es una auténtica proeza: tener su propio estilo, una voz personal que hace reconocible a su cine dentro de una tradición riquísima como la francesa. Es, junto a otros talentosos autores como Leos Carax, Claire Denis y Olivier Assayas, uno de los cineastas contemporáneos esenciales de su país.

En sus películas, los personajes suelen vivir cada sentimiento como si fuera una cuestión de vida o muerte. Y Dos pianos confirma esa fidelidad a un cine de las pasiones, aunque lo haga desde una forma más depurada y sugestiva que en algunos de sus títulos más celebrados.

Mathias Vogler (François Civil) es un pianista que abandonó Francia tras una crisis personal y artística. Regresa a Lyon para reencontrarse con su antigua maestra (Charlotte Rampling) y con Claude (Nadia Tereszkiewicz), el gran amor de su juventud, casada con otro hombre. Lo que importa en esta historia, en suma, son las ondas expansivas que produce el pasado cuando vuelve a irrumpir en el presente.

En ese contexto, los recuerdos aparecen de forma inesperada, el azar juega un rol importante en la trama y los protagonistas parecen moverse impulsados por fuerzas que apenas logran decodificar.

Hay un trabajo muy refinado en los diálogos, que contienen mucho más que aquello que revelan de manera explícita gracias a una construcción cargada de inventiva y sutilezas.

Dos pianos, conviene aclarar, no es una película sobre músicos. En verdad, la música funciona aquí como un idioma emocional, el único capaz de expresar aquello que los personajes son incapaces de verbalizar. Cada interpretación parece completar conversaciones inacabadas y cada ensayo revela algo sobre la relación de Mathias con su mentora y sobre su inestable estado de ánimo, jaqueado por su incapacidad para reconciliarse con las decisiones que han marcado a fuego su biografía.

Tanto Vogler como Tereszkiewicz lucen solventes en sus papeles, eficaces para transmitir angustias, deseos, represiones y fragilidades. Pero es la veterana Charlotte Rampling (acaba de cumplir 80 años) quien brilla transformando a su Elena en una presencia magnética. Esta señorial profesora de piano pertenece a esa galería de figuras maternas ambiguas que recorren el cine de Desplechin: protectoras y exigentes, afectuosas pero también dominantes, capaces de impulsar el talento ajeno sin dejar nunca de ejercer sobre él una forma de control.

Visualmente, Desplechin combina la elegancia del clasicismo con una puesta en escena extraordinariamente dinámica. La cámara cambia constantemente de distancia respecto de los personajes, y esos movimientos parecen seguir el ritmo de sus vacilaciones interiores antes que una lógica espacial estricta. El montaje también es clave: muchas escenas terminan antes de alcanzar una resolución convencional, abortando deliberadamente cualquier explicación definitiva.

Dos pianos también dialoga abiertamente con el melodrama. Desplechin recupera algunos de sus mecanismos -el peso del destino, las casualidades decisivas, los amores imposibles-, pero evita la grandilocuencia y los subrayados. En lugar de los excesos habituales en el género -especialmente en el Hollywood de los años 40 y 50-, el director francés trabaja desde la contención. El dolor nunca explota, permanece suspendido, latente, expresado con melancolía en cada gesto y en una música exquisita que también evoca a su manera la frustración por las oportunidades perdidas.

Se espera que así vuelva a suceder cuando, a partir del jueves 20 de mayo de 2027, el escenario del Teatro Gran Rex ofrezca la versión teatral de Frozen, el “tanque” de Disney que permitirá que, en plena Calle Corrientes, resuene el hit “Let It Go”, uno de los sonados musicales de la obra, estrenada en Time Square en 2017 (luego de un breve paso a modo de prueba por Denver), cuatro años después de darse a conocer el famoso film animado que recorrió casi todo el mundo.

Mientras la actual puesta de Charlie y la fábrica de chocolate, que se ofrece en la monumental sala racionalista del centro porteño, se posiciona como lo más visto de la temporada invernal, Los Rottemberg (Carlos y Tomás), MP Producciones (Mariano Pagani y Magalí Altman) y Ozono (Pablo Kohlhuber y Fernando Moya) ya se encuentran trabajando en lo que será una de las grandes apuestas del teatro “apto para todo público”, como también ya sucedió con Matilda (2023), School of Rock (2024) y La Sirenita (2025).

-La Sirenita, ¿ha sido el antecedente que permitió que la compañía Disney volviera a apostar por la Argentina y por el mismo equipo de producción que llevó adelante el musical de la temporada 2025?

Tomás Rottemberg: -No tengo dudas. Todas las visitas de los enviados de Disney, que recibimos en el Gran Rex durante 2025 por La Sirenita, sirvieron para que visualicen la envergadura de esta empresa productora. Además, Carlos (Rottemberg) y yo, que no veníamos del género, pudimos comprobar algo que repetimos siempre, estamos convencidos de que no existe mejor equipo de producción, en todas las áreas que integran un espectáculo de esta magnitud, que el que MP y Ozono aportan en cada proyecto en los que estamos involucrados.

Magalí Altman: -Las negociaciones comenzaron hace dos años. Mientras estrenábamos La Sirenita, el equipo de Disney Theatrical Group, que supervisa nuestras producciones, nos preguntó cuál era el próximo título de Disney que soñábamos hacer. No lo dudamos ni un segundo, respondimos Frozen.

Mariano Pagani: -Frozen representa un reto único desde lo creativo. Su música incluye algunas de las canciones más icónicas y escuchadas de la historia de Disney. Además, llevar al escenario un universo lleno de nieve, hielo y efectos mágicos nos obliga a superarnos una vez más. Es un desafío inmenso para todo el equipo; justamente eso es lo que más nos entusiasma.

La princesa del curioso poder

El musical teatral está basado en el film de Walt Disney Animation Studios que contó con libro de Jennifer Lee y canciones de Kristen Anderson-López y Robert López. La trama, rápidamente se convirtió en uno de los relatos clásicos de la majors norteamericana.

Elsa y Anna, princesas del reino ficticio de Arendelle, son las protagonistas de la historia. Elsa, la mayor de las hermanas, convive con el curioso poder de generar hielo y nieve. Lo que nació como un atributo, se convierte en pesadilla, dado que la joven no puede controlar su don generando consecuencias no deseables como la de un invierno perpetuo. Así las cosas, luego de que Elsa decide huir, el mismo día de su coronación, su hermana Anna irá en su búsqueda no solo para hallarla, sino también para lograr poner fin al nocivo encantamiento.

Se trata de una fábula de amor fraternal, aunque no exento de competencias y algunas rispideces.

“Es una historia que habla sobre el amor en su forma más genuina: el amor entre hermanas. También habla de aceptar quiénes somos, de transformar el miedo en fortaleza, de aprender que nuestras diferencias no son un defecto, sino aquello que nos hace únicos. En un mundo donde muchas veces se pone el foco en la competencia o en la perfección, Frozen nos recuerda que la empatía, el vínculo con los demás y el amor pueden ser la fuerza más poderosa de todas”, explica Altman.

Al momento de su estreno, trascendió que el musical de Broadway tenía un costo de casi treinta millones de dólares. El desafío técnico del material es mayúsculo. En cine, la animación digital puede lograr impactantes efectos, pero, trasladar esos recursos e intervenir la escena, logrando una puesta creíble, es una hazaña creativa. Así como nevó y hubo hielo en un escenario de la Gran Manzana neoyorquina, el próximo invierno sucederá igual en la sala de la Calle Corrientes al 800.

“Disney Theatrical Group supervisa de manera muy cercana todo el desarrollo creativo de la producción. El proceso comienza desde las primeras etapas de diseño y continúa durante los ensayos, con un intercambio permanente entre nuestros equipos. Disney aprueba la propuesta artística integral, la adaptación de la obra, la escenografía, el diseño de vestuario, cada figurín, la utilería y todos los aspectos creativos que construyen el universo del espectáculo. También acompaña el proceso de casting”, argumenta Altman.

-¿Ya se barajaron nombres de talentos previstos para llevar adelante la temporada de Frozen? ¿El equipo creativo está definido?

Pablo Kohlhuber: -Todavía no hay actores confirmados, el proceso de audiciones comenzará en los próximos meses y, como hacemos en cada uno de nuestros proyectos, será una búsqueda muy amplia y exigente. Queremos encontrar a los intérpretes que mejor representen a estos personajes tan queridos por el público, combinando excelencia artística, calidad vocal y un gran compromiso actoral.

Mariano Pagani: -En cuanto al staff creativo, está prácticamente definido. Será, en su gran mayoría, el mismo equipo que actualmente se encuentra llevando adelante Charlie y la fábrica de chocolate, lo que nos permite trabajar con un lenguaje común, con mucha confianza y con un nivel de exigencia muy alto para afrontar una producción de la magnitud de Frozen.

-¿Cómo se logra llevar adelante producciones de esta envergadura en un contexto económico adverso como el que atraviesa nuestro país?

Tomás Rottemberg: -El mayor riesgo fue el comienzo. Cuando uno apuesta a la credibilidad y esa apuesta es correspondida con la confianza de la gente, empieza a ponerse en marcha un círculo virtuoso; esa rueda es la que permite seguir produciendo y seguir apostando. En eso sigo una enseñanza de mi padre que escuché siempre en mi casa, “reinvertir en el teatro lo que el público deja en las boleterías”. Eso es, precisamente, lo que estamos haciendo. Estoy convencido de que esta productora, integrada por tres empresas, encontró su identidad, su razón de ser y su proyección a partir de aquella apuesta inicial y de la confianza que el público fue construyendo con nosotros.

-Con las producciones ya estrenadas aparece la clara intención, manifiesta por ustedes, en torno a que las narrativas de las obras contengan algunos valores éticos y pedagógicos, más allá del rasgo del entretenimiento. ¿Sucederá lo mismo con Frozen? ¿Por qué?

Carlos Rottemberg: -Nuestro objetivo es ofrecer el mejor entretenimiento posible, siempre apoyado en historias que, además de emocionar y divertir, dejen un contenido valioso. Nos interesa que cada espectáculo tenga un mensaje, una mirada, un componente pedagógico que acompañe la experiencia sin resignar calidad artística ni entretenimiento.

Mucho de esta concepción germinó hace cuatro años cuando, en la elección de los dos primeros títulos, Carlos Rottemberg escuchó atentamente la opinión de Nicolás y Matilda, sus hijos menores.

También el ecosistema familiar de Magalí Altman resuena en la conformación de la próxima producción: “Desde que nació mi hija, que hoy tiene cuatro años, Elsa y Anna forman parte de nuestra vida cotidiana. Como mamá, vi incontables veces la película y sus canciones pasaron a ser parte de la banda sonora de nuestra casa”.

-Está claro que los valores que enaltencen las historias ocupan un lugar preponderante en la elección de los títulos.

Magalí Altman: -En Matilda hablábamos del valor de la educación y del coraje para cambiar la propia realidad; en School of Rock, sobre la importancia de encontrar la pasión y creer en uno mismo; en La Sirenita, nos referíamos al animarse a seguir los propios sueños y buscar la propia identidad; y en Charlie y la fábrica de chocolate, el foco está puesto en la humildad, la empatía y el valor de la familia. Frozen continúa naturalmente ese camino. Ese es el tipo de historias que nos interesa contar.

Fernando Moya se entusiasma pensando en la temporada por venir: “Disney confió en nosotros para que hagamos Frozen y estamos con súper ganas de anunciarlo y de disfrutar del proceso de producirlo”.

Desde aquella ilusión llamada Matilda hasta hoy corrió mucha agua debajo del puente y la saga de espectáculos para las familias se posicionaron como un clásico del Gran Rex. Una de las salas más grandes de Buenos Aires que se convierte en un gran recreo en ebullición: “Hoy el aval son las quinientas mil personas que vieron nuestras tres producciones anteriores”, argumenta Carlos Rottemberg.

El productor, propietario de las salas porteñas Multiteatro, Multitabaris, Metropolitan y Liceo, menciona a su colega responsable de conducir el Gran Rex: “Para llegar hasta acá, también fue fundamental el respaldo de Andrés Cordero. No hablo con el diario del lunes, hablo de 2021, en plena segunda ola de la pandemia, cuando empezamos a imaginar este proyecto, a pensar en producir Matilda para 2023. En aquel momento, solo teníamos un sueño y una enorme convicción. Hoy, mirando hacia atrás, uno siente un profundo orgullo por el camino recorrido. Eso es lo maravilloso de ser teatrista, tener la posibilidad de unir cultura con esparcimiento familiar. Después de más de cincuenta años en la profesión, sigo convencido de que no me equivoqué al elegirla”.

Así como dedica un párrafo a su oficio, “el señor de los teatros”, como alguna vez se lo bautizó a Carlos Rottemberg -gozoso del presente, pero, fiel a su estilo, ya con el tablero de diseño apostado en el próximo invierno-, no duda en mirar hacia la platea, ese mismo espacio donde contaba butacas y espectadores cuando era un niño, y reflexionar en voz alta: “La emoción de la gente es el premio más grande”. Ya se percibe la ilusión y la epifanía del milagro, el año próximo, nevará en el Gran Rex.

3 stars

Innecesario. El adjetivo que viene calificando a todas las versiones live action de los clásicos modernos animados de Disney le cabe también a esta versión con personajes de carne y hueso de Moana, que llega en una fecha que parece deliberadamente calculada para algún tipo de celebración: el largometraje original se estrenó hace exactamente diez años.

Pero esa posibilidad se diluye por completo en la primera impresión. Lo que suele darle sentido al concepto mismo de remake (el rescate o la revisión de alguna obra olvidada, poco valorada o necesitada de un nuevo enfoque) desaparece aquí por completo. Primero porque Moana, tal como se la concibió en 2016, puede verse en streaming (Disney+) cuantas veces uno quiera. Y segundo, porque esta versión está clonada en un 100% de la original.

Las acciones, las escenas, las canciones y hasta muchos diálogos son exactamente iguales. Solo se agregaron algunos detalles argumentales completamente secundarios y una canción nueva (“Along the Way”), compuesta por Lin-Manuel Miranda, que se suma a la conocida banda sonora original.

Frente a semejante muestra de fidelidad extrema solo queda pensar en el improbable hecho de que una nueva generación descubrirá a Moana a partir de esta nueva versión. Ya sabemos que los chicos ingresan en el mundo de los clásicos de Disney a partir de sus clásicos animados y lo que aporta esta nueva aventura en términos de descubrimiento es mínimo. Solo el deslumbrante trabajo de los expertos animadores del estudio que nos deslumbran una vez más con la transformación de la tecnología digital en verdadero arte audiovisual.

No hay aquí ni una sola revelación ajena al relato de origen, cruce entre ciertas tradiciones polinesias y el mito griego del semidiós (en la Antigüedad clásica era en realidad un titán, Prometeo) que se apropia de algo que pertenece a los dioses (una joya que activa el funcionamiento de la naturaleza) y provoca el caos y el peligro de la destrucción del ecosistema completo.

Cuando nuestra heroína, señalada por el destino como artífice del rescate, sale en busca de la salvación, la aventura se convierte en una extraña buddy movie. La joven y temeraria Moana (que no se reconoce como princesa, sino como viajera y aventurera) y el arrogante semidiós Maui deben aprender a conocerse y cumplir con la misión redentora.

El relato se sostiene por la espectacularidad visual (aunque pocas veces el despliegue digital deja a la vista la belleza de los escenarios naturales del archipiélago de Hawaii), por la buena resolución de algunos desafíos (el traslado al modelo live action de la tribu pirata Kakamoa y el gigantesco cangrejo Tamatoa funciona) y sobre todo por el carisma inoxidable de Dwayne Johnson, que en la película original le puso voz a Maui y aquí convierte al personaje en una extraña deidad del Pacífico Sur. Tardamos un poco en acostumbrarnos a verlo con una extraña melena, pero su presencia termina imponiéndose a casi todo lo demás.

A su lado, la australiana Catherine Laga’aia hace un debut no demasiado destacado más allá de su bellísima voz y el apropiado porte físico para encarnar a Moana. Su presencia no va más allá de la personificación en carne y hueso de una figura que ya venía con todos sus rasgos bien definidos desde la película original. Para honrar y sostener esa impresión, Disney convocó de nuevo a la hawaiana Auli’i Cravalho (la voz de Moana en los dos largometrajes animados) para cantar el tema nuevo junto a Laga’aia y Johnson. Eso equivale a admitir, sin decirlo, que en la película original estaba prácticamente todo dicho. La botella tiene el mismo sabor, peso y contenido que la cosecha 2016. Solo cambia la etiqueta.

“Icardi consiguió trabajo”, anunció Latorre. “Lo que no sé es si se retira del fútbol o el fútbol lo retiró”, comentó, puesto que hasta el momento la continuidad del futbolista en el Galatasaray no está garantizada. “Por eso ahora entiendo, pobre, que hace cinco días que está como muy enajenadito, insultándome sin parar. Ahora entiendo sus nervios. Me dice: ‘Vieja, cornuda, mala periodista...’ todo eso te grafica a vos. Para ser un crack, tenés que serlo adentro y afuera de la cancha”, lanzó.

Indicó que Icardi presentó en el juzgado su nuevo contrato laboral para poder habilitar su regreso a Estambul. ¿De qué se trata? “A partir de ahora es embajador de una marca, es influencer”, anunció Latorre. Dijo que el futbolista presentó ante la justicia el contrato que firmó con Cosmedia Clinic, un centro de estética ubicado en Estambul que ofrece tratamientos capilares, dentales y estéticos, en el cual María Eugenia “China” Suárez se realiza tratamientos estéticos.

“Pobre ella, que quería un jugador que gane 10 millones al año y terminó con uno de 100 mil euros por los tres meses”, enfatizó la conductora para exponer la remuneración total que recibirá Icardi por los tres meses de trabajo con la clínica en cuestión, siempre y cuando cumpla con las exigencias del contrato. Además de generar contenido promocional en sus redes sociales y visitar las instalaciones dos veces al mes, debe, según lo que leyó Latorre, “comportarse de manera profesional y abstenerse de cualquier conducta que pueda dañar la reputación o prestigio de la compañía”.

Según explicaron, la trama de la ficción incluía escenas de automovilismo vinculadas al personaje del actor Victorio D’Alessandro. Para aportar realismo a las secuencias de riesgo en la pista, la producción decidió convocar a corredores profesionales de Turismo Carretera en lugar de actores. Deambrosi formó parte de ese grupo de deportistas contratados como dobles, escenario donde finalmente conoció a la ex Casi Ángeles.

Aquel dato modificó por completo la cronología del vínculo, lo que generó debate entre los panelistas. Lussich precisó que el rodaje de dicha temporada se llevó a cabo entre el 2 de julio y el 14 de septiembre de 2024, período que llamó la atención porque implicaría que el romance con el piloto comenzó meses antes de lo que se creía, lo que alimentó la duda de si el romance siguió vigente cuando la actriz fue vinculada con Mauro Icardi.

La información sobre las grabaciones contradice otras versiones instaladas en el medio durante los últimos días. Natalie Weber había señalado que el acercamiento comenzó recién en noviembre de 2024, fecha que coincidió con un viaje del piloto por una lesión. Al respecto, el periodista Camilo García sugirió que las contradicciones se deben a una estrategia del propio automovilista para mantener la atención mediática tras las ambiguas declaraciones que le brindó a Paula Varela, en las que confirmó su affaire sin dar una fecha con exactitud.

El escándalo, detonado inicialmente por una fotografía publicada por Yanina Latorre, también llevó a Deambrosi a romper el silencio en sus redes sociales. A través de un sugestivo mensaje en Instagram, el piloto expresó: “Hay conexiones que no necesitan títulos, fotos ni confirmaciones para existir. Mientras algunos intentan entender qué pasa, yo sigo enfocado en lo mío. Nos vemos en la pista. #88”. Esas palabras fueron interpretadas como una clara señal de que habría pasado algo entre ambos, hecho que terminó de confirmar ese mismo día, al comunicarse con la panelista de Intrusos.

El exdelantero participó de un desafío junto al creador de contenido Ezzequiel, donde debía escuchar una serie de nombres de futbolistas y reaccionar solo en caso de considerar que alguno había sido mejor que él. La dinámica consistía en que cada silencio era interpretado como una señal de que se ubicaba por encima del jugador mencionado.

Durante el desafío, el creador de contenido nombró a distintos delanteros como Lucas Pratto, Daniel Osvaldo, Sebastián Abreu, Lisandro López y Martín Palermo, entre otros, para conocer la reacción de Maxi López. El exjugador de River Plate mantuvo el silencio ante todos los nombres que aparecieron en la lista y respetó la consigna del juego.

El momento que más llamó la atención llegó cuando sonó el nombre de Mauro Icardi. Ante eso, López no respondió y realizó un gesto que rápidamente generó comentarios en redes sociales, ya que muchos interpretaron su reacción como una referencia a la comparación entre ambos futbolistas y a la historia que los vinculó años atrás.

Como era de esperarse, la reacción de Wanda Nara no tardó en aparecer. La mediática comentó el video del desafío y escribió: “Nah, nah, nah. Maxi se zarpa, no entendió la consigna”. Su mensaje rápidamente llamó la atención de los usuarios, siendo uno de los comentarios más destacados de la publicación.

Esta semana, el joven de 22 años publicó en sus historias de Instagram una selfie que se tomó con Rochi Igárzabal. Ambos tenían la mirada puesta en la cámara, él con una leve sonrisa y ella lanzando un beso. Por la vestimenta que tenían y por la locación, se pudo advertir que la misma fue tomada el domingo 28 de junio, día del funeral de Pais. La despedida tuvo lugar en una casa velatoria ubicada en el barrio de Villa Crespo y luego el cortejo fúnebre se trasladó al Cementerio de la Chacarita para darle el último adiós.

Igarzábal y Pais forjaron un fuerte vínculo al trabajar juntas en la obra de teatro El divorcio del año de José María Muscari. En el momento del siniestro, la periodista se estaba dirigiendo al teatro Nini Marshall de Tigre para hacer la función.

Horas después de que la noticia se hiciera pública, la ex Casi Ángeles compartió en Instagram un sentido mensaje de despedida que incluyó fotos que se tomaron juntas entre funciones. “Quiero creer que no es verdad. Amiga, te llamé. Te llamé mil veces. Hablamos a la mañana de hacer actos psicomágicos para que habites tu nueva vida, llena de proyectos, de arte y de alegría (...) No sé si te dije lo mucho que te amo y todo lo que me inspiraste. Sentía felicidad de saber que ibas a ser mi amiga por muchos años. Sabíamos que esto era para siempre. Y lo es. Ernes, nos quedaron mil postres por probar. Te amo infinito. Te voy a extrañar todos los días”, expresó.

La épica hazaña del plantel que dirige Lionel Scaloni dejó a más de uno con la boca abierta y Olivera no quedó afuera. Esta no es la primera vez que se la ve en pleno llanto y arrodillada sobre el suelo mientras se desarrolla el partido de la selección. Según explicó Ayos, es su “cábala” y es un “drama” que vive la familia desde el Mundial de Qatar 2022.

“Quebranten ese muro la pu*a madre”, empieza el video en el que se ve a Victoria con la camiseta del seleccionado argentino mientras grita, llora y se arrastra por el piso frente a la televisión. “Si perdemos, juremos con gloria a morir. Y por lo menos perdimos, pero apoyando 100 por ciento a nuestra selección”, lamentó la joven cuando el partido iba 2 a 0 con triunfo egipcio.

Después del gol de Enzo Fernández que dio vuelta el marcador y dejó al equipo albiceleste arriba por 3 a 2, se vio a Victoria y a Diego Olivera abrazarse. “Vamos, mi amor”, gritaba el actor argentino al tiempo que su hija lloraba eufórica.

“Es un milagro”, repetía sin parar Victoria. “Ahora hagamos tiempo. Defiendan, defiendan, defiendan”, imploraba la joven hasta segundos antes de que el árbitro finalizara el partido en los minutos extra. “Dale, acabala. ¡Terminalo!”.

Una vez que el partido concluyó, la hija de los actores siguió tendida en el suelo: “No lo puedo creer. Dios mío. Es cierto que teníamos que rezarle a Dios. Yo nunca los cambiaría por nada”, cerró el video.

“Inolvidable”, caratuló Ayos esta situación junto a su familia. La pareja de actores reside entre México y Miami y este partido lo vieron en la ciudad del estado de Florida.

Mediante sus historias de Instagram, Mónica Ayos replicó un video de un instagramer de fútbol, quien destacó la pasión con la que la familia de actores experimentó los momentos más difíciles del encuentro entre la Argentina y Egipto. “La semana pasada hice un video hablando de la reacción de Victoria después de que la selección argentina le ganó a Cabo Verde y hoy volvió a reaccionar en la victoria que prácticamente nos heló el pecho”, mencionó el joven.

“Gracias a todos por preguntar cómo vivió esta locura. Victoria está bien”, sostuvo Ayos en el posteo del video sobre su hija. Además, en la sección de comentarios decenas de usuarios se manifestaron al respecto con mensajes como: “Amo a Victoria. Viva Argentina. Gracias Mónica”; “Amo cómo lo puede expresar, la mayoría estábamos paralizados, mudos, comiéndonos los codos” y “Otra vez todos fuimos Victoria. Qué la parió”.

La opinión que remató a todas fue la de Diego Olivera, que más tarde también se sumó al apoyo popular a Victoria y desde su propio perfil de Instagram dijo: “Hija, no sé por qué, pero tu psicóloga no te va a dar el alta nunca”.